CARTOONIA

Hugh Harman-Rudolf Ising

2012-01-05T12:27:00.002Z

(Actualizado)

Esta pareja de autores son un poco desconocidos incluso entre los aficionados, pero son muy importantes. Los Warner Bros. Cartoons se crearon en 1929 de la mano, precisamente, de Harman (1903-1982) e Ising (1903-1992), antiguos colaboradores de Walt Disney. Bosko, the Talk-Ink Kid, un pequeño personaje negro, fue una de sus primeras creaciones, de la cual se hicieron 40 capítulos entre 1929 y 1933. Bajo la dirección artística de Leon Schlesinger (1883-1949) produjeron sus films bajo el nombre, hoy muy popular, de Looney Tunes, título inspirado en las Silly Symphonies de Disney. Algunos episodios de Bosko destacables son: Box Car Blues (1930), Bosko in Person (1933), Bosko the Drawback (1933), Bosko´s Dizzy Date (1933) o Bosko and Bruno (1932).

Pero Looney Tunes no acababa de tener demasiada repercusión, así que Schlesinger creó otra serie paralela llamada Merrie Melodies. Harman e Ising seguirían con sus creaciones: Foxy, un zorro, acompañado a veces por su novia Roxy -las similitudes con Mickey y Minnie eran obvias- protagonizó cortos como One More Time, Lady, Play Your Mandoline! (1931) o Smile, Darn Ya, Smile (1931) -atención a la canción, rescatada en la película Quién engañó a Roger Rabbit); Goopy Geer (1932), un perro hillbilly, que también aparece en Moonlight for Two (1932); episodios diversos fueron I Love a parade (1932), A Great Big Bunch of You (1932), Crosby, Columbo and Vallée (1932), Freddy the Freshman (1932), Hittin' the Trail for Hallelujah Land (1931), Pagan Moon (1932), Red-Headed Baby (1931), Three's a Crowd (1932), The Shanty where Santy Claus Lives (1933)...
Todos ellos tenían ese nosequé que, a pesar de las apariencias, los hacía diferenciables tanto de los trabajos de Disney como de Fleischer. Pero no gozaron del éxito. Entonces deciden buscar nuevos pastos, o sea, la Metro Goldwin Mayer. Lo de "nuevo" es un decir, porque ya habían trabajado antes para MGM con la serie Happy Harmonies -de nuevo, título que recuerda sus otras series-, pero en esta ocasión la compañía tenía un departamento de animación propio, creado en 1937 bajo la dirección de Fred Quimby (1896-1965). Harman dirigió el interesante, navideño y premiado Peace on Hearth (1939) o el muy divertido The Lonesome Stranger (1940), una parodia de El Llanero Solitario. Ising dirigió The Bear That Couldn't Sleep (1939), protagonizado por el posteriormente famoso oso Barney, o The Milky Way (1940), una fábula que transcurre en el espacio.

Otras Happy Harmonies destacables son: Toyland Broadcast, el excelente The Old Mill Pond (1936), Good Little Monkeys -con la aparición de los tres monos del no ver-no oír-no hablar, que tendrían su continuación con Pipe Dreams y Art Gallery-, Honeyland (1935) o The Calico Dragon (1935). Para acabar, debo mencionar que Harman e Ising en esa etapa comenzaron a trabajar con Scott Bradley (1891-1977), uno de los futuros grandes compositores de música para animación influenciado por el jazz.

Juan Padrón y ¡Vampiros en la Habana! (y Elpidio Valdés, cómo no)

2011-12-03T17:45:00.003Z

(Actualizado)

Largometraje (en coproducción Cuba-España-Alemania) dirigido por el respetado dibujante y director cubano Juan Padrón en 1985.

Info Juan Padrón: Wikipedia.

Info ¡Vampiros en la Habana!: Wikipedia.

Para ver esta película online pincha aquí: http://wuapi.com/vvideo/vampiros-en-la-habana (visto en http://misubconsciencia.blogspot.com/, un blog muy recomendable).

En el año 2005 el mismo director realizó la 2ª parte, Más vampiros en la Habana. En el canal de pje2001 en Youtube podéis ver Vampiros en la Habana y su segunda parte, además de episodios de Elpidio Valdés-otra creación de Padrón- y otras cosillas -como cortos de Disney y la peli Pinocho-.

Prevenir el SIDA con animación

2011-12-02T19:14:00.002Z

La más reciente entrada del estupendo blog Animaholic trata precisamente de lo que os ponemos en el título. Echadle un ojo, por favor.

El spot que os destaco es mi favorito, por razones obvias. Una genialidad.

http://youtu.be/h-CobellfLs?hd=1

La Reina de las Nieves

2011-08-25T16:14:00.090+01:00

Un clásico del cine de animación ruso que, según dicen, causó una profunda admiración en Hayao Miyazaki.

Con el título original de Snezhnaya koroleva y dirigida por Lev Atamanov en 1957, la historia está basada en un cuento de Andersen.
Más info en IMDB

He creído oportuno recordaros esta película, la primigenia, puesto que la Disney tenía en mente hacer un remake de la historia, pero se ha cancelado por el momento... ¡afortunadamente! (más info aquí). Que no me lo tengan en cuenta los admiradores de Disney, pero en mi opinión todo lo clásico y public domain que tocan lo convierten en blandura comercial dulcificada.
Hombre, para ser sinceros, en esta primera versión la protagonista buena es extremadamente buena; pero, amigos, la malvada reina es genial.

La Reina de las Nieves en Youtube

Megaupload: La Reina de las Nieves

The Snow Queen-La Reina de las Nieves, 1957(Dual Engl-Esp).avi

Fallece Robert Breer, animador experimental

2011-08-20T16:16:00.001+01:00

Me he enterado en el gran Animaholic de la muerte de este artista de vanguardia que comenzó a sorprender al mundo en los años 50. Os emplazo al mencionado blog para más información.

REcreation

Nino y Toni Pagot

2011-08-14T16:19:00.134+01:00

"Cuando un personaje genera un nombre familiar ha superado la barrera de la inmortalidad y ha entrado en el reino del mito: ya sea un calimero, un donjuan, un casanova, un donquijote o una cenicienta."

Umberto Eco.

Nino Pagotto. Venecia, 1908-Milán, 1972

Antonio Pagotto. Venecia, 1921-Roncello, 2001

Después de iniciarse ambos como autores de cómic, los hermanos Pagot se integran, desempeñando diferentes funciones, en el mundo del cine y la televisión italianos.

En 1942, y como Pagot Film, realizan el largometraje Los Hermanos Dinamita (I Fratelli Dinamite), si bien la obra no estará finalizada hasta después de la guerra. Esta película es muy importante, puesto que, junto con La Rosa de Bagdad (Anton Gino Domeneghini, 1949), se encuentra entre los primeros y más ambiciosos ejemplos de largometrajes de animación en color de Italia. Ambas películas fueron presentadas en el Festival de Venecia de 1949, y si se quiere dar una primacía a una de las dos se puede acudir a la fecha en el Registro Público cinematográfico de la SIAE. Así, la obra de los Pagot fue registrada en 1947 y la de Domeneghini en 1949.

La película -realizada con una cámara artesanal que logró reproducir el Technicolor norteamericano, y que contó también con la colaboración de otros dos futuros reputados animadores, Osvaldo Cavandoli y Osvaldo Piccardo- consta de una serie de episodios unidos entre sí por la narración de Cloe, tía de Din, Don y Dan, conocidos como los hermanos Dinamita debido a sus gamberradas.
Resulta que los tres hermanos han sido abandonados en una isla por su padre, el capítán Esponja (no confundir con Bob). Allí viven en una idílica libertad, en armonía con la naturaleza, hasta que alguien decide que ha llegado el momento de educarlos e integrarlos en la sociedad. Pero quizá sea demasiado tarde: los tres monstruítos se niegan a admitir cualquier autoridad y se meten en situaciones increíbles, portadores de una poética anarquía que exalta la fantasía de la infancia contra la rigidez y seriedad del mundo adulto.
Los Hermanos Dinamita es una obra maestra que requirió mucho esfuerzo productivo, pero deafortunadamente no obtuvo en su momento demasiado éxito en taquilla. La mencionada La Rosa de Bagdad también resultó un fracaso comercial, y eso hizo que se cerrara por muchos años la senda al cine de animació italiano, desviándose la mayor parte de los artistas hacia la publicidad.

Para tal fin la Pagot Film crea en 1961 al polluelo negro Calimero para una marca de detergentes. "Nadie me quiere porque soy pequeño y negro" era su frase, como en una nueva versión del patito feo, y el personaje alcanzó tal popularidad que comenzó a aparecer en el programa Carosello el 14 de julio de 1963, llegando a protagonizar su propia serie, de enorme éxito.
Calimero fue emitida por TVE en su momento y su frase llegó a ser una famosa muletilla; pero, curiosamente, en EEUU se negaron a emitirla por estar protagonizada por un personaje "negro" (!). Qué cosas.

Algo no muy conocido es el hecho de que los hnos. Pagot realizaron, además, muchas series para Hanna-Barbera. Para esta productora norteamericana solían trabajar artistas de diferentes países como "negros", incluído España. (Hablando de negros...)

Crearon un gran número de simpáticos personajes hasta la muerte de Nino en 1972. Toni regresó al cómic, sin dejar de ocuparse de la animación, creando la serie Dragoncito Grisù (1975) y otras cosas mucho más bizarras, hasta que su admiración por el japonés Hayao Miyazaki le llevó a realizar Sherlock Holmes.
Pero en este punto os emplazo a que leáis, si no lo habéis hecho, la entrada correspondiente dedicada a Miyazaki en la que os comentamos esta etapa.

A excepción de Calimero, resulta muy dificil encontrar cosas de los Pagot en internet. Por ejemplo, buscad Los hermanos Dinamita en Youtube y veréis lo que os sale. Una pena.

http://www.calimero.com/

Hayao Miyazaki, de cuando aún no sabíamos quién era

2011-08-12T15:29:00.013+01:00

Hayao Miyazaki es, sin duda, uno de los maestros de la animación japonesa. Dibujante de manga extraordinario, finalmente se pasó al anime en 1987, fundando junto a Isao Takahata el Studio Ghibli y ejerciendo una gran influencia a todos los que vinieron detrás. El viaje de Chihiro (2001) recibió el Oso de Oro en el Festival de Berlín y el Oscar en la categoría de mejor largometraje de animación, siendo así reconocido por las masas. Pero hubo un tiempo en que por la tele española pudimos ver series que tenían su mano, aunque en ese momento no lo sabíamos.

En 1975 TVE emitía Heidi, serie basada en el libro homónimo de 1880 escrito por Johanna Spyri. En Japón se estrenó un año antes y se trataba de una coproducción junto con Alemania. La cuestión es que la serie tuvo un éxito sin precedentes, por varios motivos: el primero, no fundamental pero sí a tener en cuenta, es que no existía otra televisión en España que no fuera la estatal; después estaba el estilo de dibujo y su animación, de una gran calidad para tratarse de una serie de tv; y por último debemos mencionar su historia a modo de serial (o culebrón, si queréis) en lugar de los habituales episodios autoconclusivos, de un tono realista y melodramático aunque salpicada por algunas situaciones cómicas. Heidi conseguía el cariño de su -en un principio- arisco abuelo, y también el de toda España: chicos y grandes asistían religiosamente a esta cita y conocían unos personajes muy bien perfilados, como el amigo pastor Pedro, la amiga minusválida Clara o la severa Señorita Rottenmeier, sin olvidarnos del corderito Copo de Nieve y el perro Niebla. Recuerdo como si fuera hoy a mi abuela llorando con el episodio en el que Clara se curó y, con dificultad, pudo al fin caminar. Ese episodio se emitió el 15 de mayo de 1976. El día 23 de ese mes se pudo ver el último de los 52 episodios de la serie, habiendo alcanzado ésta tal popularidad que, según el "panel de aceptación" de TVE, se encontró en la primera posición, muy por delante del tan sobrevalorado concurso Un, dos, tres. También supuso todo un fenómeno en el merchandising de la época (aunque antes no se le llamaba así), y todo ello gracias a la sólida dirección de Miyazaki, que incluso había viajado a los Alpes y a Suiza buscando inspiración... y quesos suizos.

En 1976 también se emitió la recordada Wickie el Vikingo, otra coproducción japo-alemana, que no era de Miyazaki y de características bien diferentes (ya la comentaremos otro día), pero TVE quería traes otra serie de los mismos creadores de la niña de los Alpes. Así que el 7 de enero de 1977 se emitió el primer capítulo de Marco, de los Apeninos a los Andes. El serial estaba basado en un relato del mismo título incluído en la novela Corazón, que Edmundo de Amicis escribió en 1886. Nos cuenta el viaje que tuvo que hacer el niño Marco -acompañado por su mono Amedio, no nos olvidemos- desde Italia hasta Argentina en busca de su madre. De nuevo el público se volcó en este interesante drama humano, y de nuevo aparecieron todo tipo de artículos con la efigie de Marco y su monito (yo tenía una bolsa de tela tipo bandolera para ir al cole; lo siento, lo tenía que decir).

Pero, a mitad de la serie, el éxito comenzó a bajar. Los motivos eran debidos a que el melodrama era aún más acusado que en Heidi, resultando una serie de lo más lacrimógena. Verdaderamente te llegaba a dar pena ese niño, que las pasaba canutas la mayoría de las veces, llorando y metiéndose en unos berenjenales realmente complejos y angustiosos. Hoy en día, con el panorama televisivo que tenemos, cualquier cadena hubiese cancelado la serie. Pero entonces la cosa era diferente y, a pesar de todo, Marco tenía calidad y eso el público lo veía; pero no quería ver sufrir tanto al chaval y lo que deseaba era presenciar el reencuentro con su mamá. ¡Incluso creo recordar a algún cómico o presentador protestando por esta situación! Así que lo que TVE hizo fue emitir dos episodios al día, acortando algunas escenas espesas y acabando así la serie con su final feliz un mes y medio antes de lo previsto: el 19 de noviembre. Pensaréis, con razón, que estos recortes son una falta de respeto a la obra original... pero actualmente, como he señalado, no hubiésemos visto ni la mitad de la historia. Sea como fuere, aquí Miyazaki no acabó de conectar con la idiosincrasia española (en la tele se repone Heidi en alguna ocasión; no así Marco), pero de todas formas es una de las series más recordadas.

Al año siguiente, 1978, se estrenaría otra serie japonesa ajena a Miyazaki, igualmente recordada o más: Mazinger Z (ver entrada Go Nagai), que tampoco llegó a emitirse completa, aunque esta vez fue debido a las protestas por su supuesta violencia. Transcurrieron unos años con el miedo al "peligro amarillo" hasta la emisión de Comando G (1980) y, posteriormente, Ulises 31(1982), una coproducción franco-japonesa, ambas bastante light con respecto al tema de la violencia, y finalmente en 1984 nos encontramos con otra serie de Miyazaki: Sherlock Holmes. Sherlock Holmes (Maitentai Holmes en Japón) fue otra coproducción, esta vez junto a Italia, de la Tokyo Movie Shinsha y el Estudio Pagot. Esta última empresa la llevaba Toni Pagot, que junto a su hermano Nino Pagot creó al pollito Calimero (1965) (esta serie también fue emitida en su momento por TVE) o Los Hermanos Dinamita (1949), que, junto con La Rosa de Bagdad (de Anton Gino Domeneghini, también en 1949) constituye el primer largometraje animado italiano. Así que estamos hablando de la reunión de dos maestros de la animación. Esto es así debido a la admiración de Toni Pagot por Miyazaki. El japonés rendirá a su vez homenaje a los Pagot en 1992 con su película ambientada en Italia Porco Rosso: el nombre del protagonista es Marco Pagot, que además de recordar la serie Marco es el mismo nombre con el que bautizaron al nieto de Nino. ¡No me digáis que todo esto no es una historia bien bonita!

Ya que estamos, os diré que es imperdonable no haber puesto todavía en Cartoonia una entrada dedicada a los hermanos Pagot, pero lo subsanaré y la próxima que haga estará dedicada a ellos. Volviendo a Sherlock Holmes, en esta serie los personajes de Arthur Conan Doyle son perros antropomórficos, y a la audacia detectivesca de Holmes y el Dr. Watson se une una acción trepidante en unas aventuras con buen humor -el malvado Moriarty y sus secuaces son de lo más graciosos, patéticos y entrañables- ejecutadas con una absoluta maestria y un dibujo prodigioso. La serie se pudo ver completa en la tele: consta tan solo de 26 episodios y, aunque únicamente seis de ellos fueron dirigidos por Miyazaki, éste preparó el argumento para los siguientes. En Youtube encontramos escasos episodios, y menos en castellano. Creo sinceramente que esta serie merecería ser más reivindicada.

Lo mismo podemos decir de la que comentamos brevemente para acabar. Porque estas son las tres series de Hayao Miyazaki que se pudieron ver en su momento por TVE, pero me gustaría mencionar que después de Marco, en 1978, Miyazaki se encargó de otra que no se llegó a emitir por aquí: Conan, el niño del futuro. Pero ahora la podemos encontrar en DVD, así que acabamos esta entrada recomendándola. Es una aventura postapocalíptica muy muy muy interesante y, si tengo que ser sincero, para mi gusto entre Heidi y esta... no hay color.

Sherlock Holmes

1 - Las cuatro firmas: http://www.megaupload.com/?d=XZGG5WWK

2 - La corona de Mazzarino: http://www.megaupload.com/?d=WK1GZHL4

3 - La pequeña cliente : http://www.megaupload.com/?d=B1O145JF

4 - El rapto de la señora Hudson: http://www.megaupload.com/?d=85AH4I60

5 - La esmeralda azul : http://www.megaupload.com/?d=1EVPGNY2

6 - El globo verde: http://www.megaupload.com/?d=6H7HK2A6

7 - La estatua robada : http://www.megaupload.com/?d=F9Y04FQY

8 - La rica heredera : http://www.megaupload.com/?d=3NOJG48I

9 - El tesoro sumergido : http://www.megaupload.com/?d=XS75E437

10 - Los acantilados de Dover: http://www.megaupload.com/?d=IV21Y341

11 - Las monedas desaparecidas: http://www.megaupload.com/?d=QRUEFC7G

12 - La colección de relojes: http://www.megaupload.com/?d=YJU16NTC

13 - El vagón de los lingotes de oro: http://www.megaupload.com/?d=TC358DBT

14 - Las langostas de coral : http://www.megaupload.com/?d=GOETTJHV

15 - La estatua de Moriarty: http://www.megaupload.com/?d=FIG6RL41

16 - La espada del cruzado: http://www.megaupload.com/?d=NARBN2XL

17 - El monstruo del Támesis: http://www.megaupload.com/?d=AWR2ATOI

18 - Los tres estudiantes: http://www.megaupload.com/?d=5W9L47XS

19 - La piedra de Roseta: http://www.megaupload.com/?d=P1MA2VUX

20 - El vuelo del dirigible: http://www.megaupload.com/?d=A9U8IKMY

21 - El caballo de la reina: http://www.megaupload.com/?d=LMZNXVUG

22 - La maravillosa máquina voladora: http://www.megaupload.com/?d=DSL2I0DM

23 - El papagayo parlanchín: http://www.megaupload.com/?d=H7BMOAR8

24 - La campana del Big Ben: http://www.megaupload.com/?d=8JL9PX0W

25 - La muñeca francesa: http://www.megaupload.com/?d=USG27B7I

26 - La novia desaparecida: http://www.megaupload.com/?d=4SK98KCJ

Conan, el niño del futuro

Episodio 1 - La isla de Nokosare

Episodio 2 - El viaje

Episodio 3 - El primer compañero

Episodio 4 - El Barracuda

Episodio 5 - Industria

Episodio 6 - La rebelión de Dyce

Episodio 7 - La persecucion

Episodio 8 - La huida

Episodio 9 - El barco de salvamento

Episodio 10 - El Doctor Lao

Episodio 11 - La fuga

Episodio 12 - El núcleo

Episodio 13 - High Harbor

Episodio 14 - Un día en la isla

Episodio 15 - El páramo

Episodio 16 - Una cabaña para dos

Episodio 17 - La batalla

Episodio 18 - El cañonero

Episodio 19 - El gran tsunami

Episodio 20 - De vuelta a Industria

Episodio 21 - Los habitantes del subsuelo

Episodio 22 - El rescate

Episodio 23 - La torre solar

Episodio 24 - El giganto

Episodio 25 - El fin de Industria

Episodio 26 - Epílogo (Final)

Grupos musicales prefabricados: The Monkees, The Archies, Gorillaz (y algo sobre Tank Girl)

2011-08-04T17:51:00.004+01:00

Antes que Gorillaz, antes que los estupendos cantantes de playback Milli Vanilli, antes incluso que The Archies, estaban The Monkees.
Esta quimera pop a rebufo de los Beatles fue una creación del promotor Don Kirshner para una serie de televisión. El invento cuajó, sobre todo en la caja tonta y en los sectores más, digamos, "inocentes" de la generació de las flores. Hay que decir, de todas formas, que a los chicos de los Monkees les compusieron algunos temas irresistibles, varios versioneados por bandas de rock que rinden tributo, así, a una banda kitsch casi alzada al nivel de culto. Ahí están, como ejemplo de lo menos típico, los maravillosos The Suicide Commandos con She (Aquí la original). En según qué videos, viendo a los Monkees uno diría que se encuentra ante una especie de dibujos animados. Ahora vamos a ello...

The Monkees (Theme)
The Monkees - I'm a Believer [official music video]

Don Kirshner, ya consumado inventor de parodias musicales, más tarde ideó una serie para la norteamericana CBS basada en los megapopulares cómics de Archie. Así, en 1968 aparecía en antena The Archie Show. Esta serie de animación iba a ser muy musical, así que las voces de los personajes tenían que ser realizadas por profesionales de la canción; por ejemplo, la voz principal corrió a cargo de Ron Dante. Se rodearon de los mejores técnicos para dar consistencia al experimento, y el primer single de The Archies como banda pop, Bang Shang-A-Lang, obtuvo el nº 20 en las listas de ventas de ese año 68.
Un año después, el productor y compositor Jeff Barry, junto a Andy Kim, firmó el hit Sugar Sugar. En tan solo EEUU la empalagosa canción vendió tres millones de copias, convirtiéndose en uno de los one-hit wonders más famosos de la historia: imposible olvidar su soniquete, una vez escuchado.
Jingle Jangle y Who's Your Baby? fueron las siguientes píldoras bubblegum que gozaron de éxito.
Estando en la cresta de la ola, Jeff Barry abandonó a sus compañeros en 1970, aunque aún tuvo tiempo de dejar al mundo un tema lleno de buenas intenciones -o no-, titulado A Summer Prayer For Peace. Curiosamente, esta canción fue la sensación de la temporada en Sudáfrica.

Archie Opening Theme
The Archie Show - Full Episodes and Clips ...

¡Cuando Archie encontró al Castigador! ¡Esto sí es un crossover bizarro!

Y ahora nos vamos al año 2001. Otro grupo -o no-grupo- conocido por no ser de carne y hueso, sino de dibujos animados, sería Gorillaz. Se trata del envoltorio de un envolvente pop creado por Damon Albarn -cantante del combo britpop Blur-, que se compinchó con el gran Jamie Hewlett, dibujante cocreador junto a Alan Martin del desquiciado cómic Tank Girl.

Un apunte sobre Tank Girl: es un tebeo tan absurdo, divertido y original que bien parecerían los momentos más pasados de Dr. Slump, Lamu o Fooly Cooly, pero interpretado por punks y freaks australianos. La serie tuvo una gran aceptación en EEUU al ser editada por la DC en su sello adulto-bizarro Vertigo, con portadas de mi admirado, el inigualable Brian Bolland. Por esa conexión que creo haber visto de cómic-manganime, me da la impresión de que una adaptación bien hecha al cine de animación de las aventuras de la loca Tank Girl sería la bomba; por soñar que no quede. (Existe una versión en imagen real, agradable pero poco más y nada fiel al tebeo, aunque su directora afirma que la culpa no es suya sino de los de siempre, de los que ponen la pasta.)

Volviendo a Gorillaz -"el primer grupo pop virtual", como se presumía, sea lo que sea eso-, en el aspecto musical contaron con colaboradores de lujo -eso dicen-, pero es en el visual donde los diseños de Hewlett se convierten en unos videoclips extraños, originales y a la vez inmersos en una cultura popular llena de iconos urbanos; impacto visual excitante; y muy comercial, claro. ¿Y qué? Jamie Hewlett, artista, se merece recibir toda la guita que le pueda sacar a este corrupto mundo.

Gorillaz - Clint Eastwood
Gorillaz - On Melancholy Hill
Gorillaz - Stylo
Gorillaz - 19 2000 - Soulchild Remix HD
Gorillaz - DARE
Exclusive video: Gorillaz – the story so far

No, no vamos a acabar hablando del espantoso affaire Milli Vanilli, por dios. Ni siquiera de Boney M, por mucho afecto que le tengamos, no digáis que no. Es que es otra historia.

Will Vinton

2011-06-07T16:42:00.006+01:00

El estadounidense Will Vinton, con su simpática pinta, calvo y con un increíble mostacho, destaca en el campo de la animación en volumen por su técnica con la plastilina, que denomina Claymation (Clay Animation). Su estilo es único y, no hace falta decirlo, ha creado escuela. Después de estudiar arquitectura, cinematografía y física, realizó junto a Bob Gardiner (1951-2005) su primera película claymation: Closed Mondays (1974). Este cortometraje cuenta la historia de un borracho que se cuela en un museo cerrado e interactúa con las obras ahí expuestas hasta convertirse en una de ellas. A pesar de lo pelín trillado del argumento, resultó un buen debut, pues el corto fue galardonado con un Oscar y le permitió patentar esa técnica que posteriormente perfeccionaría. Así, dirigió y produjo otras `propuestas como los mediometrajes Martin the Cobbler (1977), Rip Van Winkle (1978) y The Little Prince (1979), basados en relatos del ruso Lev Tolstoi, del norteamericano Washington Irving y del francés Antoine de Saint Exupéry, respectivamente. Después de continuar con algunos cortos llevó a cabo el largometraje The Adventures of Mark Twain (1985), en el que su protagonista, Twain, viaja al cometa Halley a bordo de un extraño aparato volador. Por cierto, si no me equivoco esta película contiene un fragmento en el que Satán visita a unos niños; pues bien, este fragmento fue censurado en algunas cadenas de televisión. A partir de entonces se dedicó principalmente a producir otros filmes bajo el sello de su estudio, Los Vinton Studios, que pasaron a llamarse Laika Entertainment House en 2005, y a trabajar en series de televisión, entre las que destaca The PJs (1999-2000). Aunque no podemos acabar sin dejar de mencionar unas bizarradas como el video de Michael Jackson Speed Demon, para la peli Moonwalker (1988), de 12 minutos; el especial para TV Claymation Comedy of Horrors; y su animación de tan solo 9 minutos en el clásico de terror de Romero Day of the Dead.

http://willvinton.net/

Créditos de "Grease"

2011-05-23T17:23:00.000+01:00

Te guste o no esta película musical de 1978, de lo que no cabe duda es que Grease marcó a toda una generación y significó la subida al estrellato de su pareja protagonista. Pero como subieron, bajaron.

A Travolta lo sacó del ostracismo Tarantino, como bien sabréis, pero la pobre Olivia no levantó cabeza y tan sólo se "recuerda" de ella una cosa llamada Xanadu.

Hey, pero aquí hablamos de dibujos animados, y los títulos de crédito de la película son estupendos, con un estilo que no se lo salta un gitano. ¿Recordáis? Claro que sí.

Lamentablemente, no he logrado encontrar info sobre los dibujantes que los realizaron. Si alguno de vosotros lo sabéis, no dudéis en comunicárnoslo.

Créditos Grease

Paul Terry y sus Terrytoons

2011-02-17T15:49:00.005Z

San Mateo (California), 1887) - Nueva York, 1971

Este artista de gran personalidad trasladó al cine sus experiencias como dibujante y caricaturista en algunos diarios de San Francisco y Nueva York. Trabajó en sus inicios con John Raldolph Bray, creando entonces su primer personaje, Al Falfa, también conocido como Farmer Gray, un viejo granjero sabio y sensato protagonista de una exitosa serie de cortos mudos.

En 1921 el mundo poético de Terry encuentra su expresión en la serie Aesop´s Fable, para la Pathé Exchange, adaptacíones libres de las fábulas de Esopo y otros clásicos, que también dio lugar al nombre de su primer estudio, el Aesop´s Fables Studios.

De hecho, esta serie había sido creada bajo la tutela de Amadée J. Van Beuren (1879-1938) y su estudio, que destacó por haber producido, entre otros, Tom & Jerry -los primeros, nada que ver con los posteriores homónimos de Hanna.Barbera-, creado por George Rufle y Vernon Stallings. En estas obras se hace evidente la ruptura con algunas reglas de la producción en serie, puesto que utiliza personajes no repetitivos y experimenta con técnicas diversas. Aunque Terry, al no querer innovar su serie de fábulas con la recién surgida técnica del sonido, abandona el estudio Van Beuren... y también los derechos. Curiosamente, sin embargo, una posterior creación suya, Dinner Time (1928), está considerada el primer corto sonoro de la historia, ya que precedió en unas semanas a SteamBoat Willie de Walt Disney.

Podemos hablar de una primera etapa, la de la serie Paul Terry Toons, de la que recordamos The Goose that Laid the Golden Egg (1921), los episodios de Barnyard (Barnyard Olympics (1924) by Paul Terry. Live soundtrack by Fantasmagorie duo, o los del Gato y el Perro (Cat and Canary, Cat and the Mice, Dog and the Flea, Dog and the wolfes...). Su segunda etapa sería a partir de 1930 cuando, junto con Frank Moser (1886-1964) funda el estudio Terrytoons. Después de varias realizaciones, entre las que destacamos su primera en color, String Bean Jack (1938), dos series lo popularizaron ampliamente: Mighty Mouse (Super Ratón), que empezó en 1942 y que estaba basad, obviamente, en Superman, pero que también reflejaba que su supernutrición era debida en aquel período a la proliferación de los supermercados en EEUU; y Heckle & Jeckle (Las Urracas Parlanchinas), dos cuervos en cuya versión original hablan con acentos neoyorkino e inglés, respectivamente. Otros grandes personajes son el ganso Gandy y el gato Sourpuss, que solían aparecer juntos.

Este autor prácticamente siempre fue fiel a una misma manera de hacer para la creación de sus películas, hecho que en la década de 1950 fue interesante precisamente por su estilo retro, usando todavía la acuarela para los fondos o tratando la banda sonora como en la década de 1930.

En 1955, después de haber creado muchos nuevos personajes, Terry vendió su estudio a la cadena Columbia Broadcasting System (la CBS, vamos). Gene Deitch (1924) se encargó entonces de modernizar el estilo, retirando ciertos personajes de escena e incorporando otros como el elefante tímido Sydney, el niño con un embudo mágico en su cabeza Tom Terrific, o el hombre sobrio Flebus, este último de Ernest Pintoff (1931-2002), el posterior creador independiente de interesantes cortometrajes como The Violinist (1959) y colaburador en la UPA. Lo cierto es que esa modernización consistió en un estilo un poco a lo UPA. Bill Weiss, años más tarde, relevó a Deitch y resucitó a Mighty Mouse o Heckle & Jeckle. Destacamos The New Adventures of Mighty Mouse, serie que duró de 1987 a 1988, un buen trabajo del mismísimo Ralph Bakshi.

Paul Terry fue un prolífico autor unánimemente reconocido, con un esílo paródico y grotesco que exploté el potencial fantástico del dibujo animado con una personal escenografía y que influyó en toda la producción posterior del género desde los años 30, además de al propio Disney. A Terry le corresponde el mérito de haber propuesto soluciones narrativas originales, impregnadas de su gusto por el humor y el absurdo.

"A Cat's Life" Terrytoon with Farmer Gray

Farmer Gray Cartoon "Wonders of the Deep"

Farmer Gray "A Day at the Park" Terrytoon

"Closer than a Brother" Terrytoon with Farmer Gray

"Magic Boots" Terrytoon with Farmer Gray

"Chemistry Lesson" Terrytoon with Farmer Gray

Tin Can Tourist 1937

Noah's Outing (1932)

Farmer Al Falfa Farmer Al Falfa 1925 The Window Washers,TerryToon

Farmer Gray Cartoon "Wonders of the Deep"

"Closer than a Brother" Terrytoon with Farmer Gray

Aesop's Fables - Wood Choppers (1929)

The Big Burg 1929, Down in Dixie 1930's

DIXIE DAYS - (1930) Van Beuren Studios

1927 cartoon - Aesop's Fables - Small Town Sheriff

Super Ratón - Hansel y Gretel

Super Ratón - Los Monstruos de la Luna

Mighty Mouse "Mother Goose's Birthday Party" (1950)

Mighty Mouse - Outer Space Visitor

Old Colgate commercial with Mighty Mouse

Mighty Mouse open & rare bumpers w/complete Colgate closing

Las Urracas Parlanchinas - Cazando Alces

Las Urracas Parlanchinas - El encuentro

heckle and jeckle - sno fun

Heckle and Jeckle - Taming the Cat

Heckle & Jeckle - House Busters

Heckle and Jeckle Happy Go....

Heckle and Jeckle - Out Again, In Again

Heckle and Jeckle - Dancing Shoes

Heckle and Jeckle - The Power of Thought

Heckle and Jeckle - The Intruders

Heckle and Jeckle, Bulldozing the Bull

Heckle and Jeckle transitions

Gandy goo se - Dingbat land (1949) terrytoons

Gandy goose - hook, line and sinker (1939) terrytoons

Gandy Goose: The Magic Pencil

Gandy goose - barnyard actor (1955) terrytoons

Gandy goose - doomsday (1938) terrytoons

THE LAST ROUND UP (TERRYTOONS, 1943) GANDY GOOSE VS. HITLER!

SOURPUSS AND GANDY- ALADDIN'S LAMP

Paul Terry's Sour Puss Vintage Cartoon in B&W Restored 8mm

The Bee & The Butterfly

Holland Days

Scooby Doo y Batman forman equipo

2011-01-28T17:38:00.027Z

Publicado por Juan Jose Zanoletty Aguilera el 07 de Enero de 2011 en http://www.scifiworld.es/.

BATMAN Y SCOOBY-DOO PROTAGONIZANDO JUNTOS UNA PELÍCULA SE PLANTEA COMO UN CROSSOVERS QUE A PRIMERA VISTA SUENA INSÓLITO, E INCLUSO DEMENTE, PERO QUE SE HIZO REALIDAD EN 1972. La llegada de William Hanna (1910-2001) y Joseph Barbera (1911-2006) a la televisión significó una revolución en el mundo de la animación, fueron los que pensaron que para bien, otros reprocharon a la pareja de artistas ser los causantes del deterioro de los dibujos animados. Sus producciones con técnicas de animación excesivamente limitadas lograron bajar los presupuestos, y acompañadas de gran éxito significo la caída de otros estudios preocupados por la calidad técnica de sus productos. Desde entonces, incluso estudios como los de Walt Disney debieron acogerse a esas técnicas reducidas en detrimento de la calidad artística de sus cortometrajes y series para televisión.

Lo cierto fue que "Hanna-Barbera Productions" logro conjugar el bajo presupuesto de sus producciones con la buena calidad, extraordinarios diseños de personajes, guiones elaborados y una muy buena forma de narrar sus historias. Como ocurre también en la imagen real, una película con impresionantes efectos especiales no significa nada si su guión carece de calidad y el realizador es incapaz de narrar con coherencia. Y pasado el tiempo podemos observar que el estudio “Hanna Barbera Productions” a dado más a la animación que quitado como pretendían algunos.

Es en 1969 cuando debuta “Scooby-Doo”, una pandilla de adolescentes que la formaban un rubio con ojos azules llamado Fred Jones, a su vez el más inteligente y valiente, como deben ser los cánones en la televisión y la pantalla grande, la belleza equivale a la bondad y el valor, mientras que la fealdad todo lo contrario. En el lado opuesto estaba Shaggy Rogers, feo, cobarde, torpe y estúpido. Dos chicas forman el resto de la pandilla, la “barbie” Daphne Blake, delicada, atractiva y sofisticada, y como debe ser, la rubia que secuestran y que ha de ser rescatada por el héroe; y la hippy, rebelde, inteligente y extravagante Vilma Dinkley, sus gafas y faldas escolares no dejaban dudas, la más empollona del grupo. Y por supuesto no olvidamos la mascota del grupo, a su vez el personaje que da nombre a la serie, el gran danés Scooby-Doo.

Los personajes están bien marcados según los valores de la sociedad de finales de los sesenta y comienzos de los setenta, tanto el estudioso, el rebelde, el esbelto o el más chabacano están representados, de esta forma se intentaba llegar a toda clase de espectadores, de cualquier condición social o ideología. Curiosamente y totalmente esperado por los creadores, el espectador se va a identificar con el personaje más burdo, Shaggy, su comportamiento es similar a de cualquiera de nosotros, padece miedo y tiene constantemente necesidades, al contrario que el maniquí de Fred, la frialdad y cursilería de Daphne o la poco común superdotada Vilma. Es la razón de que Shaggy haga siempre pareja con Scooby-Doo y junto al perro sean los motores que hagan avanzar las historias, además, en el fondo Shaggy esconde un corazón tan grande como una casa que hace que el espectador disculpe su torpeza y acobardamiento.

El grupo de amigos recorren el país en su furgoneta de diseño hippy a la que denominan “La máquina del misterio”, metiéndose en mil y un líos, o historias llenas de suspense que finalmente resuelven. "Scooby-Doo" es una serie infantil que pretende enseñar al más pequeño que en nuestro mundo no hay cabida para la superstición, la magia o lo sobrenatural, todo hecho tiene una explicación lógica, y solo lo sobrehumano queda para el más engreído. De esta forma el cuarteto y su mascota se ven enfrentados a misterios camuflados de un aura mágica que luego, al final, tiene su explicación razonable.

Cada episodio de la serie se sustentaba con diferentes gags cómicos y con una fórmula que se iba repitiendo la mayoría de veces. Se trataba de un humor que mediante la acción ponía en evidencia las ideas expresadas por sus protagonistas, normalmente de Saggy Rogers. Un ejemplo puede ser el siguiente: Saggy indica que a él no le asusta nada, de repente ve su propia sombra y sale corriendo a esconderse creyendo que se trata de la del villano. Otro ejemplo significativo es Saggy expresando que no cree en los fantasmas, pero a continuación descubre un sillón cubierto con una sabana para protegerlo del polvo, e inmediatamente después sale disparado a ocultarse al confundirlo con un fantasma. Es cierto que se trata de un humor pueril, pero estaba destinado a los espectadores más pequeños, lo que resulta anómalo es que la mayoría de series de imagen real para televisión producidas hoy día en España abusan de ese humor a lo “Scooby-Doo” y pretenden pasar por seriales destinadas a un público adulto. Un referente de este humor del cual los guionistas de “Scooby-Doo” pudieran haber bebido son las comedias de monstruos protagonizadas por Abbott y Costello que se estrenaron durante la década de los cuarenta.

En el año de 1972 la serie ya había alcanzado el status de clásico de la televisión y convertida en un icono de la cultura popular, como le han ido ocurriendo a otras muchas de las series producidas por los estudios de Hanna-Barbera. Es cuando los productores planean un crossovers que a primera vista suena insólito, e incluso demente. Se trata de combinar dos universos ficticios que tienen en común que pertenecen a los mismos estudios Warner, "Scooby-Doo" y "Batman".

Por aquel entonces “el dúo dinámico”, como se le conocía a la pareja formada por Batman y el chico maravilla, se encuentran saliendo de la etapa más oscura, en lo que a calidad significa, que ha conocido el cómic. Las razones proceden de la ola de puritanismo, conservadurismo e intolerancia que vive la sociedad norteamericana y que se ve reflejada en la cultura popular, no quedando exento el cómic. El "señor de la noche", un personaje oscuro, vengativo y que se oculta entre las sombras aterrorizando a sus enemigos, debe enfrentarse a acusaciones tan extraordinarias como la de “pederasta”, por parte de una personalidad por aquel entonces como era el psiquiatra Fredric Wertham que en 1954 había comenzado una cruzada contra el arte secuencial al considerarlo la causa principal de la delincuencia juvenil, y que en 1954 publica “La seducción de los inocentes” que llevaría al Congreso de los EE. UU. a investigar la industria del cómic, y lo que ocasionaría la posterior creación del Comics Code Authority. Se tradujo en una caída de ventas de los cómics de Batman por lo endeble de sus propuestas argumentales, infantilizadas hasta extremos irrisorios, y convirtiéndose la pareja de héroes en un dúo enmallado y multicolor que hacían pedagogía cada segundo.

Tras esta etapa llega "Batman" a "Scooby-Doo", que desde este punto de vista, el crossovers le beneficiaba más a la serie de "Batman" que a la producida por Hanna-Barbera que estaba en la cima de su popularidad.

Batman en los dos episodios –ambos editados en DVD en España- que participa como estrella invitada es tratado como un mero secundario, quedando reflejada la idea del Batman que hemos comentado en los párrafos anteriores. Basta advertir la primera aparición del personaje en el episodio, que es utilizada para elaborar un gag que se potencia con el sonido de las risas enlatadas. El dúo dinámico va tras la pista de El Pingüino y Joker cuando por error capturan a Scooby-Doo y a Shaggy, entonces este último dice, después de que Batman se disculpe por el error, “Es un placer que te capturen los buenos, para variar”.

Ambos capítulos comparten misma estructura argumental, repitiendo incluso los villanos, las escenas de acción y los golpes cómicos, solo distinguidos por sutiles diferencias. En los dos episodios la pareja de antagonistas compuesta por Jocker y el Piguino pretenden un acto delictivo –en el primero robar un invento y en el segundo falsificar dinero- , el dúo dinámico los persigue y todos se encuentran por azar con Scooby-Doo y sus amigos. Por sendas razones, los héroes de cada universo se separan para solucionar el misterio cada uno por su cuenta. Entonces el Joker y el Pingüino preparan unas trampas a los protagonistas, procurando hacerles creer que se trata de acontecimientos sobrenaturales. Se descubre que no se trata de nada mágico sino de las maquinaciones de los villanos, a continuación el gran danés y su amigo inseparable capturan por casualidad a los villanos, luego aparece el dúo dinámico y se los lleva arrestados.

Pero cada uno de estos capítulos están en sintonía con el resto de la serie, el mensaje es sencillo y explicito, el misterio tiene una explicación racional y no hay que dejarse llevar por las primeras impresiones.

La intervención de Batman y su pupilo, el Joker y el Pingüino en un crossovers con el universo de Hanna-Barbera, como mínimo convierte a estos dos episodios en historias con un “frikismo” que ningún coleccionista de cualquiera de las dos series debería perderse. Dibujos animados destinados a un espectador infantil, llena de toda intencionalidad pedagógica y que además dejan constancia de la cultura y el estado de Batman a comienzos de la década de los 70. Ir a Megavideo para ver ONLINE en pantalla completa DESCARGAR DE megaupload mpg (MPEG-1 / mp2) DESCARGAR DE fileserve DVD-Rip Puedes encontrar la peli tirada de precio aquí.

Go Nagai

2010-12-28T14:24:00.041Z

En la foto, Mazinger haciéndonos un corte de mangas. ¿O deberíamos decir "de animes"? (Este artículo incluye la entrada Yo fui un pre-otaku, 2ª parte, modificada y ampliada.) Las historias que creó Go Nagai no son precisamente de una gran complejidad, sino más bien todo lo contrario. Pero debemos decir que, sin contar con el maestro pionero Osamu Tezuka, su influencia en el mundo del anime es enorme. Tanto como cierto robot. En 1965, el joven Go Nagai -con unos 20 años- comenzó a trabajar para diferentes estudios de animación y, tres años después, creó para la prestigiosa revista Shonen Magazine el comic Harenchi Gakuen, cuya traducción sería La escuela sin pudor, con el cual sin proponérselo sentaría las bases de lo que hoy conocemos como hentai, ¡el género erótico! Ni que decir tiene que las asociaciones moralistas no tardaron en arremeter contra él y la serie se canceló. Pero el tío siguió haciendo lo que le dió la gana, y para ello fundó su propia productora, Dynamic Productions. Pero no contento con revolucionar el mundo del manga -y las hormonas de los lectores-, en el 72 con Mazinger creó otro concepto más, el de los robots gigantes tripulados por humanos, uno de los más populares dentro de la corriente mecha (del inglés "mechanic", pronúnciese "meca"), mangas en los que aparecen máquinas futuristas. Mazinger Z cosechó un gran éxito de público, compuesto principalmente por adolescentes, lo que propició la aparición del anime. Pero hay que decir que el manga tenía un tomo un poco más adulto que la serie animada. La serie, de 92 episodios, tuvo secuelas: Great Mazinger y UFO Robo Grendizer, en las que desarrolló más el concepto de robot gigante pilotado desde una cabina. Más tarde introduciría el concepto -¡otro nuevo más!- de robot transformable con Groizer X y Getter Robo. Tenéis una amplísima información de Mazinger Z, la única serie emitida en España de Go Nagai, en Wikipedia. Mazinger Z Episodio 1 (1-3) (1972) Es la versión chilena. También podemos encontrar la española, pero esta tiene mayor calidad de imagen. Mazinger Z vs. Devilman - 1 of 5 (1973) Película crossover entre estas dos series. Aquí Mazinger puede volar por primera vez gracias al aircraft, unas alas-jet acopladas a su espalda. Go Nagai también creó Mao Dante para la poderosa editorial Kodansha; y ahí se desmadró porque, además de inventar al personaje Devilman, sentaría un nuevo precedente: el erotic grotesque, subgénero en el que demonios y demás bichos sobrenaturales tienen como principal afición el hacerle guarreridas a chicas de instituto, y cuyo estandarte en los 90 sería la muy polémica Urotsukidoji. ¡Pero estamos hablando de 1972! El spin-off de Mao Dante es Devilman (o Debiru-Man). Es un demonio enviado por el Demon Clan con la misión de acabar con la raza humana, obteniendo de nuevo así su dominio sobre la Tierra. Se introducirá en el cuerpo del joven Akira Hudo, un hasta entonces débil muchacho que se volverá un tipo de lo más rudo. La única que es capaz de hacerle frente es Miki, una chica de la que Akira-Devilman se enamorará. Debido a eso olvidará lo que debía ser su misión, enfureciendo a Xenon, el líder del Demon Clan, que entonces enviará capítulo tras capítulo a todo tipo de monstruos, a cual más grotesco e incluso irrisorio, para eliminar al traidor. Las apariciones y actos de los malos son, en su gran mayoría, de lo más originales. Y los que criticaban la supuesta violencia de Mazinger Z aún se hubiesen espantado más si hubiesen visto Devilman, porque el nivel de destrucción es aún mayor y suelen morir ciudadanos inocentes. De todas formas la versión anime es, de nuevo, más suave que el manga. La trama, pues, se basa en las batallas de Devilman contra diversos demonios-monstruo, siendo algo similar a Mazinger Z en este aspecto, puesto que además pueden hacer crecer su tamaño a grandes proporciones. También Devilman, en su apariencia humana, conduce una molona motocicleta, al igual que Koji Kabuto. Pero, si obviamos la nostalgia que pueda producirnos Mazinger Z, la verdad es que Devilman resulta, a la larga, más interesante que la del robot. Esta serie tuvo 39 episodios, y los podéis encontrar todos en Youtube, en versión original y subtitulados en inglés. Devilman episode 1 part 1 of 2 HQ (1972) Años después se produjeron dos OVAs, que eran la visión que Nagai pensó originalmente para la serie pero que le exigieron atenuar debido a su extrema violencia. Avisados estáis. Devilman: Tanjō Hen (El nacimiento) 1 de 5 (1987) Devilman: Kaichō Shireinu hen (Silene el demonio pájaro) 1 de 5 (1990) El tercer OVA es aún más gore, tiene una estética diferente a los dos anteriores y comienza con un giro en los acontecimientos de lo más drástico con respecto a la serie clásica. Trata el inicio de la lucha entre humanos y demonios, llegando hasta la batalla final entre Devilman y Amon. Amon: Devilman Mokushiroku (Amon: Apocalipsis de Devilman) 1 de 4 (2000) En estos OVAs el aspecto de Devilman es diferente, siendo más moderno, si queréis decirlo así. Las historias, aunque difieren de la serie, son igualmente simples y se basan en la espectacularidad. ¡Ah! Por poco me olvido de Devil Lady, la versión femenina. Pero tenéis más info en Wikipedia, que si no no acabamos nunca. Go Nagai también se inventa a Cutie Honey, una androide que tiene la habilidad de disfrazarse instantáneamente de diferentes personajes; antes de cambiar de traje, claro está, se ha de desvestir... de una manera única. De hecho, se dice que esta serie es pionera -de nuevo otra innovación- en el género de las magical girls (¿os suena Sailor Moon?) debido a esa transformación. La serie de TV empezó el 13 de octubre de 1973 y concluyó el 30 de marzo de 1974, con 25 episodios, siendo, de nuevo, mucho más suave que la versión del manga en cuestión de sexo y violencia, poniendo más humor y suavizando algún aspecto lésbico (la profesora de la selecta academia donde asiste Cutie Honey se siente atraída por ella, y curiosamente tiene el mismo careto que el profesor de Devilman, bigote incluído). Francia fue el único país occidental donde la serie fue emitida, bajo el título de Cherry Honey en el año 1989. En este caso la protagonista descubre que es una robot construída por su "padre", al que halla asesinado por el Panther Claw. A partir de ahí deberá enfrentarse a sus malvados -especialmente malvadas, robots androides como ella- secuaces, deseosos de conseguir el dispositivo que le permite sus transformaciones. Es ésta una serie burbujeante y pop, con una estética en los fondos de colores planos y formas esquemáticas que recuerda un poco el estilo de las producciones de Hanna & Barbera o incluso de la UPA. La música, al igual que en Devilman, es muy buena, decantándose hacia el rock y el funky con toques de sicodelia. Muy setentero, todo. Existen posteriores encarnaciones de Cutie Honey: nuevas series, en OVA, series y películas de imagen real (¡no os perdáis esta), versión shojo, manga homosexual... Ved en Wikipedia. En Youtube encontramos: Cutie Honey Episodio 1 (1-2) Cutie Honey Episodio 1 (2-2) Y de ahí pasamos a: Cutie Honey Episodio 10 (1-3) He encontrado del 10 al 13. También podéis ver esta página: Cutie Honey descargas en MC Anime. Go Nagai, además de producir sus propios proyectos, ha participado en algunas películas como actor. Cabe destacar su pequeño papel en la comedia de la Troma de 1989 The Toxic Avenger Part II (El Vengador Tóxico II) o su colaboración en Metrópolis de Osamu Tezuka donde presta su voz para un personaje secundario. También ha participado con cameos en las películas Kekkô Kamen (2004) y Cutie Honey: The Live (2004), esta última la adaptación a imagen real de la serie que ya os hemos linkeado. Y, bueno, Nagai también hizo cómics puramente infantiles. ¡Un todoterreno, vamos! Lo que ocurre es que este autor no se cortó a la hora de tocar temas como la violencia, el sexo y algunas bromas escatológicas, en un género que hasta ese momento estaba dirigido a un público específicamente infantil. Existía otro público, el adolescente con las hormonas revolucionadas, y el adulto joven. Con eso queremos decir que sus historias eran "adultas" no tanto por sus planteamientos, sino por lo que acabamos de indicar. Go Nagai tenía muy claro lo que dijo una vez Mamoru Oshi: que el manga y el anime lo que siempre ha querido es reflejar los gustos, anhelos y fantasías de los jóvenes. Sexo y violencia están ahí, mal que pese a algunos. Mazinger Z en España Mientras que para los japoneses el mayor estandarte del género mecha es Gundam, para los españoles no hay mayor clásico que Mazinger Z. En 1978 TVE comenzó a emitir la serie, que pilló por sorpresa tanto a niños como a adultos. Los niños -y las niñas, lo recuerdo- alucinaban -alucinábamos- con unos dibujos que no se parecían a nada emitido anteriormente, y algunos padres se preocupaban por la destrucción que se podía contemplar. Mazinger era un robot gigante tripulado por un chaval llamado Koji Kabuto, que se enfrentaba a los también enormes robots -brutos mecámicos, les llamaban- del pérfido Dr. Infierno (Dr. Hell), secundado por el Barón Ashler (Barón Ashura). Esa era la base de todos los episodios. Esta serie, vista hoy, no posee ni de lejos la calidad de animación que se puede ver hoy en día en el más modesto anime. Sus historias eran también algo repetitivas, pero los personajes tenían carisma, su estética retro es muy quedida por éste tu blog y... ¡lo que nos hicieron disfrutar de chicos! ¿Qué niño de esa época no se peleaba en el patio del colegio (de bromas, pero...) al grito de consignas como "puños fuera" o "fuego de pecho"? Además, antes de que muchos criticaran Dragon Ball por sus escenas violentas, ya en esos tiempos algunos también pusieron el grito en el cielo por el mismo motivo con respecto a esta serie. No era para tanto, claro, pero en ese momento Mazinger Z era lo más hardcore que se había visto en dibujos animados. Además, también estaba Afrodita A, un robot con formas femeninas -tripulado por Sayaka, una chica, claro- que disparaba sus pechos, que no eran otra cosa que misiles. Y a un chavalín ya le llamaba la atención eso de que un personaje femenino usara sus tetas como armas, por muy robot que fuera. Pero la principal función de Afrodita A era ser apaleada por los malos y salvada por el macho man de Mazinger. En esa época el supuestamente progresista diario El País fue el primero en atacar la serie de una forma totalmente amarillista, calificándola de maniquea y otras lindezas; fue tildada por los medios y organizaciones ciudadanas de escuela de ideologías, violencia de importación, o incluso de neofascista, algo desproporcionado, y más al verla hoy en día y comprobar lo inocentón que era todo. Las propias réplicas de juguetes de Mazinger eran objeto de este ataque, por ser consideradas juguetes bélicos. TVE tenía un porcentaje de los beneficios derivados de la venta de merchandising y, visto el éxito de la serie, se esforzaban por quitar hierro al asunto. Habían comprado 33 capítulos (eran 92 en total), pero en septiembre cedieron a la presión y cancelaron la emisión, poniendo en su lugar Orzowei (seguro que muchos la recordáis y. como yo, la odiáis por ello). De ese modo, Mazinger Z fue la triste pionera de la censura del anime en este país. Sólo se emitieron 27 episodios, pero los 6 restantes fueron usados por TVE para la programación navideña del enero siguiente. Curiosamente, de los 6 sólo se emitieron 5 por error, de forma que el episodio 28 no llegó a ser emitido en España jamás. Pensamos, claro está, que la serie acababa en ese eposodio 33 y nunca llegamos a ver los 59 siguientes, pero yo creo recordar que, hablando con familiares y amigos, ya se comentaba entonces que la serie original duraba más. Como podéis ver, el destino del osado Go Nagai era el ser censurado. Mazinger Z, El Robot De Las Estrellas Parte 1 (de 6) Trailer español ¡Atención a esta película de imagen real! ¿Alguien la recuerda? Tuvo un gran éxito cuando se estrenó en los cines de España. Los nimos acudimos en tropel a verla. Nos sentimos un poco decepcionados debido a algunas diferencias con respecto a la serie, pero sólo un poco, porque la verdad es que disfrutamos mucho viéndola; yo, al menos. Es una joyita kitsch. También podéis contemplar en el blog del compañero Tonnerre de Brest las publicaciones que Editorial Valenciana sacó al mercado basadas en esta película: la fotonovela y los tebeos dibujados por Sanchís (el creador de Pumby), nº 7 a 9 y nº 10 a 12. Y en El blog de Ernestoide, fotos de su álbum de cromos. ¿Quién es este señor de la foto? No, no es Go Nagai. Es increíble que aún haya gente que piense que el tema de apertura de Mazinger Z estaba cantado por el insigne Raphael... Por favor, un divo así no se rebajaría a cantar la absurda letra de una tonada de dibujos animados. También he podido leer por internet que se trataba de Memo Aguirre, conocido como el Capitán Memo. Pero si leéis su bio, veréis que es chileno. Uno puede pensar que era el cantante de la versión latinoamericana de la serie, pero en la Wikipedia no se menciona por ningún lado Mazinger Z. Eso es algo extraño, dado la popularidad de esta serie de brutos mecánicos basada en el manga de Nagai. La verdad verdadera es que el cantante del opening de la serie en español era, precisamente, este señor: Alfredo Garrido García, que como buen gallego no ha sido olvidado por la web Galegos. No así por el público en general. El tal Capitán Memo reúne a fans en sus conciertos e incluso tiene una web, pero de Alfredo Garrido en internet tan solo encontraréis la web que os acabo de linkear y una entrada en la divertidísima Retroyonquis. Y eso que, como podéis comprobar, también interpretó o adaptó las sintonías de otras series de dibujos (La abeja maya, Tarzán, Vickie el Vikingo, El pequeño Cid, Pippi Calzaslargas y algunas de Walt Disney) y es autor y compositor para diversos solistas y grupos. Es de obligada audición la adaptación que del tema hicieron Los Petersellers en su primer lp Vayamos por partes (1993). Realmente la música es una versión del tema Paranoid, de los estupendos Black Sabbath, primera banda de mi muy querido Ozzy Osbourne. Go Nagai Wiki Una loable iniciativa, cuya presentación es esta: "El Go Nagai Wiki es un wiki dedicado a todas las obras de Go Nagai. Su objetivo principal es dar a conocer las series creadas por este famoso mangaka, ya que la mayoría de sus obras solo son conocidas en Japón. Este wiki busca proporcionar un contenido casí enciclopédico de las series de Go Nagai, con el fin de convertirse en la fuente de información más fiable de Go Nagai en la web de habla hispana."

Il pazzo mondo di Go Nagai - Episodio 1 (1-5) En italiano. Serie paródica del universo de Go Nagai. Go Nagai Gaiden - Dynamic Heroes Episodio 1 parte 1 (videojuegos)

Stephen Bosustow y la UPA

2010-12-27T11:16:00.023Z

Stephen Bosustow (1911-2007), David Hilberman (1911-2007) y Zack Schwartz (1913-2003) crearon en 1941 el United Film and Poster Service, que posteriormente se llamó en 1944 United Productions of America (UPA). Bosustow ya había colaborado anteriormente con Ub Iwerks y Walter Lantz, y los tres trabajaron para Walt Disney pero lo dejaron tras una importante huelga que se había producido en los estudios. Bosustow fue el lider de esta revuelta en busca de una libertad de expresión artística diferente. Así, la UPA propone una producción innovadora, cuyas opciones formales son los colores vivos y nítidos con un dibujo sesgado y anguloso, más esquemático y moderno que el característico de la Disney, en línea con la caracterización de los personajes y los temas tratados. Hell-Bent For Election (1944)[1ª parte de 2], un cortometraje de propaganda para las elecciones de Franklin Delano Roosevelt, fue su primer trabajo de peso. Poco a poco se incorporan otros destacados disidentes de Disney o nuevos dibujantes ilusionados con la libertad creativa que ahí impera. En 1946, sin embargo, Hilberman y Schwartz abandonan la UPA y Bosustow pasa a ser su único productor. Dos años más tarde la importante Columbia empieza a distribuír sus filmes, que revolucionaron la utilización del dibujo y el color -su influencia se nota aún hoy en día-, siempre con música de jazz y con unos créditos muy ingeniosos. El hombrecillo cegato Mister Magoo se convirtió en su personaje más relevante entonces. Su principal creador fue John Hubley (1914-1977), y el primer capítulo en el que apareció, Ragtime Bear (1949), fue el primero también de una serie que duró diez años y que acabó dirigiendo Pete Burness (1904-1969). Este personaje chillón, neurótico aunque optimista, se embarcaba en las más peligrosas situaciones sin percatarse de ello debido a su defectuosa vista. Quincy Magoo -ese es su nombre completo- es el héroe de una saga grotesca y guasona sobre el hombre de la sociedad de consumo, con títulos -algunos de ellos premiados- como Nearsighter Mr. Magoo Cartoons (John Hubley, 1949), Magic Flute (John Hubley, 1949), When Magoo Flew (Pete Burness, 1955) o Magoo´s Puddle Jumper (Pete Burness, 1956). ¿No pensáis que Mr. Magoo bien pudo ser la inspiración para Francisco Ibáñez al crear a su Rompetechos? En 1951, Gerald McBoing Boing, un niño que emite sonidos en vez de hablar -sobre todo el de "boing boing", de ahí su nombre-, creado por Bobe Cannon (1909-1964) fue el prota del corto del mismo título, mereciendo el Oscar al mejor dibujo animado y siendo el primero de una serie que la CBS puso en antena con el programa The Gerald McBoing Boing Show (1956-1957). Los cortometrajes Rooty Toot Toot (John Hubley, 1952), sobre la balada tradicional Frankie & Johnny; Madeline (Bobe Cannon, 1952), basado en el grafismo de Ludwig Bemelmans (1898-1962); The Unicorn in the Garden (1953), de Bill Hurtz (1919), basado en un relato del dibujante James Thurber (1894-1961); o The Tell-Tale Heart (1953), de Paul Julian (1914-1995) con realización de Ted Parmelee (1912-1964), basado en el relato de Edgar Allan Poe (El corazón delator), son todos ellos ejemplos de creaciones de la UPA, de estilos muy desiguales pero fundamentados en esencia en las artes plásticas de Pintores europeos como Francis Bacon, George Braque, Raoul Dufy, Paul Klee, Henry Matisse o Pablo Ruiz Picasso, y que en cualquier caso se alejan de lo que en aquella época se consideraba dibujo animado tradicional. Con estudios en Nueva York y Londres, la compañía se dedicó también a la publicidad hasta que el fracaso del laborioso largometraje 1001 Arabian Nights (Mr. Magoo. Las mil y una noches, Jack Kiney, 1958) fue el principio del fin. Con una producción cada vez más estandarizada y comercial, UPA se disuelve en una miríada de compañías menores y en 1961 Bosustow abandona la empresa, dedicándose a producir educativos y documentales.

Karel Zeman y sus diabólicas invenciones

2010-12-26T11:36:00.001Z

(1910-1989) Karel Zeman es, junto con Jirí Trnka y Hermína Tyrlová, uno de los padres de la escuela de animación checa. Al igual que Trnka, se formó en el teatro de marionetas y supo sacar provecho de la combinación de nuevas técnicas, siendo su cine un collage muy diverso. En El sueño de Navidad (1945), sus muñecos articulados interactúan con un actor real (como ya hiciera Disney en la pionera serie Alice Comedies). Después de unos inicios profesionales en el sector publicitario, fue este un buen comienzo, puesto que en 1946 esta obra obtiene el premio a la mejor película de animación en el Festival de Cannes. Después realiza El hámster y El Sr. Propouk , una serie de 1047 que tuvo bastante éxito sobre todo entre el público infantil, un personaje-símbolo del pueblo checo realizado en madera y alambre. Junto a esta serie, vinculada a esquemas narrativos tradicionales y figuras simples y reconocibles, Zeman alterna los largometrajes de fantasía y aventuras por los cuales es unánimemente reconocido como un autor de gran originalidad. En 1948 dirige el corto Inspiración, con figuras de vidrio, y en 1950 su primer largo, El rey Lávra. La feliz unión de experimentación tecnica y personalísima visión del arte de la animación parece converger al máximo en El tesoro de la isla de los pájaros (1952), Un viaje a la prehistoria (1955) y, sobre todo, en su lago de 1958: La invención diabólica (Vynáles skázy) [Fabulous World of Jules Verne - Parte 1 de 8], basado en la novela Ante la bandera, de Julio Verne. La película narra la historia del profesor Roch, que crea en su laboratorio un explosivo letal utilizando la energía nuclear. El conde de Artigas, enterado de ello, rapta al profesor y a su ayudante Hart y los lleva a su ciudad sumergida para que trabajen para él. Pero Hart y la náufraga Jana logran dar la alarma y así interviene la flota internacional para detener a Artigas. Roch consigue que Hart y Jana escapen y hace estallar la ciudad sumergida, sacrificándose a sí mismo pero salvando al mundo. Esta película de aventuras fantástica con mensaje antibélico es sin duda una obra maestra en la que coexisten actores de carne y hueso con fondos pintados, marionetas, títeres en stop motion, dibujos animados, platillos volantes, animales prehistóricos, extraños sumergibles, buzos en bicicleta, ballets de medusas y caballitos de mar... Una locura, sin embargo lúcida por su perfecto montaje y por su capacidad de devolvernos la noción de lo maravilloso, de aquello que se respiraba en los albores del cine y en las obras de Georges Méliès, muy admirado por Zeman. En 1961 realiza otra importante película a rescatar: El barón de Munchhausen (también conocida como El barón fantástico), adaptación bastante fiel de uno de los mejores relatos de aventuras absurdas, obra de Gottfried Bürger. Ayuda a esta identificación con la novela la inspiración de la película en los grabados de Gustave Doré que acompañaban a la obra original. Maravillosos efectos de color y movimiento en un espectacular juego visual en el que Zeman mantiene, sin embargo, una mirada irónica sobre la realidad social y política, siempre latente en sus historias fantásticas. Más tarde realizará Crónica de un loco (1962) y volverá a adaptar a Verne con Los hijos del capitán Nemo (1967). No quiero acabar este escrito sin mencionar En el cometa (1970), La nave robada, y otras películas todo animación como los conocidos Cuentos de las mil y una noches (1974) [The Adventures of Sinbad the Sailor by Karel Zeman 1/7 ] y Krabat, el aprendiz de brujo (1977) [Čarodějův učeň (1977) part 1/8 (English subs) ]. En 1980 realiza sus últimas obras, como El cuento de Juan o la adaptación de Hansel y Gretel de los hermanos Grimm. Documental The Special Effects of Karel Zeman : PART 1 The Special Effects of Karel Zeman : PART 2

George Pal

2010-12-26T11:25:00.024Z

György Pal Ceeled (Hungría). 1908-Beverly Hills (California), 1980 George Pal nació en una familia de teatro húngara. Después de asistir a la facultad de arquitectura y trabajar como escenógrafo en los estudios Hunnia Films de Bucarest, promueve, junto a otros autores como John Halas, el nacimiento del cine de animación húngaro. En los años treinta, trabajando en la animación publicitaria y experimental, se le ocurre la idea de animar muñecos ante la imposibilidad de realizar películas de animación tradicionales. Trabaja para la poderosa UFA alemana pero, al no ver horizontes, emigra a Holanda donde funda la Dollywood Studios y realiza publicidad para la empresa Philips; y después a Gran Bretaña, donde con John Halas sienta las bases para un renacimiento del cine de animación británico. Finalmente los dos artistas se trasladan a EEUU, lugar que ya no abandonarán nunca. Allí llama la atención al ser un habilísimo realizador de publicidad con objetos y muñecos animados, además de un gran autor de efectos especiales. La Paramount le encarga sus primeros trabajos al margen de la publicidad, y es cuando crea la serie Puppetoons. Puppetoons fue una serie de muñecos articulados -aunque también incluía dibujos animados- cuyo principal protagonista era Jasper, un niño negro que reunía todos los estereotipos de vodevil que se solían asociar a este tipo de personajes, hoy en día políticamente incorrectos. La serie tuvo éxito (1940-1949), con episodios como Jasper and the Hauted House (1942), John Henry and the Inky-Poo (1946), Tubby the Tuba (1947) o Rhapsody in Wood (1948). Incluso gozó de su adaptación al cómic, como podeis ver, presentados nada menos que por el Capitán Marvel/Shazam. A partir de 1945 George Pal da un giro importante a su carrera y se centra más en los efectos especiales, incluso produciendo y dirigiendo largometrajes esencialmente del genero fantástico y la ciencia ficción, convirtiéndose en verdaderas películas de culto: Destination Moon (Con destino a la Luna, Irving Pichel, 1950), con una secuencia de Woody Woodpecker (el Pájaro Loco) instruyendo a los profanos en los vuelos a la luna -curiosa película semidocumental que, a pesar de todo, resulta un poco aburrida-; When Worlds Collide (Cuando los mundos chocan, Rudolph Maté, 1951), su primer Oscar a los efectos especiales; War of the Worlds (La guerra de los mundos, Byron Haskin, 1953, la primera, la buena); The Time Machine (El tiempo en sus manos, dirigida por el mismo Pal, qué recuerdos me trae esta maravilla); Atlantis, the Lost Continent (Atlántida, el continente perdido, también de Pal, 1961); Wonderful World of the Brothers Grimm (El maravilloso mundo de los hermanos Grimm, de nuevo dirigida por Pal, 1962, también la primera y superior a la dirigida por Terry Gilliam, siento decirlo); o Doc Savage, the Man of Bronze (Michael Anderson, 1975, ), una encantadora y bizarra versión del clásico personaje de las novelas pulp, que también contó por esa época con la interpretación al cómic por parte de la Marvel, en magazine en blanco y negro y en comicbook a color. [En Youtube, este bonito slideshow]. (Michael Anderson, un año después de Doc Savage, dirigiría otra cult movie: La fuga de Logan.) Le fueron bien las cosas a George Pal. Se lo merecía, desde luego. Huyó del frío para acabar sus días en la soleada California y nos dejó su maestría en el arte del stop motion, y los efectos especiales y buena dirección de sus estupendas películas con sabor a cine de sobremesa-sesión de tarde.

¡Paz y amor!

2010-12-25T17:30:00.000Z

Rudolph The Red-Nosed Reindeer (1948) Jack Frost (1934) Santa's Surprise (1947) En http://www.archive.org/. También se pueden descargar. No se me atraganten con el turrón y los licores. O sí. ¡Felicidades!

Jirí Trnka

2010-12-25T12:04:00.000Z

Pilsen (Austria), 1912 - Praga, 1969 Ya le tocaba a Jirí Trnka, enorme exponente de la animación checa. LLega al cine tras su experiencia teatral, puesto que en 1936 crea un teatro de marionetas en el que trata tanto fábulas como historias de corte más realista, y también después de trabajar como afamado -y extraordinario- ilustrador. Tras el paréntesis impuesto por la guerra, en 1945 funda la productora Bratri v Triku ("Los hermanos en camiseta") con la que realiza numerosos filmes de dibujos y muñecos animados en stop motion. De 1945 es El abuelo plantó una remolacha, y de 1946 Los animales y los bandidos -un ballet animado con el que se hace notar en el Festival de Cannes, recibiendo un premio-, El regalo y El saltador y los hombres de las SS, este último corto claramente antinazi. En 1947 produce el largometraje El año checo, una maravilla centrada en las leyendas y supersticiones de Checoslovaquia. En 1948 realiza El ruiseñor del emperador, a partir de un cuento de Andersen. De 1949 son Historia de un contrabajo (Story Of The Bass Cello) (1949)[1ª parte] o el corto paródico tipo western Canción de la pradera, y en 1950 Bajaja, otro largo que narra la historia de un campesino convertido en caballero que para conquistar a una princesa debe matar a un dragón. Después vendrá El alegre circo (1951)[1ª parte] y Sombras chinescas (1953). También en 1953 filma la que está considerada su obra maestra, Viejas leyendas checas, retomando y profundizando en los temas de El año checo, y tras un periodo en que sus obras declinan hacia un cierto manierismo (A Drop Too Much (O sklenicku víc) (1954), el largometraje El sueño de una noche de verano (1958)[fragmento], La abuela cibernética (1962)[1ª parte], El arcángel Gabriel y la señora Oca (1964) [1ª parte]), surge una nueva fase de originalidad creativa que culminará con Maxplatte, maxplatten (1965) y especialmente con La mano (1965)[1ª parte], película comprometida y nada alegre que nos narra la historia de un escultor que lucha contra la muerte mientras debe esculpir una mano gigantesca, símbolo del poder opresivo. Cuatro años después, Trnka fallece.

Tron, el legado.

2010-12-23T19:46:00.000Z

En este enlace podréis ver la espectacular web de la película Tron Legacy, remake de la clasica que no gozó de gran éxito. (Ved esta entrada antigua de Cartoonia acerca de la primera.) Su página es una gozada en diseño. Eso sí, al entrar necesitarás instalar un plugin en el navegador. A partir de ahí el disfrute está garantizado, pudiendo incluso conducir una moto de luz. La película ha resultado ser mejor de lo esperado, porque ya se sabe que en el país de los ciegos -o sea, el cine de acción y aventuras- el tuerto -o sea, el cine de acción y aventuras que se preocupa por narrar una historia- es el rey. Vale la pena verla, tiene más chicha de lo que parecía.

Otro Gulliver, y ya van...

2010-12-22T15:47:00.005Z

Aprovechando que hoy mismo se estrenó una nueva versión de Los viajes de Gulliver, volvemos a publicar esta entrada antigua de Cartoonia. Pero, antes, dejadme comentaros la última. Si has visto los trailers de esta película de Rob Letterman, artífice de regularcillas obras de animación como El espantatiburones y Monstruos contra alienígenas, prácticamente ya te la has visto entera. Esta versión moderna, con inevitables aspectos tecnológicos y en 3D, adapta tan sólo dos de las tres partes que tiene la novela original, obviando la historia del país en el que los caballos son como los humanos y los humanos son unas bestias salvajes y estúpidas. Pero esta carencia de la parte de los caballos la tienen todas las películas que se han hecho, así que... También tiene algunas bromas, digamos, escatológicas. A alguien le molestará esto, pero en honor a la verdad hay que decir que la novela original no estaba sobrada de ellas. En este sentido, y por otros aspectos, es más fiel al original que todas las demás. De todas formas no es nada del otro jueves, la típica peli navideña para toda la familia con este actor que ha sido nombrado, no sin acierto, el nuevo Jim Carrey. Hacedme un favor y, si no lo habéis hecho, leed el libro original de Jonathan Swift publicado en 1726, una obra maestra de la sátira despiadada. Y luego hablamos. Este es el primer largometraje de los estudios Fleischer y el segundo largometraje de animación de la historia (el primero fue Blancanieves y los siete enanitos de Disney). Aunque no se aleja demasiado de los parámetros de la animación clásica norteamericana, los Fleischer nunca fueron tan, digamos, melodramáticos como Disney. Y tampoco tenían tanta pasta... Da igual, Gulliver's Travels es una pequeña obra maestra de la animación en la que prima el humor y el buen rollo por encima de todo, con un uso del rotoscopio (aparato que servía para "calcar" las imágenes reales, invención del propio Max Fleischer) magistral.

Gulliver's Travels (1939) en Archive.org Dir: Willard Bowsky Prod: Max Fleischer

Además, aquí tenéis unos cortos del mismo estudio protagonizado por Gabby, uno de los enanos que aparece en la película. All´s Well Gabby´s Goes fishing Fire Cheese Hey, que son descargables...

Oswald the lucky rabbit

2010-12-13T18:48:00.001Z

Atención: Vuelvo a publicar esta entrada porque un generoso anónimo ha puesto dos comentarios con multitud de direcciones de descargas de esta serie. Los interesados que se den prisa, que a veces estas cosas no duran mucho. Por cierto, como anunciábamos, este personaje ha sido ya rescatado por Disney en el videojuego Epic Mickey. Mickey Mouse tiene un antepasado en cuanto al grafismo en el gato Julius de las Alice Comedies (1924-1927), pero sobre todo en el conejo Oswald. Este personaje fue creado por Walt Disney en 1927 para el productor de la Universal Pictures Charles Mintz, quien reivindicó el copyright, lo cual obligó a Disney a abandonar la sociedad. Pero este fue el inicio de la gran fortuna de Disney, quien con el único dibujante que se mantuvo fiel, Ub Iwerks, creó a Mickey (posteriormente la Universal arrebatará el conejo Oswald a Mintz, confiándoselo a Walter Lantz). Oswald se vió así obligado a competir con Mickey, convertido en estrella, hasta que desapareció en 1938. Por cierto, Oswald era doblado por un niño de nueve años destinado a ser un actor famoso: Mickey Rooney. Pero la historia no termina ahí, ya que en el 2006, la empresa Walt Disney readquirió los derechos de Oswald a cambio de permitir a un narrador deportivo, con quien tenían contrato por parte de sus filiales de ABC y ESPN, trasladarse a la NBC (buff...). Hoy, Oswald es nuevamente propiedad de Disney... A pesar que esta compañía no quiere lanzar súbitamente al conejo, si está planeando la manera de integrarlo a sus filas, así que no se sorprendan si próximamente sabemos más de este personaje...

En Youtube.

Saucers in the Sky

2010-11-30T13:44:00.000Z

¡Alto ahí! Escucha este tema del song-poem superstar Rodd Keith "Saucers in the Sky", un video creado con clips de viejos cartoons de dominio público. (Visto en www.mrbalihai.com/goof/animation/)

Él vive en la piña, debajo del mar...

2010-10-31T15:51:00.012Z

¿Quién va a ser, sino el inconfundible Bob Esponja (SpongeBob SquarePants)? Él y sus compañeros de reparto fueron creados por Stephen Hillenburg, que además de artista es biólogo marino... ¡Ahora lo entiendo todo! Esta serie de Nickelodeon es un compendio de humor absurdo, referencial, paródico... Es una de esas maravillas que gustan tanto a niños como a adultos precisamente por esos guiños y alusiones. No entraremos en detalles sobre el concepto y el desarrollo de la serie, que ya deberíais conocer todos, , pero sí destacaremos su gran banda sonora. El opening es una tonada infantil y el ending es una alucinante sintonía que se asemeja a un guitarrista alucinado tocando en el fondo del mar, algo muy apropiado. No falta la música circunstancial tipo surf, rock, años 30-40... Además, a lo largo de sus episodios han aparecido bandas de rock como Motorhead, Metallica, Wilco, Flaming Lips, Pantera, Twisted Sister o David Bowie haciendo un cameo en el episodio especial SpongeBob´s Atlantis Squarepantis. Ahora os contaré un poco mi experiencia. Bob Esponja se emite diariamente en el canal Clan en diferentes horarios (ver programación). A partir de las 20:00 es cuando yo me pongo enfrente de la tele y en este canal, porque estoy irremediablemente enganchado a la serie. Después de dos episodios de Bob Esponja emiten Gormiti, que me corta el rollo hasta que después se vuelve a emitir otro de Bob Esponja. Y después... ay, aquí quería yo llegar. Porque después se emite ICarly, y es aquí donde me asalta un grave interrogante: ¿por qué, por lo general, muchas nuevas series de dibujos animados supuestamente infantiles son tan divertidas y, en cambio, las de imagen real son tan pésimas? Los personajes de ICarly viven en un mundo irreal, como en una dimensión paralela de situaciones idiotas y con unos personajes que, sin que nadie se ofenda, podríamos catalogar de retrasados mentales. Esto también podríamos aplicarlo a Bob Esponja, vale; pero donde allí todo es humor demencial e ingenuo con algunas dosis de escatología y "violencia", en ICarly no vemos más que chorradas sin gracia. Y resulta que las dos series son de NIckelodeon. ¿Será cosa mía? Irónicamente, los actores de carne y hueso siempre me han parecido mucho menos reales que los dibujados... En fín, me voy a comer una Burguer Cangreburguer. Hasta luego. (Os confesaré un secreto: imito estupendamente a Patricio.) Web oficial en español Mundo Bob Esponja TVE visita el estudio de doblaje

Con esto del body painting hay gente pa tó...

¿Astroboy para el siglo XXI?

2010-09-25T19:47:00.001+01:00

La primera película animada de David Bowers fue Ratónpolis (2006), una historia infantil normalita que apareció un poco a rebufo de la mucho mejor Ratatouille, porque en ese momento molaban los ratones. Ahora nos encontramos con este Astroboy-The Movie, que puede servir para dos cosas: 1) Atraerá a una serie de carrozas nostálgicos, a aficionados al cómic y al manga y a fans de Osamu Tezuka. Pero en España esa supuesta audiencia no será multitudinaria, puesto que ninguna serie televisiva de Astroboy ha sido emitida nunca por la pequeña pantalla y sus mangas han sido publicados por primera vez no hace mucho por Ediciones Glénat; es decir, que ahora , afortunadamente, podemos encontrar mucho más material de Tezuka publicado en España -y no sólo de Astroboy-, pero hace unos años no era así y se trataba de un autor de culto, que en Japón denominaban "el dios del manga" y que por aquí algunos rezábamos para que su obra saliese del ostracismo. Cosa que sucedió un poco a raíz de la extraordinaria Metrópolis, adaptación de un manga suyo realizada por Rintaro. 2) Los padres -y es de suponer que algunos connoisseurs de Tezuka que también sean padres- llevarán a sus hijos pequeños a verla, con lo cual las nuevas generaciones conocerán la historia del científico Tenma que, apenado por la muerte de su hijo, lo revivirá como si de un nuevo Pinocho se tratase en el cuerpo de un pequeño pero poderoso robot. Pero no sé yo si ésa es la mejor forma de adentrarse en el incomparable universo de Tezuka, puesto que la serie original era una sutil mezcla de géneros en la que primaba la ciencia ficción y aquí nos encontramos con algo más cercano a los superhéroes, en cierta forma, y que desaprovecha muchos buenos aciertos que aparecieron en el manga y que también se adaptaron en las series. No digo que sea una película rematadamente mala (peor fue la anterior intentona de la productora con las Teenage Mutant Ninja Turtles), pero tampoco es buena. Creo que es una película innecesaria, como la nueva versión de Karate Kid -un capricho de Will Smith diseñado para el lucimiento de su hijo Jaden Smith, ni más ni menos- o, en el terreno de la animación, La Abeja Maya 3d. (Y más remakes que nos esperan amigos: Heidi, Vicky el vikingo...) Estos nuevos grafismos 3d (Astroboy aparece vestido, ¡censura!) nos distancian tanto de la obra original que eso parece incluso influir en la trama de la historia, en el caso de que la historia tenga trama. Pixar y demás siempre se han esforzado por añadir en sus producciones una complicidad con el público adulto, pero no esperéis en esta cinta ningun atisbo de ello: todo está encaminado a la espectacularidad y el consabido argumento de la amistad, la superación personal, la familia... Todo ello, típico, bien mascado para adoctrinar a los más pequeños, mientras el adulto bosteza y se aleja corriendo a leer los cómics originales. O las series, que son muy válidas. (Lo único que me gusta de esta peli es el primer póster que apareció, y por eso lo he puesto aquí.)

Chuck Jones Extremes & Inbetweens, A life in animation

2010-09-22T20:24:00.009+01:00

Ayer fue el cumpleaños de Chuck Jones, es por ello que en el imprescindible blog Animaholic nos han subido un doumental sobre él. Está subtitulado al cstellano, así que... ¡a bajárselo! ¡Por cierto, y hablando de cumples, felicidades a Animaholic en su quinto aniversario!

Satoshi Kon

2010-09-20T23:29:00.007+01:00

Adiós a Satoshi Kon, un director que me parece que aún no le tocaba irse. Así queda inaugurada otra etiqueta en este blog. Dedicada al director de anime menos anime que ha existido. Sus películas podrían haber sido interpretadas por actores reales y apenas se hubiese notado la diferencia. Qué lástima, oye, la entrada que tenía preperada sobre Kon ha desaparecido. Cuando la encuentre os la pongo, creo, en fín, si vale la pena. Todo ya está dicho, creo. Están sus pelis, su enfermiza Perfect Blue que lo desencadenó todo y su Paranoia Agent, inclasificable. Y Millenium Actress, y Tokyo Godfathers, y...

La Paranoia de Satoshi Kon, Vida y Obra, parte 1.

Walter Lantz

2010-08-31T16:43:00.007+01:00

New Rochelle, Nueva York, 1900-Burbank, California, 1994. Productor y director, La actividad de Walter Lantz se desarrolla en los albores del cine de animación neoyorkino, en el que se introduce siendo muy joven (1916-1917). Realiza la serie Jerry on the Job y trabaja con Gregory La Cava en los estudios de John Randolph Bray (productor del primer cartoon a color, The Debut of Thomas Cat (1920), en la técnica Brewstercolor desarrollada por Percy D. Brewster, aunque eso es otra historia...), creando los personajes Dinky Doodle o Pete the Pup. En Dinky Doodle and Red Riding Hood (1925), por ejemplo, Walter Lantz combatía con una espada al lobo que había salido del cuento. Sí, Lantz también hizo interactuar la imagen real con la animada. Bajo las órdenes de Raoul Barre, Lantz se convirtió en animador de la serie Mutt & Jeff antes de dirigir su primer corto para los Estudios Bray, Colonel Heeza Liar´s Treasure Island (1922). Cuando los estudios Bray cierran sus puertas en 1927, Lantz se traslada a Hollywood y, además de escribir guiones y gags para el productor y director cinematográfico Mack Sennett, trabaja en la Universal colaborando con Walt Disney (posteriormente Disney abandonaría la Universal y se independizaría). Lantz decide fundar su propia productora, trabajando además en publicidad. Y es en este momento de su cronología donde hay que comentar un punto oscuro y poco conocido en el historial del que sería el creador del Pájaro loco: la película Buried Treasury. Veréis; en el año 2002 se estrenó Golfos y picardías de antaño (Polissons et galipettes), una película documental realizada por el francés Michel Reilhac que recopila doce cortometrajes pornográficos filmados entre 1900 y 1930, restaurados por el Centro Nacional de Cinematografía. Sí, cortos de sexo explícito, que van desde El voyeur (1907, considerado el primer documento porno de la Historia) hasta Buried Treasury (1928, 1929 o 1930, depende de las fuentes), cuya autoría se le atribuye a Walter Lantz (aunque no fue el único que participó en el proyecto si hacemos caso a la Wikipedia: ver). También es conocido con los nombres de Eveready Harton in Buried Treasure, Eveready Harton, Eveready y Pecker Island. (Eso no debería escandalizar a nadie, ¿verdad? Eso espero...) Volvamos a la normalidad de los dibujos animados para todos los públicos. En los años 30 Lantz realizó cortos del montón, con personajes que recordaban a otros como Pooch the Pup, aunque este personaje en concreto hay que reseñarlo por protagonizar la que, dicen, fue la primera parodia en dibujo animado de la película King Kong: King Klunk (1933). En 1939 Lantz introdujo los personaje Andy Panda y Woody Woodpecker (El Pájaro Loco en España, Loquillo en Latinoamérica), creado por Ben "Bugs" Hardaway, un dibujante que ya ha aparecido mencionado en este blog al haberse sacado de la chistera a Bugs Bunny para la Warner. Hasta el momento, el grueso de los cartoons lanzados por Lantz estaba formado por personajes más tiernos que pícaros -Eight Ball, Sugarfoot...-, pero la llegada Woody, que al principio era más bien feo, iconoclasta y violento, sería todo un revulsivo. Destaca la presencia de Andy Panda y Woody en Knock Knock y Poet and Peasant (1946). Más adelante, este pájaro carpintero, con su excentricidad, franqueza y contagiosa y cantarina risotada, se convertiría en su mayor éxito y en marca de la casa. Con la particularidad de la música, el estudio Walter Lantz produciría The Barbier of Seville (1944), de Shamus Culhane, que tuvo una gran relevancia, y The Overture To William Tell (1947), de Dick Lundy, con la aparición de la morsa Wally Walrus. Pero más importante fue la creación de Alex Lovy (1913-1992) en 1953: un pingüino irónicamente friolero llamado Chilly Willy, que destaca en cortos como I'm Cold (1954) o The Legend of Rockabye Point (1955), ambos dirigidos por el gran Tex Avery (1908-1980). Aunque Chilly Willy únicamente protagonizaría 35 episodios Sobre el célebre pájaro carpintero Lanz continuó haciendo realizaciones muy interesantes, como Termites From Mars (1952), de Don Patterson. Para la televisión produjo The Woody Woodpecker Show (1957) y, a continuación, cerca de 200 cortos en un programa de media hora que presentaba el propio Lantz. Estuvo en el aire de una forma u otra hasta 1966. ¡Como interesantísima curiosidad, en Youtube encontramos muchos fragmentos en donde Walter Lantz enseña animación! Era lo habitual en el programa, entre cartoon y cartoon. El estudio cerró sus puertas en 1972 y destaca por haber tenido una larga vida y haber contado con un gran número de colaboradores importantes, entre ellos Laverne Harding (1905-1984), una de las animadoras más valoradas de Hollywood. En 1979 Walter Lantz recibió un Oscar en reconocimiento a toda su carrera. Universal's Official Woody Woodpecker Site Van Eaton Galleries: Original Walter Lantz Cels, Drawings, and Model Sheets Toonopedia's Walter Lantz Tribute Walter posando junto a Woody Woodpecker, Buzz Buzzard, Space Mouse, Oswald The Rabbit, Knothead, Splinter, Gabby Gator, Wally Walrus, Chilly Willy y Andy Panda.

Ralph Bakshi, el director que animó al Gato Fritz

2010-08-30T11:41:00.001+01:00

(Actualizado) Originario de Haifa (Palestina), Ralph Bakshi nace en 1938 y crece en los suburbios neoyorkinos. Se diploma en animación y empieza como entintador para la Terry Toons Animation Studios de la CBS, donde colabora en algunas series de televisión. Después de un periodo con la Paramount, funda con Steve Kantz la productora Ralph´s Spot, con la cual atrae la atención de crítica y público gracias un largometraje tan atrevido como insólito: Fritz the Cat (1971). (No os ofrecemos más que un fragmento, puesto que en Youtube se nos indica que lo han bloqueado en nuestro país por motivos de derechos de copyright.) Basado en el personaje del pope del cómic underground, mi querido Robert Crumb, la película fue clasificada x, utilizando así la nueva regulación que hacía poco que había sido impuesta y que no sólo se aplicaba a la pornografía: Pink Flamingos, de John Waters, también ostentó ese "privilegio", por ejemplo. Está claro que le pusieron la x a Fritz the Cat no tanto por sus -inexistentes- escenas eróticas explícitas, sino por su lenguaje sin tapujos, sus alusiones a las drogas y su supuesta violencia. Pienso que, subrepticiamente, también tuvo algo que ver que en la película se realizara una sátira radical contra la sociedad de la época, y eso siempre da mucho miedo a los guardianes de la moral. Por cierto, en España se aprovechó la situación y la película se estrenó con el "hábil" título de Fritz, el gato caliente. Hay que decir que Robert Crumb no colaboró con el proyecto; es más, tampoco apreció en absoluto el trabajo de Bakshi debido a las libertades que éste se tomó a la hora de adaptar los cómics. Sea como fuere, la película es muy recomendable y representa un puntal de la animación para adultos. En 1974 este personaje tuvo una secuela, The Nine lives of Fritz the Cat, dirigida por Robert Taylor. La vena corrosiva de Bakshi se expresa además en otras obras como Heavy Traffic (1973), mezcla de animación e imagen real en una nihilista puesta en escena de las fantasías de un dibujante neoyorkino, y Coon Skin (Piel Oscura, 1975), un violento ataque a los estereotipos raciales de Hollywood. Lo cierto es que estos dos films junto a Fritz the Cat están considerados una trilogía. El director después abordó los territorios de la fantasía con Wizards (1977) y la fállida Lord of the Rings (El Señor de los Anillos,1978), que, aunque hay que recordar que fue la pionera en adaptar parte de esta obra, mordió más de lo que podía tragar y recibió duras críticas. Después de American Pop (1981)[en Youtube no se pueden ver sus primeros cuatro fragmentos, pues incluyen contenido de Sony Pictures Movies & Shows, que lo ha bloqueado por motivos de derechos de copyright, los muy...], un particular recorrido por la historia de la música pop, y Hey Good Lookin´ (1982) volvió a la espada y brujería con Fire and Ice (Tygra, Hielo y Fuego, 1983), en colaboración con el dibujante Frank Frazetta que diseñó los personajes (destacable es la sensual protagonista...). Por cierto, Frazetta, popularísimo y excepcional ilustrador, falleció este pasado día 10 a la edad de 82 años. Muchos años después Bakshi realizaría Fuga del mundo de los sueños (1992) y Cool World (Cool World, una rubia entre dos mundos, 1992), ésta última un poco a rebufo del éxito logrado por Quién engañó a Roger Rabbit y con Kim Basinger, Gabriel Byrne y Brat Pitt como actores "de verdad". Ninguna de estas películas tuvo demasiada fortuna comercial. También en los años 90 Bakshi se dedica a la tv, crea dos cartoons para Hanna-Barbera y una serie para la HBO. Actualmente se dedica a la pintura y escribe ocasionalmente para diversas publicaciones. Ralph Bakshi debe ser recordado por ser el que se atrevió a realizar dibujos animados para adultos, lo cual tiene mucho mérito, y más al hacerlo dentro de una industria y un país dominados por Disney. Más en Wikipedia.

Web oficial: http://www.ralphbakshi.com/

Segundo de Chomón

2010-08-29T20:27:00.005+01:00

Ya que en la última entrada hablábamos de Émile Cohl, es de justicia que aquí también aparezca este autor español: Segundo de Chomón. Si con Émile no tuvimos mucha suerte al encontrar trabajos suyos en Youtube, con Segundo nos podemos felicitar un poco. El hotel eléctrico Excursión en la luna Muñecos infernales Satán se divierte L'hereu de Ca'n Pruna

Émile Cohl y el origen del cine de animación

2010-08-17T12:04:00.008+01:00

La Base. Podemos decir que el origen del cine de animación se remonta a los hermanos Lumiére y al origen del cine mismo, ese nuevo invento entre el espectáculo de magia y la técnica. Ya Georges Méliès fue también el pionero también de los efectos especiales, aunque al ser su animación básicamente sobre seres humanos se le ha considerado, acertadamente, como el inventor del cine fantástico y la ciencia ficción. En 1799 Étienne-Gaspard Robert patenta el fantascopio, una linterna mágica que crea la ilusión del movimiento. Después Joseph-Antoine Plateau obtiene con el fenaquitoscopio, o fenaquistiscopio, la primera representación real de movimiento. En 1892 Émile Reynaud con su teatro óptico da vida a pantomimas luminosas animadas. En 1905 el español Segundo de Chomón, con Choque de trenes, es uno de los primeros que utiliza miniaturas animadas; será asimismo otro padre del cine fantástico. James Stuart Blackton, uno de los fundadores de la sociedad Vitagraph, plagiará descaradamente varias películas de Segundo de Chomón para distribuírlas en EEUU, pero también debemos decir que su Humorous Phases of Funny Faces (1906) está considerado el primer film de dibujos animados de la historia. Pero si hablamos de cine animado con narración cinematográfica, es decir, con una historia que contar más allá de las metamorfosis extravagantes de rostros y personajes, quien ocupa un lugar destacado es... Émile Cohl. Émile Courtet. París, 1875-Villejuif (París), 1938. En 1905 el caricaturista Émile Cohl, ex aprendiz de joyero y ayudante de prestidigitador, se presenta en la Gaumont para protestar por el plagio de un dibujo suyo. La controversia se resuelve con su contratación por la productora como guionista y, después, director. Cohl realiza más de 300 cortos (!) trabajando con distintas productoras, desde la Gaumont hasta la Pathé o la Éclair. En sus breves estancias en EEUU traspasa al cine algunas series de cómic, entre ellas Snookum. Muy poco se ha conservado, lamentablemente, de los trabajos del que está considerado uno de los inventores del dibujo animado, capaz de explotar plenamente las posibilidades expresivas de este arte, alternando dibujo y animación de objetos y muñecos en stop motion. En la animación dibujada, al principio traza sus personajes en negro sobre blanco proyectando luego el negativo, lo cual ofrece el aspecto de una pizarra; eso es lo que podemos ver en su primera obra, Fantasmagorie (1908), menos de 10 minutos de película basada por entero en las transformaciones, pero enseguida deshecha esa práctica. Ese mismo año crea lo que son considerados los primeros personajes de dibujos animados de la historia, en títulos como Un drame chez les Fantoches o Le cauchemar du fantoche. A continuación experimenta con diferentes técnicas en Les joeux microbes (1909), La valise diplomatique (1909), Les allumettes animées ((1909), Le ventail animée (1909), Les locateurs d'acôte (1909), Le tout petit Faust (1910), Le peintre néo-impressionniste (1910, con color, toda una innovación), The Hasher´s Delirium (1910), Le musée des grotesques (1911), Le retapeur de cervelles (1911), Campbell Soups (1912, obviamente una animación publicitaria), Monsieur Stop (1913)... En los EEUU colabora con el dibujante George McManus (1884-1954) en la serie Snookum (1913), realiza His Ancestors y, más tarde, en Francia crea junto al dibujante Benjamin Rabier (1864-1939) la serie Le chien Flambeau (1917), producida como film de propaganda; y con Louis Forton (1879-1934), también dibujante, la serie Les aventures des Pieds Nickelés (1918). Pero, en un mundo profundamente cambiado por la Primera Guerra Mundial, al poco tiempo decide retirarse. Acabó su vida en un asilo, y murió por una causa que, si no fuera por lo trágico, parecería un gag de dibujo animado: se le incendió la barba mientras dormía. Dicen que murió pobre y olvidado. Pero ahora está puesto en el lugar que le corresponde. (Sorprendentemente, apenas hay nada en Youtube de este autor.)

Nick Cross

2010-06-04T10:54:00.002+01:00

Nick Cross es un galardonado animador independiente canadiense que ha trabajado como director de arte en aquella locura que era Ren & Stimpy, de ahí su peculiar estética y música retro que tanto nos gusta en Cartoonia. Blog: Nick Cross' Plog.

The Music of Sound - Yo Gabba Gabba! from Nick Cross on Vimeo.

The Waif of Persephone from Nick Cross on Vimeo.

Yellow Cake from Nick Cross on Vimeo.

Enjuto Mojamuto en "Buenafuente"

2010-06-04T10:37:00.004+01:00

Lo que es la tele, ¿eh? Hay que ver lo endogámica que llega a ser. ¿Pues no pudimos ver al personaje animado Enjuto Mojamuto, freak de internet y colaborador en Muchachada Nui, charlando con Andreu Buenafuente? Como el programa lo hacen tan tarde, estuve pensando que este suceso lo habría soñado, pero no: aquí tenéis la prueba.

España: Mucha animación por delante

2010-05-15T11:48:00.004+01:00

Cine Animado se autodefine como "la primera revista latinoamericana dedicada a la animación". En su blog , y en su último nº, el 18, podemos encontrar un artículo cuyo título lo dice todo: España: Mucha animación por delante

"Love & Theft", de Andreas Hykade

2010-05-15T11:40:00.003+01:00

Love & Theft "Andreas Hykade, profesor de animación en la Escuela de Arte y Diseño de Kassel, es una de las personalidades alemanas más destacadas de la animación de los últimos veinte años. Su último trabajo, "Love and Theft" se presenta este año en Cannes y aunque no se aleja demasiado de su propuesta estética, sí que representa un cambio de intenciones frente a anteriores trabajo. La pieza, basada enteramente en el procedimiento exclusivo de la animación de la metamorfosis gráfica (cuyo pionero absoluto sería Emile Cohl), es en realidad una reflexión curiosa sobre el mundo de la animación, sin argumento ninguno. El viaje rítmico y sobriamente alucinógeno se transforma al final en un plácido pasaje. El cortometraje viene a demostrar la superioridad de la animación frente a otras formas audiovisuales a la hora de "maltratar", manipular y deformar la forma gráfica hasta sus límites y cómo en el fondo un personaje, una imagen no es sino una elección formal. Podéis votar por la pieza en la página oficial de la NFB en Cannes." Visto en Animaholic.

Dinosaurios, de Jim Henson

2010-03-04T15:52:00.004Z

No se trata de una serie de dibujos animados, sino de marionetas (como no podía ser de otra forma, tratándose de un trabajo de Jim Henson´s Creature Shop). Eh, pero las marionetas también tienen cabida en este blog, pues, bajo mi punto de vista, estas dos formas de expresión no son tan ajenas la una de la otra. Desde hace un tiempo podemos ver Dinosaurios cada noche a las 11h. en Disney Channel. Una serie de 1991 a 1994 , producida por Michael Jacobs y Jim Henson en asociación con Touchstone Television y distribuida por Buena Vista International/Disney. Una serie que ya pudimos ver hace años en TVE y posteriormente en Tele 5, y que ahora podemos volver a disfrutar y comprobar lo buena que era/es. Una serie sorprendente que no ha perdido un ápice de actualidad. Bajo la apariencia de sitcom familiar se esconden en la mayoríade sus episodios unos agudos comentarios de crítica social que tocan -y cuestionan- asuntos como el conflicto generacional, la explotación laboral, la ascensión social, las apariencias, la publicidad y su manipulación, la alienación, temas a menudo tan controvertidos como la política, la justicia o la religión... de una forma, a priori, cómica y amable, pero en el fondo demoledora. Es, en fín, una sátira de la vida moderna, tan válida ayer como hoy. y todo ello protagonizado por una familia de dinosaurios que tiene algunos puntos en común con Los Simpson, no sólo en el aspecto formal: la serie gustará a los niños por sus personajes graciosos e irreales, pero las historias sorprenderán a los adultos por su trasfondo crítico. ¡Pero atención, porque esta serie es muy anterior a la de Matt Groening! A nivel técnico Dinosaurios es impecable, en una época en la que los ordenadores aún no habían irrumpido de forma tan brutal (¡en la información del canal se dice, erróneamente, que interactúan marionetas e imágenes en 3D!), mezclándose las ya conocidas marionetas de guante típicas de Barrio Sésamo o Fraggle Rock (esta última, tal vez un poco más infantil, resultó ser una obra maestra) con la técnica animatronic para los personajes de cuerpo entero (ya utilizada en la gran y muy querida película Cristal Oscuro). Este tipo de personajes necesitaban el trabajo de tres personas para cobrar vida: el actor dentro del muñeco, el técnico en animatrónica para las expresiones faciales y el actor de doblaje. Todo un curro. Así que ya sabéis: esta es una serie de visionado obligatorio, mientras aún quedan muchos episodios por ser emitidos. Más info en Wikipedia. En Youtube (versión mexicana; no encontré la española).

Genocyber

2010-03-03T16:10:00.001Z

Mientras que las naciones del mundo comienzan a combinarse, la paz del mundo es amenazada por los ejércitos privados de corporaciones individuales. El grupo de Kuryu acaba de descubrir un arma que incline la eficacia del mundo en su favor: el genocyber. Una combinación de la cibernética y del psiquismo. Pero no contaban con que su creacion pondría en peligro a la empresa… y a la humanidad entera. "Genocyber cuenta la historia de la creación de un arma biológica definitiva, a partir de dos hermanas con poderes psíquicos", como se nos indica en la Wikipedia. Es una corta serie anime de 1994 dirigida por Koichi Ohata, encuadrada en el género cyberpunk y con un, ya aviso, fuerte contenido gore, en especial en sus dos primeras partes; por tanto, no es una historia para todos los públicos. Tal vez ese sea uno de los principales motivos de que se haya convertido en un anime de culto. Genocyber 1[1/4] sub español en Youtube Descargas: Primera parte OVA 01: A New Life Form (Una nueva forma de vida) http://www.mediafire.com/file/noncyuyvdml/genocyber_1.mp4 Segunda parte OVA 02: Vajranoid Attack (Ataque del Vajranoide) http://www.mediafire.com/file/dkj2d5drdj3/genocyber_2.mp4 OVA 03: Global War! (Guerra global!) http://www.mediafire.com/file/edfiojjjdjd/genocyber_3.mp4 Tercera parte OVA 04: Legend of the City of Ark de Grande I (Leyenda de la Ciudad Ark de Grande I) http://www.mediafire.com/file/c4omm1jomjg/genocyber_4.mp4 OVA 05: Legend of the City of Ark de Grande II (Leyenda de la Ciudad Ark de Grande II) http://www.mediafire.com/file/wtkyjwc33mm/genocyber_5.mp4

¡Totoro aparece en Toy Story 3!

2010-02-27T12:19:00.004Z

Prestad atención al trailer. ¿No lo habéis visto? Mirad esta imagen.

Totoro aparece con los demás personajes de Toy Story en la tercera entrega de la saga. Es sabido que John Lasseter, fundador de Pixar y creador de Toy Story, es un fan de Hayao Miyazaki, y además se han conocido y han entablado una buena amistad, así que esto no debería sorprender a nadie, ¿verdad?

Armitage III

2010-02-26T18:46:00.010Z

Armitage III es un anime que en su momento me llamó la atención y le tengo un cariño especial. Es una buena historia ciberpunk de androides más humanos que los humanos (la sombra de Blade Runner es alargada), aunque es muy diferente de esa obra maestra que es Ghost In The Shell. Como suele pasar, es una obra bastante colectiva, aunque su principal responsable en la dirección es Hiroyuki Ochi. Consta de: cuatro episodio OVA de 1994: Electro Blood, Flesh & Stone, Heart Core y Bit of Love Armitage III: Poly-Matrix, una adaptación de la misma historia en largometraje y Armitage III: Dual Matrix, otro largo de 1995 con una nueva historia posterior a los hechos narrados en los OVAs. Armitage III OVA 1 (1ª parte de 5, en castellano) en Youtube Dual Matrix en Youtube (1ª parte de 9, en japonés subtitulada) Canal de Youtube de BerserkZero Descargas: Armitage III - Ova 01: Electro Blood Armitage III - Ova 02: Flesh & Stone Armitage III - Ova 03: Heart Core Armitage III - Ova 04: Bit of Love Armitage III: Dual Matrix (película) + Ovas Ah, me olvidaba deciros que también existe el cómic (bueeeno, manga) de Zarai Ohtana y Tatsuya Ikegami, basado en el concepto original de Hiroyuki Ochi y Chiaki Konaka. Fue publicado en su día por Glénat y aún lo tengo :) Web: Más info (aunque no mucha más, y en inglés) en Wikipedia AIC's Official Armitage III Homepage (Japonés) Armitage III Main Gate

Web de Ghibli en castellano

2010-02-26T18:31:00.005Z

http://www.studioghibli-aurum.com/ Ya podemos disfrutar de toda la información de Ghibli en el idioma de Cervantes, que en inglés es un poco rollo y en japo... pues como que no. Películas, trailers, la historia del estudio, novedades y algunas sorpresas es lo que nos encontraremos. y si deseas formar parte de la Comunidad Ghibli, puedes inscribirte y accederás a contenidos exclusivos, lo cual no está nada mal, ¿eh?

Robert Zemeckis y Roger Rabbit

2009-12-25T12:08:00.000Z

Director y productor. Chicago, 1952. En el campo de la animación, el nombre de Robert Zemeckis, autor polifacético, está vinculado a unas pocas películas de animación, entre las que destaca por méritos propios Quién engañó a Roger Rabbit (Who Framed Roger Rabbit?, 1988). La obra maestra que representa esta película provocó gran admiración en su momento por la perfecta interacción entre dibujos animados y personajes de carne y hueso, no quedando menoscabada con la llegada de la era digital y el diseño en 3D, gracias también a un guión perfecto que remite al cine negro de los años 40 y unas magníficas interpretaciones de Bob Hoskins (Eddie Valiant), Johanna Cassidy (Dolores) y Christopher Lloyd (Juez Doom) en un Hollywood de 1947 que convive hilarantemente con un Dibulywood (Toonstown) habitado por la gran mayoría de los dibus (toons) clásicos. Los personajes de Disney, Warner, MGM, Fleischer... todos juntos "bajo un mismo techo"; el sueño de un fan hecho realidad, y sé lo que digo. La historia es soberbia, llena de citas y guiños al aficionado, y actúa a diferentes niveles: la base de todo consiste en que el Juez Doom, que en realidad es un dibu disfrazado, quiere destruír Dibulywood para construír en su lugar una metrópolis plagada de autopistas, a lo que el detective Valiant, en un momento dado, no puede más que replicar que eso es una locura (una sarcástica crítica, ¿verdad?). Finalmente, cuando Doom muere, lo hace de una forma calcada, incluso en las palabras que dice, de la muerte de la Bruja del Oeste de El Mago de Oz (una película que, aunque es de imagen real, parece talmente un dibujo animado , ¡y en tecnicolor!). Para la posteridad queda una frase de Jessica Rabbit, la femme fatal dibu: "Yo no soy mala, es que me han dibujado así". Aunque mi favorita es la que dice Betty Boop, y que podéis leer en la columna de la derecha de este blog. Muchos años después Zemeckis realiza The Polar Express (2004), una película navideña en la que se utiliza la novedosa técnica de la motion capture (la primera vez se utilizó en Final Fantasy, 2001, y posteriormente en El Señor de los Anillos, 2001-2004). Gracias a estas nuevas tecnologías, el actor Tom Hanks logra interpretar hasta a seis personajes virtuales distintos en una historia demasiado dulzona que exalta la importancia de mantener la ilusión y creer en algo -en este caso, en Santa Claus y la navidad-, en una atmósfera pelín inquietante y fría. Tan frío como me quedé yo al verla. Últimamente ha repetido la jugada con la entrañable -y archiconocida- historia Cuento de Navidad (A Christmas Carol), y con Jim Carrey como multiactor virtual, aunque hay que decir que los resultados son bastante mejores que en Polar Express. En Cartoonia, obviamente, nos quedamos con la gloriosa Roger Rabbit. De todos modos, la carrera de Zemeckis siempre se ha caracterizado por la experimentación, por su interés en explorar las posibilidades que brindan las nuevas tecnologías. Y eso no es necesariamente malo, ¿no?

¡¡¡Gracias!!!

2009-12-24T11:44:00.003Z

Muchas gracias a todos vosotros, conocidos y nuevos amigos internautas. Gracias por vuestras palabras y apoyo que me habéis dado durante este año, que es muy importante para mí. Aunque disfruto haciendo estos blogs, a veces no les puedo dedicar todo el tiempo que me gustaría. Pero me hace muy feliz ver que no perdéis la pista de esta Vox Pop Connection. Yo también os sigo y aprendo de vosotros. Cartoonia ha sido el blog que más éxito está teniendo, y eso me encanta, pues veo que hay mucha gente como yo amante de los dibujos animados de todo tipo. También quiero agradeceros vuestras palabras con respecto a mi cómic Alicia Sinsentido. Invertí dos años en realizarlo (¡me adelanté a Tim Burton!) y puse todo mi amor y todo lo poco que sé en él, y eso se ve recompensado simplemente con vuestros mensajes; los he recibido incluso por e-mail. En cuanto a si lo voy a publicar, nada me gustaría más; se supone que tengo editor, un amigo escritor e historiador gran aficionado a los cómics, que se comprometió a publicármelo, pero está trabajando realizando documentales y también está la cuestión monetaria: ninguno somos ricos, precisamente. Pero tarde o temprano... Naturalmente, si algún filántropo nos echara una mano... ¡Sea como fuere, ya estoy trabajando en una adaptación de El Mago de Oz! Lo dicho, muchas gracias a todos y ¡FELIZ AÑO NUEVO!

A nena que tiña unha soa orella, o La niña que tenía una sola oreja

2009-12-23T11:00:00.004Z

En una entrada antigua me han anunciado lo siguiente: "Hola! me ha gustado mucho su blog y quería dejarles el trailer de este corto hecho con cartulinas, sombras, telas y más! http://www.youtube.com/watch?v=6iCcu07RSjQ de paso este es el blog del corto: http://www.anenaquetinaunhasoaorella.blogspot.com/ espero q les guste! saludos. K. Ps: de paso dejo este videoclip: http://www.youtube.com/watch?v=YqyxzpY14GA" Como me parece un corto de lo más interesante, aquí lo recomiendo de nuevo.

Cuentamundos

2009-12-17T13:23:00.004Z

He recibido por e-mail una información de Animaula, empresa sevillana dedicada a la comercialización de animación infantil, que deseo compartir. Aquí tenéis la documentación: Info_Anim...doc http://www.cuentamundos.es/

Alicia Sinsentido

2009-12-04T15:58:00.002Z

Me vais a permitir que promocione mi obra.

Por fín he podido subir mi cómic Alicia Sinsentido, de un total de 160 págs basado en los inmortales cuentos de Lewis Carroll Alicia en el País de las Maravillas y A través del Espejo. Estoy a la espera de poderlo editar como libro (o "novela gráfica", como dicen ahora); aquí tenéis los escáners "en crudo". Para ver las páginas en grande, no tienes más que pulsar. Espero que os guste (Aquí abajo he puesto una selección de algunas páginas)

...Y llegó el 3D digital

2009-11-09T10:29:00.019Z

El clásico cine 3D con sus entrañables gafas bicolor de cartón ha muerto. ¡Larga vida al nuevo 3D! En los años 50 ese viejo 3D se puso de moda en los EEUU. No tan solo el cine, sino también los cómics, la fotografía o la publicidad hicieron uso de ese invento. Pero poco a poco fue cayendo en desuso, en parte por culpa de la mala calidad de los sistemas de proyección que se utilizaban en los cines, así como de los contenidos mismos. Con la aparición del cine digital todo ha cambiado. Ahora la viabilidad a largo plazo de este formato dependerá de la voluntad de los cineastas de crear sus historias y diseñar sus películas especialmente para la tercera dimensión, sin limitarse únicamente a convertir el material en 2D a formato 3D. Eso es precisamente lo que Disney y Pixar han hecho , por lo pronto: para abrir boca ante el estreno previsto para el verano del año que viene de la tercera entrega de Toy Story, han proyectado la primera parte -la opera prima de Pixar de 1995-, que revolucionó para siempre la animación por ordenador y ahora se verá enriquecida -y nunca mejor dicho- por el enorme tirón comercial de la novísima tecnología 3D. Piensan hacer lo mismo a principios del 2010 con la segunda parte, y luego estrenarán Toy Story 3, 3D. ¿Estará también ésta dirigida, al igual que las dos anteriores, por John Lasseter? Vamos a la luna, de Ben Stassen (dirección) y Domonic Paris (guión) es una película en la que unos preadolescentes moscas intentan colarse en el Apolo 11 para llegar junto a los humanos a la luna. Se trata de una película infantil agradable de ver, pero nada destacable. Más que por sus hallazgos cinematográficos será recordada por ser pionera, por ser el primer largometraje de animación por ordenados exclusivamente diseñado, creado y producido para ser visto en 3D, gracias a la empresa NWave Pictures, una de las más importantes productoras de material original en 3D para cines IMAX y parques temáticos. Lo curioso es que se trata de una película belga que fuera de españa llevaba casi dos años editada en dvd (!). También hemos podido ver la estupenda Los mundos de Coraline, dirigida por Henry Selick (director también de Pesadilla antes de Navidad, aunque muchos pensaran que era de Tim Burton; error: éste último era el productor) y basada en una novela del escritor Neil Gaiman, también el celebrado guionista de cómics tan innovadores e importantes como Sandman. La particularidad era que, a pesar de utilizar una técnica para su visionado tan moderna, fue realizada por medio del maravilloso stop-motion. Pocas veces unir tradición y adelantos técnicos ofrece tan grato espectáculo. Partiendo en un principio de la idea básica de la Alicia de Carroll, el Mago de Oz de Baum e incluso el cuento de Hansel y Gretel, la experiencia resulta difícil de explicar. Hoy en día los niños no se asustan de casi nada, pero si yo hubiese visto esta peli de pequeño, seguro que habría tenido alguna pesadilla... aunque me habría encantado. Por supuesto, hemos podido disfrutar de la interesante UP, dirigida por el guionista de Wall-E (otra gran obra que tal vez no ha tenido la repercusión que merecía) y Toy Story, y el director de Monstruos S.A., Peter Docter, y su compañero Bob Peterson, guionista de Ratatouille y Buscando a Nemo. Es un sentido homenaje a las películas de aventuras, una original historia que prácticamente te obliga a soñar y en la que todo va más allá de los productos y la publicidad porque, en realidad, lo que importa es ella misma. No podemos decir lo mismo de Monstruos contra alienígenas, de Rob Letterman y Conrad Vernon, un espectáculo portentoso en lo visual que en los primeros momentos imcluso desconcierta de lo alucinante y vertiginosa que resulta la experiencia, sin duda genial como pasatiempo para toda la familia, pero con una gran decepción en sus contenidos. Uno esperaba algo más de una parodia de las clásicas películas de bichos gigantes e invasiones del espacio exterior, pero, una vez asimilado el nuevo impacto visual, el relato se desinfla en una historia tan esquemática y previsible que apenas mantiene el interés gracias a esporádicas chispas de un humor que se conforma con explotar lo referencial y metacinematográfico. Lo mejor de la película es ese mensaje que se da de que más vale ser un monstruito (entiéndase como sinónimo de freak) que adocenarse en una vida subyugada. Pero Dreamworks sigue sin superar a Pixar; lo siento, sr. Spielberg. De G-Force, licencia para espiar, de Hoyt Yeatman para Disney, mejor no hablar. Es otro producto tipo Monstruos contra alienígenas, con menos gracia aún que ésta, que carece de alma, de verdadera diversión, de magia... y que tal vez solo encantará a los menores de doce años. El que esto sea bueno o malo, lo dejo a la elección del lector. Así que, ¿nos encontramos ante un nuevo invento multimedia para sacarnos los cuartos a base de espectacularidad y nulas pretensiones no ya artísticas, sino simplemente expresivas y comunicativas, o ante el nacimiento de un nuevo lenguaje cinematográfico creado expresamente para el nuevo formato del 3D digital? El tiempo y las obras lo dirán. Bueno, de un plumazo he despachado varios comentarios que tenía pendientes. Sirva este artículo para demostrar que Cartoonia está al tanto de lo que se hace actualmente, que luego me dicen que si estoy anclado en el pasado y la nostalgia y tal. Pues no.

Dragon Ball: Evolution

2009-11-08T13:22:00.006Z

¡Hey, esta es la primera película de imagen real que sale comentada en este blog! Y es una pena, porque... Veréis, he tardado bastante en comentar esta película, pero es que la fotos y los trailers que pude ver lograron desvanecer bastante mi ilusión. La he visto en casa. aunque dudo mucho que las dimensiones de una pantalla grande hicieran cambiar mi opinión: esta peli es un truño. Pero, en fín, ¿qué se podía esperar de James Wong (Destino final, El único) como director y del guionista Ben Ramsey (Equipo mortal, De profesión asesino)? Pues un producto solo apto para fans de Steven Seagal o Chuck Norris. Y no es eso, tíos. Han filmado un telefilme de acción con pretensiones fantásticas y coreografías discretas que pretende ser la adaptación de una obra que introdujo con fuerza y convicción el fenómeno manga en este país; un cómic y una serie que este año que acaba ha cumplido su 25 aniversario y que, pese a sus altibajos, no se merecía tamaña cutrez. Dragon Ball: Evolution consigue que la primera adaptación no oficial y rodada en china en 1989, Dragon Ball: Comienza la magia, resulte una obra más fiel y respetuosa con el original que esta "cosa" americana. Aunque haya elementos del manga original, los personajes están totalmente descontextualizados y carentes de la personalidad con la que Akira Toriyama se hizo mundialmente famoso (¿y dónde está el humor?). Y yo me pregunto: ¿para qué compran los derechos de algo si luego lo cambian tanto que no lo reconoce ni la madre que lo parió? Este despropósito es solo fruto de las cabezas "pensantes" de la Fox, que han querido sacar partido de varias generaciones que sin duda se acercaron a las salas para ver en imagen real unos personajes que comenzaron a robarles el corazón allá por 1984. Flaco favor le han hecho a Toriyama. Y a sus fans.

Frank Oz

2009-11-08T12:04:00.003Z

He publicado un artículo muy interesante, extraído de otro blog, sobre Frank Oz. Como en él también se habla de su faceta como director de cine en imagen real, he creído más oportuno ponerlo en el FanRet, y ahí os remito.

Springfield Punx

2009-11-07T16:31:00.004Z

Springfield Punx es un blog muy en donde su autor, dibujante y diseñador, se dedica a "simpsonizar" personajes del cine, la tele, los tebeos, la música... ¡y lo hace muy bien! Hasta está el pobre Jacko, Dios lo tenga en la Gloria.

Aqui una muestra, con uno de mis cómics favoritos. La peli tampoco esta nada mal.

PES

2009-11-07T10:46:00.005Z

PES (seudónimo de Adam Pesane) es un director estadounidense de un buen montón de cortometrajes y publicidad utilizando el stop-motion. Influenciado por el mítico checo Jan Švankmajer , con esta técnica anima objetos de la vida cotidiana y a veces también seres humanos, creando sorprendentes situaciones sin olvidar el sentido del humor. Su primera obra es Roof Sex (2002) y a partir de ahí ha sido galardonado con diversos premios. http://www.eatpes.com/ web oficial. En Youtube.

Festival del Dibujo Animado

2009-11-06T15:37:00.004Z

En el blog Tonnerre de Brest (curioso nombre, pardiez), el amigo Valentín siempre me sorprende. En esta ocasión ha escaneado el álbum de cromos Festival del Dibujo Animado, álbum que yo poseía casi completo (prácticamente como está este mismo) y que, por decirlo de manera nostálgicamente poética, se perdió en la noche de los tiempos. Podéis verlo en un álbum de Flikr o en el blog mismo. como le he comentado, cuando encuentro una casualidad de estas se me pone el vello de punta.

Bobobo-bo bo-bobo

2009-10-27T16:20:00.007Z

Hacía tiempo que no veía una serie de anime que llegara al nivel de locura de Dr. Slump. Bobobo-bo bo-bobo, ya desde el título mismo, llega a ese nivel e incluso a menudo lo supera. Esta serie, creada por Yoshio Sawai y Toei Animation en 2003, que hemos podido ver en el Canal 33 de Catalunya (y en otras autonómicas, si no me equivoco), es una parodia completamente absurda de las interminables series de lucha tipo Yu Yu Hakusho o el Dragon Ball cuando se puso coñazo. Pero lo que más me ha llamado la atención, debido a mi afición al punk rock, es la sintonía del ending de la primera temporada, una divertida y acelerada canción, irresistiblemente pop y punk a partes iguales. Algo parecido me ocurrió en su momento con la serie FLCL y su música de The Pillows, aunque éstos sean más rock pop que punk: la banda sonora te sorprende porque es cañera y se sale de lo normal en estas series. Buscando el nombre del autor o autores del tema he descubierto http://www.geneworld.net/, una web dedicada a informar precisamente de los endings y openings de los dibujos japoneses, incluyendo sus letras. Aquí he descubierto que el tema se titula Shiawase y su autor es un tal Mani Iaba (¿o es un grupo?). ¡Ved el ending! En fín, que me gusta tanto que incluso me apetecería versionearla con mi grupo. Se lo comentaré, a ver... (Bueeeno, aquí tenéis también sus dos openings.)

Visions of Frank

2009-09-09T11:42:00.000+01:00

Frank es un cómic independiente de Jim Woodring. Este personaje, cuya apariencia se asemeja a los cartoons clásicos pero que protagoniza las historias más surrealistas y extrañas que te puedas imaginar, fue adaptado a la animación por diversos autores japoneses, utilizando las más diversas técnicas, en la obra Visions Of Frank. Alucinante.

o. (Introduction) Frank: Jim Woodring. 1. Frank: Taruto Fukuyama. 2. Frank: Eri Yoshimura. 3. Frank: COCOA. 4. Frank: TAMAPRO/ DROP. 5. Frank: Masaki Naito. 6. Frank: COCOA. 7. Frank: Kanako Kawaguchi. 8. Frank: Naomi Nagata.

Visto en el gran blog Esperantoapaulpot.

Rumiko Takahashi, "It´s a Rumic World"

2009-06-12T17:57:00.007+01:00

No sé si sabéis que en abril se inauguró en Japón una exposición llamada It's a Rumic World, la cual estaba dedicada a esta genial creadora de cómics tan famosos -gracias sobre todo a sus adaptaciones animadas- como Ranma 1/2, Inu Yasha o Urusey Yatsura (o Lum, la chica invasora, en sudamérica, o Lamu, en España). Se pudieron ver más de 150 dibujos originales y destacó como novedad el regreso a la animación de Inu Yasha y Ranma 1/2 (que no había tenido ninguna animación nueva en 12 años), aunque sólo en la edición de unos OVAs y no en nuevas series, como sería deseable por más de uno. La apertura del evento fue un sorprendente video donde se mezclaban personajes de las series insignes de la autora, y que aquí podéis ver en una curiosa traducción: It´s a Rumic World (Fanclub latino) Para finalizar, 34 artistas, incluyendo a Gosho Aoyama (Detective Conan), Chika Umino (Honey and Clover) y Hiromu Arakawa (Full Metal Alchemist) hicieron dibujos de sus propias versiones de la deliciosa extraterrestre Lum, los cuales también se encuentran en la exposición bajo el nombre de "My Lum". También. cómo no, se pudieron comprar rarezas y merchandising exclusivo del evento. En breve volveremos a esta autora y su divertido mundo.

¨DESTINO¨ de Dali y Disney

2009-04-26T12:22:00.001+01:00

Es un hecho muy conocido, pero tal vez aún haya alguien que ignore la colaboración entre Walt Disney y Salvador Dalí; casi casi dos mundos antagónicos. En 1945, los estudios Disney contactaron con el pintor Dalí para la realización de un cortometraje de animación surrealista basado en su obra pictórica y con la música del bolero homónimo de Armando Domínguez. En esa época Dalí estaba "haciendo las Américas" explotando todo su talento surrealista, y los USA se rindieron a sus pies. Y la poderosa Disney también.

Se trataría de un corto de seis minutos que formaría parte de una película similar a Fantasia, el más arriesgado y "experimental" film de Disney. El proyecto, del cual tan sólo se rodaron 20 segundos de prueba, no acabó de cuajar y se canceló al año siguiente, debido también a problemas presupuestarios. Sin embargo, varias décadas después, en 2003, aprovechando el material existente y los bocetos e indicaciones que había dejado Dalí, se editó finalmente el cortometraje, de unos ocho minutos de duración. Fue dirigido por Dominique Monfery y se presentó en el Festival Internacional de Annecy.

Destino se estrenó en España el 21 de mayo de 2004. El estreno fue compartido, ya que el corto se proyectó, sorprendentemente, junto a la nueva película de los hermanos Cohen, Ladykillers. Supuso la vuelta a la vida de un proyecto surgido entre Dalí y Disney hacía 57 años. Juzguen ustedes mismos. Wikipedia: en.wikipedia.org/wiki/Destino Trailers Destino (1) Destino (2) Destino (completa, pero capturada de una pantalla de cine, mala calidad)

Mazinger Z en Monster World

2009-04-25T11:40:00.006+01:00

Los amigos de Monster World han tenido a bien escanear caretas de cartón y cromos de Cropán de la serie de entrañable recuerdo Mazinger Z. ¡Echadle una ojeada, es una orden!

De Patie-Freleng

2009-04-24T10:52:00.000+01:00

Ahora que han estrenado una nueva peli de la saga de la Pantera Rosa, que no pienso ir a ver, aprovecharé para escribir sobre los De Patie-Freleng. Isadore "Fritz" Freleng (1906-1995) dirigió muchos cortometrajes para el departamento de animación de la Warner Bros. hasta el cierre de éste, en 1963. A continuación fundó con David H. De Patie (1935) la compañía De Patie-Freleng Enterprises, que, sin duda, dejó huella. Todo fue a raíz del encargo por parte de Blake Edwards de la animación de los títulos de crédito del largometraje de imagen real The Pink Panther (1964), con la interpretación del inigualable Peter Sellers en el papel del inspector Clouseau y la música de Henri Mancini. Fue tal la popularidad alcanzada del film que, viendo el potencial que podría tener esa extraña pantera de color rosa, la United Artist produjo una serie de dibujos animados titulada, obviamente, Pink Panther, de más de 150 episodios, con el denominador común de la palabra pink (rosa) en todos y cada uno de los títulos. El primero fue The Pink Phink (1964). Los episodios protagonizados por este personaje de sexualidad ambigua eran mudos y no pocas veces se basaban en situaciones absurdas y surrealistas. Después vinieros The Inspector, basado en el torpe inspector Clouseau , acompañado de su asistente Deux Deux, otra genialidad con una no menos genial sintonía de Mancini. Siguieron más personajes, que tal vez muchos recordaréis: The Ant & The Aardvark, la hormiga roja y el oso hormiguero; las Tijuana Toads, dos ranas mexicanas llamadas Toro y Pancho; The Blue Racer, la veloz serpiente azul, que en español se la llamó la Pícara Viborita; Hoot Kloot, el sheriff bajito y gordo acompañado por su caballo blanco y flacucho; y The Dogfather, el perro padrino. Los protagonistas de estos films también lo fueron de otras series que la compañía produjo, juntamente con la Mirisch Films, y que emitieron en un nuevo programa televisivo, The Pink Panther Show (1969-1978).

Walerian Borowczyk

2009-04-03T11:42:00.000+01:00

Kwilcz, Polonia, 1923-París, 2006 Este autor, llamado Boro por los franceses, país donde desarrolló prácticamente toda su carrera, es conocido -poco conocido, a decir verdad- básicamente por sus largometrajes de imagen real clasificados como "eróticos", obviándose sus magníficos cortos de animación y su único largo de este género, todos ellos producidos durante las décadas de los años 50 y 60. Algo lamentable (ese olvido) que aquí, en Cartoonia, queremos enmendar. Borowczyk (que a partir de ahora llamaremos Boro, por razones... de comodidad) fue un artista polifacético -pintor, grafista, escritor- que volcó todas estas cualidades en su carrera como cineasta. Después de acabar sus estudios en la Academia de Artes de Varsovia en 1951, obtiene el Gran Premio de Grafismo por sus carteles de cine. En esos años, en plena guerra fría, se iba consolidando en Polonia una escuela de diseño gráfico conocida por sus rompedores carteles de cine y teatro, en paralelo con la también reconocida escuela de animación de este país europeo. Sus primeras películas de finales de los años 50 son fruto de su colaboración con Jan Lenica, compañero de estudios que, al contrario de Boro, nunca abandonó el grafismo y la animación. De 1957 son Había una vez y Los sentimientos recompensados (premio León de Plata en Venecia), y en 1958 realizan La casa (Dom) (Gran Premio en la Exposición Universal de Bruselas) y Szkola (Escuela). Debido a la influencia de Lenica, Boro utiliza papeles recortados y el collage. Después Boro se instala en Francia, un gran polo de atracción para artistas y cineastas de toda Europa: otros animadores polacos como Piotr Kamler y el propio Lenica, o el húngaro Peter Foldes, también fueron "abducidos" por este país. Así, el primer corto que hace en Francia, con Chris Marker, es Les astronautes (1959) (1ª parte, 2ª parte). De 1963 es L'Encyclopedie de grand-maman, en donde utiliza cromos infantiles del siglo XIX, páginas de viejas enciclopedias y antiguas imágenes olvidadas. Ese mismo año también realiza una de sus películas más peculiares, Reinassance, una joya protagonizada por viejos objetos tales como muñecas y muñecos, relojes rotos, animales disecados o muebles carcomidos. Sin duda éste y otros cortos influyeron mucho, entre otros, al checo Jan Svankmajer, otro gran artista bastante más conocido que Boro, o a los hermanos Quaid.

Después, en Les jeux des anges (1964) (1ª parte, 2ª parte) podemos encontrar ecos de la ocupación nazi de Polonia, con ese sonido de un tren, de los trenes que llevaban a los campos de concentración; el componente político está ahí, soterrado: "No se puede ser apolítico", diría Boro, aunque añadiría: "Es absurdo pensar que al salir de la fábrica [los obreros] tienen todavía ganas de discutir sobre el trabajo, y de ver y valorar films sobre obreros. Sé que a ellos les gustan mis films porque los transportan a un mundo diferente, incluso si no comprenden inmediatamente el lenguaje. Del resto del público, la gente cultivada tampoco lo comprende". La filmografía de animación se concluye con el corto Diptyque (1967) y con su único largo animado, Le théâtre de M. et Mme. Kabal (aquí los primeros 10 minutos), realizado entre 1962 y 1967 (en 1968 participó en el Certamen de Bilbao), y que se trataba de una apuesta cuanto menos arriesgada, al tratarse de todo un largometraje, esta vez en dibujo animado "tradicional", con una temática específicamente adulta: la historia entre burlesca y poética de una pareja de la cual no se sabe si les une más el amor o el odio homicida, interpretada por unos inquietantes personajes de cortantes líneas geométricas.

El personal mundo de animación de Boro, lleno de atmósferas surrealistas, toques de humor negro y poesía, utilizando las más variadas técnicas, llega a su fin, tal vez debido a motivos económicos, y a partir de 1968 se dedica a los largometrajes de imagen real, realizando Goto, la isla del amor y Blanche, un cuento medieval inspirado en Shakespeare; ambas películas interpretadas por Licia Branice, su esposa. Pero será más conocido en los 70 y 80 debido a sus películas claramente eróticas, con las cuales se trabajó una fama de "escandaloso", a pesar de que siempre procuró evitar la grosería y vulgaridad que tantas veces van unidas a este género. Como Cartoonia es un blog de animación, no entraremos en detalle a hablar de esa nueva etapa, pero para el interesado mencionaremos sucintamente las películas que hizo: Cuentos inmorales (1974), con Paloma Picasso en el papel de la perversa condesa Bathory; La Bestia (1974); La historia de un pecado (1975); Le Marge (1976); Interior de un convento (1977), sadomasoquismo y religión, interpretada también por su esposa, morbo asegurado; Tres mujeres inmorales (1979); Emmanuelle 5 (1987), perteneciente a la famosa saga; y Ceremonia de amor (1988).

También realizó unos films de carácter documental: Une collection particulière (1973), Escargot de Venus (1975), L’amour monstre de tous les temps (1977)... ¡Ah, pero en 1984, sorpresivamente, Boro volvería a la animación con un magnífico corto, Scherzo Infernal! En Animation World Network le han dedicado un sitio, en el que podemos ver un listado de toda su filmografía y, lo más interesante, una galería de fotos y dibujos de sus películas.

Vakitasworld (o José Mª Cruz)

2009-03-30T20:24:00.000+01:00

José M. Cruz es un amigo director de animacion 3D. Reside, al igual que yo, en Palma de Mallorca y a veces en sus películas aparecen decorados de esta ciudad, al igual que actores que existen realmente. El año pasado estrenó El Mono, y sigue con su labor sorprendente y transgresora. Atención: estas animaciones no son para niños, precisamente. Podéis ir viendo su obra en Youtube.

Phil Mulloy

2009-03-01T12:32:00.004Z

El amigo de Esperantoapaulpot me ha recordado a este cañero autor que conocí hace años a través del programa de TVE Metrópolis; ahí pude ver -y me grabé en vídeo- fragmentos de su serie de los Cowboys y, por lo visto, el hombre ha seguido haciendo cosas, como una personal revisión de la película de D. W. Griffith Intolerance. Me sorprende que no haya nada suyo en Youtube, pero os recomiendo de echéis un vistazo a su web: Phil Mulloy.com. Y también a la galería de Animation World Network.

Anuncio de los Picapiedra fumando

2009-02-14T17:33:00.000Z

Flintstones Winston Cigarettes Commercial (Rare) Es de 1950, y hoy en día sería total y políticamente incorrecto.

Tex Avery

2009-02-04T17:55:00.002Z

Fred Avery Taylor. Director. Texas, 1908-Burbank, California, 1980.

El nuevo rey indiscutible del nonsense post-Fleischer inició su carrera en 1930 colaborando en la serie Oswald the Rabbit (cuando estaba en manos de Walter Lantz). En 1935 pasa a la Warner Bros. y como director coordina a un grupo de jóvenes dibujantes con los que renueva las exitosas series Merrie Melodies y, especialmente, Looney Tunes, introduciendo motivos inéditos y llenos de provocación. Sus toones, como Porky, Lucas (Daffy Duck) y Bugs Bunny, son anárquicos, surrealistas y violentos, hasta el punto de que le provocaron algún tropiezo con la censura.

En 1941 se traslada a la MGM, donde alcanza el apogeo de su creatividad dando vida a la ardilla Screwy Squirrel, el lobo Wolf, los osos George y Junior o al flemático perro Droopy y su eterno enemigo Spike. También hay que destacar a una despampanante cantante-bailarina pelirroja que aparece en sus cortos más sexys, influencia directa en el personaje Jessica Rabbit de la película de Zemeckis Quién engañó a Roger Rabbit. Después Avery trabaja para la Paramount y la Universal, aquí de nuevo con Walter Lantz, para el que dirige algún episodio del pingüino Chilly Willy y uno muy bueno titulado Sh-h-h-h-h-h: en sus realizaciones también abundan los cortos como éste, en los que no aparecen personajes fijos sino que se centran en determinadas temáticas.

Artista genial, un maestro, se le considera el fundador de la escuela que es punto de referencia de nuevos dibujantes que se harían famosos y reconocidos, como Chuck Jones, Bob Clampett y Robert McKimson. En su extensa carrera Tex Avery realiza 130 cortometrajes, caracterizados por un estilo excesivo y acumulativo, sin dar descanso al espectador y sin preocuparse de la lógica. Un gag sucede inmediatamente a otro , los personajes se rompen, se vuelven a montar y se deforman hasta lo inverosímil en unas tramas caricaturescas y, a veces, completamente disparatadas. No falta una buena dosis de exagerada violencia y explícitas alusiones al sexo, además de parodias de todo lo parodiable , incluído el cine y la propia animación: juega con los resortes del cartoon y utiliza el metalenguaje, dándonos a entender que lo que estamos viendo no es real, que tan sólo son dibujos animados. Otro de sus rasgos más loables es no haber caído nunca en la cursilería; más bien al contrario: se dedicó a "combatirla" sarcásticamente, rompiendo así con las convenciones edulcoradas que podíamos ver en otras producciones (¿hace falta nombrar Disney?).

A lo largo de su trayectoria algunos gags fueron recurrentes y se han convertido en clásicos, siendo imitados luego, y no sólo en el campo de la animación. En los 80 se realizó una serie de televisión titulada The Wacky World of Tex Avery que, por lo que he podido ver, no está mal pero es un pálido reflejo de la genialidad del original. Otra serie un tanto inspirada en su obra sería Ren & Stimpy, y tampoco podemos olvidarnos de los homenajes que hallamos en La Máscara, de Jim Carrey, y el genio de Aladdin, de Disney, que es puro Avery y lo mejor de la película. Podemos decir, sin temor a equivocarnos, que existe un antes y un después de Tex Avery en el mundo de la animación cómica.

Más en la Wikipedia y en http://www.texavery.com/, centrado en la etapa de Avery en MGM, donde podemos ver screenshots (o sea, fotogramas) de sus películas, obtener unos estupendos wallpapers e incluso sounds, oír algunas frases de los personajes.

Filmografía La gran mayoría de los cortos están subidos en Youtube (los de la Metro están todos). Tan sólo tenéis que escribir en el buscador el título y... bueno, pero ¡¿qué estoy explicando?! Vosotros mismos... Warner Bros. Golddiggers of '49 (1936) The Blow Out (1936) Plane Dippy (1936) I'd Love to Take Orders from You (1936) Miss Glory (1936) I Love to Singa (1936) Porky the Rain Maker (1936) The Village Smithy (1936) Milk and Honey (1936) Don't Look Now (1936) Porky the Wrestler (1937) Picador Porky (1937) I Only Have Eyes for You (1937) Porky's Duck Hunt (1937) Uncle Tom's Bungalow (1937) Ain't We Got Fun (1937) Daffy Duck and Egghead (1937) Egghead Rides Again (1937) A Sunbonnet Blue (1937) Porky's Garden (1937) I Wanna Be a Sailor (1937) The Sneezing Weasel (1937) Little Red Walking Hood (1937) The Penguin Parade (1938) The Isle of Pingo Pongo (1938) A Feud There Was (1938) Johnny Smith and Poker-Huntas (1938) Daffy Duck in Hollywood (1938) Cinderella Meets Fella (1938) Hamateur Night (1938) The Mice Will Play (1938) A Day at the Zoo (1939) Thugs with Dirty Mugs (1939) Believe It or Else (1939) Dangerous Dan McFoo (1939) Detouring America (1939) Land of the Midnight Fun (1939) Fresh Fish (1939) Screwball Football (1939) The Early Worm Gets the Bird (1939) Cross Country Detours (1940) The Bear's Tale (1940) A Gander at Mother Goose (1940) Circus Today (1940) A Wild Hare (1940) Ceiling Hero (1940) Wacky Wild Life (1940) Of Fox and Hounds (1940) Holiday Highlights (1940) The Crackpot Quail (1941) Haunted Mouse (1941) Tortoise Beats Hare (1941) Hollywood Steps Out (1941) Porky's Preview (1941) The Heckling Hare (1941) Aviation Vacation (1941) All This and Rabbit Stew (1941) The Bug Parade (1941) The Cagey Canary (1941) Aloha Hooey (1942) Crazy Cruise (1942) Paramount Speaking of Animals Down on the Farm (1941) Speaking of Animals Down in a Pet Shop (1941) Speaking of Animals Down in the Zoo (1941) MGM Blitz Wolf (1942) The Early Bird Dood It! (1942) Dumb-Hounded (1943) Red Hot Riding Hood (1943) Who Killed Who? (1943) One Ham's Family (1943) What's Buzzin' Buzzard? (1943) Screwball Squirrel (1944) Batty Baseball (1944) Happy-Go-Nutty (1944) Big Heel-Watha (1944) The Screwy Truant (1945) The Shooting of Dan McGoo (1945) Jerky Turkey (1945) Swing Shift Cinderella (1945) Wild and Woolfy (1945) Lonesome Lenny (1946) The Hick Chick (1946) Northwest Hounded Police (1946) Henpecked Hoboes (1946) Hound Hunters (1947) Red Hot Rangers (1947) Uncle Tom's Cabana (1947) Slap Happy Lion (1947) King-Size Canary (1947) What Price Fleadom (1948) Little 'Tinker (1948) Half-Pint Pygmy (1948) Lucky Ducky (1948) The Cat that Hated People (1948) Bad Luck Blackie (1949) Señor Droopy (1949) The House of Tomorrow (1949) Doggone Tired (1949) Wags to Riches (1949) Little Rural Riding Hood (1949) Out-Foxed (1949) The Counterfeit Cat (1949) Ventriloquist Cat (1950) The Cuckoo Clock (1950) Garden Gopher (1950) The Chump Champ (1950) The Peachy Cobbler (1950) Cock-a-Doodle Dog (1951) Daredevil Droopy (1951) Droopy's Good Deed (1951) Symphony in Slang (1951) Car of Tomorrow (1951) Droopy's Double Trouble (1951) Magical Maestro (1952) One Cab's Family (1952) Rock-a-Bye Bear (1952) Little Johnny Jet (1953) T.V. of Tomorrow (1953) The Three Little Pups (1953) Drag-a-Long Droopy (1954) Billy Boy (1954) Homesteader Droopy (1954) The Farm of Tomorrow (1954) The Flea Circus (1954) Dixieland Droopy (1954) Field and Scream (1955) The First Bad Man (1955) Deputy Droopy (1955) Cellbound (1955) Millionaire Droopy (1956) Cat's Meow (1957) Walter Lantz Sh-h-h-h-h-h (1955) The Legend of Rockabye Point (1955) I'm Cold (1954) Crazy Mixed Up Pup (1954) Tex Avery: Documental de John Needham realizado en 1988.

Duck Dodgers

2009-01-27T17:34:00.010Z

Que no es otro más que el pato Lucas (Daffy Duck) en una parodia de Buck Rogers y la ciencia ficción, que tan en boga estaba en los años 50, por obra y gracia de Chuck Jones y el corto Duck Dodgers in the 24 1/2th Century (Pato Ranger en el siglo 24 y medio). Aparece junto a Porky porque ambos formaban una pareja perfecta, de fuertes contrastes, y hay que recordar que siempre se le buscaron buenos partenaires a Porky cuando éste ya era una estrella; encontraron que Lucas era el contrapunto ideal, pero tanto que acabó por "quitarle protagonismo" a Porky. También aparece Marvin el marciano, un personaje que se prodigó poco pero que, en palabras del historiador Jerry Beck, "al igual que el Demonio de Tasmania y la Rana Saltarina, causaron tal impacto que hoy son más famosos que en la época en que se crearon". Marvin es un personaje de culto, al igual que todo el corto, con maravillosos diseños de Maurice Noble. Duck Dodgers ... era el corto favorito de George Lucas, hasta el punto de que en los años 70 lo proyectó como complemento de Star Wars en la ciudad de San Francisco, cuando su película hacía meses que se había estrenado y era ya un éxito. El éxito acompañó también al corto y eso hizo que la Warner le encargara de nuevo a Chuck Jones una segunda parte, Duck Dodgers and the Return of the 24 1/2th century. Aquí tenéis la primera, una joya. Siempre me ha encantado el final y el mensaje que, a mi parecer, lleva implícito: es tal la lucha entre Lucas y Marvin que, finalmente, se quedan sin el planeta X; se lo han cargado, literalmente.

El Gigante Verde

2009-01-23T17:42:00.002Z

Como ellos mismos dicen, un anuncio guapísimo. Visto en Puppets and Clay.

Hermanos Encinas

2009-01-23T17:26:00.003Z

Os quiero recomendar los blogs de unos amigos de éste, los Hermanos Encinas. Son unos amantes del cómic y el cine stop motion y, además de hablar de diversas obras en Puppets and Clay, realizan sus propias producciones: hechad un vistazo a ENCINARTE y a Dog Park. ¡Un saludo, compañeros!

Chuck Jones

2009-01-14T10:37:00.003Z

Animador y director. Spokane, Washington, 1912-Corona del mar, California, 2002. Chuck Jones se dedicó esporádicamente al dibujo animado, colaborando con Ub Iwerks y Disney. En 1936 trabaja en el estudio de Leon Schlesinger, que luego pasaría a ser propiedad de la Warner Bros., sociedad en la que permanece durante treinta años, entre los cuales colabora también con la UPA. Dirige además el departamento de animación de la MGM, realizando varios episodios de Tom & Jerry. Jones es dibujante, animador, creador de gags geniales, guionista y director, colaborando con los mayores talentos de la época: Tex Avery, Fritz Freleng, Bob Clampett, Frank Tashlin... Jones contribuye de ese modo al desarrollo de personajes como Bugs Bunny, Lucas (Daffy Duck), Piolín (Tweety) y Silvestre (Sylvester), y es el creador del Coyote (Wile E. Coyote) y el Correcaminos (Road Runner). Por tanto, sus películas de la Warner son de las más conocidas por el público en general. Hagamos un repaso a sus principales aportaciones a los cartoons Warner, las primeras apariciones de algunos personajes: Bugs Bunny hizo una explosiva pareja con Elmer Fudd (Gruñón) , que apareció por primera vez en Elmer's Candid Camera (1940), capítulo dirigido por Jones. Ya había dirigido y siguió dirigiendo por primera vez muchos otros personajes relevantes como Sniffles, en Naughty But Mice (1939); Inki, en The Little Lion Hunter (1939); Henery Hawk, en The Skwakin´Hawk (1942); Los Treo Osos, en Bugs Bunny and the Three Bears (1944); la mofeta francesa Pepé Le Pew, en Odor-able Kitty (1945); el marciano Marvin, en Haredevil Hare (1948); Wile E. Coyote y El Correcaminos, en Fast and Furry-ous (1949), que hizo famosa la ficticia Marca ACME (siglas con el genial significado de A Company That Makes Everything); y Ralph Wolf y Sam Sheepdog, en Don´t Give Up the Sheep (1953). Chick Jones es autor de más de cien cortos, en los cuales podemos encontrar su visión satírica e inconformista. Los rasgos que constituyen su marca son los colores planos, contrastes intensos, un trazo agudo y característico, ritmo rápido y una retahila de gags, a menudo al límite de lo surrealista. A mi modo de ver fue el mejor discípulo de Tex avery, acercándose a éste bastante. Algunas de sus obras maestras para Warner, aparte de las mencionadas, son Rabbit Fire (con la clásica discusión "temporada de patos-temporada de conejos"), Long Haired Hare, Water, Water Every Hare, Rabbit of Seville, Duck Amuck (el corto más surrealista de Lucas), Drip along Daffy, Deduce, you say (estos dos en Youtube están en español)... y podríamos seguir ad infinitum, sin olvidarnos de su más memorable parodia: Duck Dodgers. Pero ésta merece ser tratada aparte.

En 1944, y para UPA, dirigió una curiosidad: Hell-Bend For Election, una película propagandística en apoyo a los demócratas de Franklin D. Roosevelt. En Youtube la tenéis en dos partes: 1ª parte - 2ª parte. En Wikidiapedia podéis leer su biografía más extensamente y encontraréis enlaces de interés.

Peace On Earth, de Hugh Harman

2008-12-30T16:07:00.009Z

Peace On Earth (aunque la foto es en b/n, el corto es a color) Puede parecer un cartoon navideño cursi más, pero este corto de la MGM dirigido por Hugh Harman en 1939 (y el único dibujo animado nominado al Premio Nobel de la Paz) es un terrorífico y sentido alegato antibelicista: el ser humano ha desaparecido de la faz de la Tierra debido a las guerras, y su lugar ha sido ocupado por los animales. Tal vez sería lo mejor... Feliz año nuevo a todo el mundo, de todas formas.

Especial Halloween

2008-10-29T17:07:00.005Z

Minnie the Moocher (1932) The Skeleton Dance (1929) Wot A Night" (1931) Magic Mummy (1933) Woos Whoopee (1930) Skeleton Frolic (1937) The Haunted Ship (1930) Gypped in Egypt (1930)

Osamu Tezuka

2008-10-11T17:44:00.007+01:00

Dibujante, animador y director. Toyonaka, Japón, 1928-Honshu, Japón, 1989) En Japón lo llaman el Dios del Manga, y no es una afirmación gratuíta. Tezuka es el genial creador del manga (cómic japonés) moderno, tal y como lo conocemos hoy; los rasgos más distintivos (ojos grandes, planificación y composición de página muy cinematográfica, relatos de cientos, incluso miles de páginas) se deben a él. Este auténtico revolucionario derramó su enorme talento en una extensa producción de cómics, muchos de los cuales se llevaron a la pantalla. Dada la temática de este blog, obviaremos su trabajo en las viñetas y nos centraremos en lo estrictamente fílmico, en donde fue, como veremos, también pionero en muchos aspectos. A Tezuka se le ha considerado el Walt Disney japonés; aunque las comparaciones son odiosas, sí es cierto que las producciones disney le influyeron en el aspecto formal al iniciar su carrera, pero tanto la ideología (progresista, ecologista, antibelicista y demoledora en su crítica) como como el amplio espectro al que iba dirigido su trabajo eran muy diferentes. Se movió entre la animación comercial y las propuestas más arriesgadas y experimentales con una facilidad y naturalidad pasmosas. Con tan solo 18 años ya publicó su primer cómic y, a pesar de haber obtenido un doctorado, Tezuka prefirió dedicarse al dibujo y el anime (animación japonesa) en lugar de la Medicina. Algo comprensible sobre todo si pensamos que sus siguientes obras editadas se convirtieron inmediatamente en grandes éxitos populares, con unas ventas inauditas para la época, asentando así su carrera como autor completo de manga. Llega al anime, pues, al colaborar en 1959 en una película que adapta un manga suyo, Diario del Oeste. En 1961 tiene la intención de crear una industria de animación fuerte y funda la Mushi Productions, con la que realiza en ese año Robin y los dos mosqueteros y medio y el largometraje para el cine Las trece pruebas de Hércules. De 1962 son sus dos primeras obras estrictamente para adultos (toda una innovación): Macho (Oshu/Male) (3 min.), en donde, haciendo un uso del todo original del Cinemascope, se comparan las relaciones de pareja de un gato y su amo, con un muy actual comentario acerca de la violencia de género; y el mediometraje Historias de una calle (Arumachkado no monogatari) (39 min.) [Download], sin diálogos y con mensaje antibelicista, que obtiene una faborable acogida en Europa. Esta última película está protagonizada sobre todo por los carteles publicitarios de una calle y, aunque es muy diferente en su planteamiento, recuerda algunos cortos clásicos americanos como, por ejemplo, Bilboard Frolics (1935), de Fritz Freleng.

Macho Historias de una esquina... Cartel del 63 para el mercado USA En 1963 adapta para la tv su célebre personaje Tetsuwan Atom (Astroboy), que resulta un éxito y se puede considerar la primera serie anime, dirigida en principio a un público infantil-juvenil. Pero, mientras tanto, no se olvida del público adulto. De 1964 son destacables los brillantes cortos Recuerdos (Memory) (6 min.), en torno a, eso, los recuerdos y cómo éstos nos afectan; y Sirena (Ningyo/Mermaid) (9 min.), con alguna escena basada en la teoría de Pavlov y que, salvando las distancias, a mí me recuerda a La Naranja Mecánica de Kubrik.

Recuerdos

Sirena De 1965 es el corto La gota (Shiziku/Drop) (4 min.). A pesar de que sus cortos gozaban del color, la serie de Astroboy era en blanco y negro. Pero ese mismo año Tezuka vuelve a ser pionero al realizar la primera serie a color, Kimba, el león blanco, que también disfrutaría de un largometraje (y que sirvió de "bastante inspiración" para la Disney y su El Rey León, dicho sea de paso). Comparativa que circula en internet entre Kimba y El Rey León Kimba En 1966 el mediometraje Cuadros de una exposición (Tenrakai no e) (33 min.), con la música de Mussorgsky que inspira el título, nos ofrece una crítica visión sobre el concepto moderno que tenemos del héroe, con un magnífico despliegue de diferentes estilos gráficos. En 1967 se adapta para la tv la serie La Princesa Caballero (Ribbon no Kinshi), el primer manga que se puede considerar shojo (es decir, destinado más bien a las chicas). Como podemos ver, Tezuka sigue creando escuela. Esta serie también tendría su correspondiente largometraje. Por esas fechas también realiza Asombroso 3 (W3/ The Amazing 3) [Amazing 3-Amazing 3 open/close clip] y los largos para adultos Las mil y una noches [clip], Belladonna y Cleopatra [trailers de Belladonna y Cleopatra]. La Princesa Caballero Cleopatra Amazing 3 En 1968 la Mushi es sustituída por Tezuka Productions, y ese mismo año se realiza el divertido e irónico corto El Génesis (Souseiki/Genesis) (4 min.) [clip], una parodia del Génesis bíblico. En 1971 crea Los Bon Bon mágicos de Lilly, y en 1978 el primer especial de animación para la tv japonesa, de 2 horas de duración, El libro del bandido (Bander Book) [parte 1-parte 2-parte 3. Aviso: está en japonés y "mutilada", lo cual hace prácticamente su total comprensión. Como curiosidad aparecen algunos personajes de Tezuka como "secundarios" e incluso el propio autor caricaturizado en un cortísimo plano]. Por esas fechas se realiza la adaptación en largometraje de la divertida parodia Don Dracula [opening-ending. En brasileño: Don Dracula: O Caçador Chegou 1ª Parte-2ª Parte-3ª Parte]. Pero el acontecimiento será la nueva serie de 1980 de Astroboy. Son otros tiempos y el nuevo Astroboy es a color y, a pesar de eliminar los toques de nonsense de la serie clásica, esta nueva no es en absoluto desdeñable. [Aquí, en Youtube, podéis ver sus seis primeros episodios traducidos al inglés, más los dos primeros originales en japonés -con subtítulos en inglés, menos mal- que fueron censurados para el mercado USA, supongo que debido a que un personaje, Atlas, mata a otro. Y otro usuario ha subido dos episodios con la historia The Greatest Robot in the World]. ¿Hace falta presentación? De 1980 es la película El niño del espacio, también conocida como 2772, la zona cósmica del amor (Hi no Tori 2772) [fragmento]. Pero Tezuka no para y, a la vez que se emite la nueva serie de Astroboy, en 1981 supervisa para Sanrio Films la película Unico, protagonizada por un pequeño unicornio, a la que seguirá Unico en la isla de la magia. Pero también sigue realizando sorprendentes cortos de temática adulta: en 1984, Saltando (Jumping) (6 min.) [Download], una original realización en planos subjetivos, con un guiño-saludo a ASIFA -una organización de Hollywood dedicada al estudio y preservación del cartoon, y cuyo blog podéis encontrar en los enlaces de éste-, que recibió el Gran Premio en el Festival de Animación de Zagreb; en 1985, Una película estropeada (Onoboro Film/Broken Down Film) (6 min.) [Download], un bello homenaje a su admirado cine clásico animado, en donde los supuestos desperfectos de la cinta dan pie a unos poéticos gags, que obtuvo el Gran Premio en el Primer Festival Internacional de Animación de Hiroshima. Saltando Película estropeada De 1987 son Pulsar (Push) (4 min.), una agria sátira de un mundo mecanizado en donde todo se consigue pulsando un botón... todo menos un nuevo mundo; y Muramasa (9 min.), una extraña historia de estilo realista que evoca las leyendas de miedo del antiguo Japón. También ese año se realiza La leyenda del bosque (Mori no dendetsu) (30 min.), mediometraje premiado en el Festival Internacional de Zagreb, con sorprendentes cambios estilísticos y un claro homenaje a la evolución gráfica de las películas de Disney (podemos ver a las flores y árboles humanizados que aparecen en Flowers and Trees, la primera Silly Symphony de Disney a color), aunque con un mensaje duro, sin concesiones y fuertemente ecologista. Finalizaremos este -incompleto, ya lo sé- recorrido por la obra de Tezuka con el fugaz corto creado en 1988, Autorretrato (Jigazou/Self-portrait) (13 seg.). Al año siguiente deja este mundo víctima del cáncer. Deja un legado de auténticas obras maestras sin parangón y dirigidas a una amplia variedad de públicos. Tras su muerte, la obra de Tezuka sigue siendo válida. Se ha seguido adaptando la serie de Astroboy a los tiempos (el año 2003, por ejemplo) y se realizan largos de su obra, como Blackjack, Fenix, Buda o Metrópolis [aquí puedes ver esta magnífica película dirigida por Rintaro y con guión de Katsuhiro Otomo, en 14 partes y con subtítulos en castellano]. Web: Tezuka Osamu World Artículo sobre Cuadros de una exposición en la revista http://www.trendesombras.com/ Más info en la Wikipedia. Una curiosidad muy bizarra es Fuhrer ZZZ, adaptación de una historia del manga a imagen real. Podemos encontrar editado en España un DVD con todos los cortos mencionados en el artículo.

Hi No Tori 2772, de Osamu Tezuka

2008-10-10T18:02:00.003+01:00

Año: 1980 Duración: 115 min. Pais: Japón Director: OSAMU TEZUKA y TAKU SUGIYAMA Sinopsis: La Tierra ha sido unificada bajo la supervisión de la élite de los Mayores. La natalidad está controlada y los niños nacen de probetas, criados y educados por robots para ajustarse a los trabajos para los que han sido concebidos. Como Godoh, un joven que ha sido criado por su robot Olga, destinado a convertirse en piloto de combate y ser enviado a los confines del espacio para explorar y defender la Tierra de sus enemigos, adquiriendo las más avanzadas técnicas de lucha.Debido a los pequeños terremotos creados por el hombre para aprovechar la energía térmica de la Tierra un cataclismo podría ocurrir. Por ello, un joven y enloquecido ministro llamado Rock Schlok envía a Godoh al espacio a la caza de un monstruoso pájaro de fuego llamado Cosmozon 2772. Tendrá que capturarlo vivo ya que la intención de Schlok es beber su sangre al conceder ésta la vida eterna a quien la pruebe… Formato: avi Codecs: XviD/Mp3 Idioma: Español Calidad: DVDScreener Tamaño total: 701Mb partida en 8 partes con WINRAR 3.61

Don Drácula, de Osamu Tezuka

2008-10-10T17:56:00.003+01:00

Título original: Don Dracula Título kanji: 手塚治虫のドン・ドラキュラ Serie TV (1982) Director: Masamune Ochiai Estudio : Tezuka Productions DVD Español Resolución: 640x480 Codec video: XVID Codec audio: MP3 Idiomas: Español - Japones Subtítulos Distribución: MGPremium enlaces 100MB cortados con hjsplit Sinopsis: Drácula está en Japón viviendo con su hija Chocola y el criado Igor. El profesor Van Helsing llega al pais para destruirlo. Serie de animación de 8 episodios para la televisión. De Tezuka Productions y realizado en el estudio de animación Jin Productions fue una adaptación del manga del mismo titulo creado por Osamu Tezuka. La serie fue dirigida por Masamune Ochiai, bajo guión de Takao Koyama. La animación corrió a cargo de Masayuki Uchiyama. La musica de Masayuki Tezuka. Don Drácula es un compendio de absurdos y humor made in Japan. El profesor Helsing padece de hernia y cada vez que se pone nervioso necesita ir al retrete o lo que encuentre, para vaciarse. Y esto ocurre normalmente cuando está en presencia de un vampiro. La hija de Drácula, Chocola, estudia en un colegio por las tardes, ya que la luz de la mañana la destruiria. Hay otros personajes, como el inspector Murai de gatillo fácil, o Blonda, una obesa mujer que desea ardientemente que Drácula le clave sus colmillos y le chupe la sangre, para desconsuelo de éste. Enlaces: Don Dracula 01: http://www.megaupload.com/?d=NL9Z0Q7O http://www.megaupload.com/?d=Q186JN58 http://www.megaupload.com/?d=W9A3YXYE http://www.megaupload.com/?d=UBCGOZ9A Don Dracula 02: http://www.megaupload.com/?d=CA3VEC9K http://www.megaupload.com/?d=AW6OC08W http://www.megaupload.com/?d=MH6DT7PH http://www.megaupload.com/?d=BP0ZQQBE Don Dracula 03: http://www.megaupload.com/?d=OBALTO7B http://www.megaupload.com/?d=P8EK5FUE http://www.megaupload.com/?d=JSMYRIUI http://www.megaupload.com/?d=1UJMO8GL Don Dracula 04: http://www.megaupload.com/?d=1U0FBBJ1 http://www.megaupload.com/?d=VUM5JVHH http://www.megaupload.com/?d=I0YS6X35 http://www.megaupload.com/?d=TPZJRQ9U Don Dracula 05: http://www.megaupload.com/?d=NB5H6PWR http://www.megaupload.com/?d=JVJJRFKF http://www.megaupload.com/?d=DPVX2XF8 http://www.megaupload.com/?d=B06S2V6P Don Dracula 06: http://www.megaupload.com/?d=Y8IS0EMI http://www.megaupload.com/?d=8F99J4BY http://www.megaupload.com/?d=5D78F7NP http://www.megaupload.com/?d=K27E0XT4 Don Dracula 07: http://www.megaupload.com/?d=EWXID2EU http://www.megaupload.com/?d=N2K42JCS http://www.megaupload.com/?d=1T8PGIRK http://www.megaupload.com/?d=358UU09V Don Dracula 08: http://www.megaupload.com/?d=E7HHA0S0 http://www.megaupload.com/?d=U01Z63NC http://www.megaupload.com/?d=CVTQP5EC http://www.megaupload.com/?d=GQHMCXO4 Don Dracula Subtitulos: http://www.megaupload.com/?d=KU44UNZW

Rintaro

2008-10-09T15:16:00.000+01:00

Director.
Tokio, 1940.

Uno de los pioneros del anime (animación japonesa). Inicia su larga carrera con los cómics. Con tan sólo 17 años colabora en la realización de La serpiente blanca (Taiji Yabushita, 1950), el primer largometraje animado que se produjo en Japón. En los años 60 y 70 trabaja en el estudio del genio Osamu Tezuka, colaborando en la primera serie animada de la tele nipona, Astroboy (1963), a la que siguen Kimba, el león blanco (1965) y, sobre todo, Capitán Harlock (1978), adaptación del cómic de Leiji Matsumoto. Posteriormente es el director de películas como Galaxy Express 999 (1979) o Metropolis (2001), basada en el cómic de Tezuka y con guión del gran Katsuhiro Otomo, que lo consagra entre los autores más importantes.

Junto a Tezuka revoluciona el sistema de producción de series animadas para televisión, con una operación análoga a la que llevó a cabo en EEUU la productora Hanna-Barbera. La necesidad de simplificar y reducir la cantidad de dibujos para producir un episodio semanal no compromete, sin embargo, el nivel de calidad de sus obras. Su estilo mezcla una diversidad de referencias culturales, que abarcan desde la tradición japonesa hasta el cine europeo y norteamericano (en particular el western y el cine negro). Su personaje más conseguido es el Capitán Harlock, un Robin Hood del espacio siempre dispuesto a luchar contra los abusos del poder, pero también contra la degradación del medio ambiente.

El primer corto de Hanna-Barbera: "To Spring" (1936)

2008-10-08T11:29:00.000+01:00

To Spring, de la serie Happy Harmonies, es el primer dibujo animado dirigido por Hanna-Barbera el 20-06-1936. Fue realizado en color pero, como solía pasar a menudo, debido a ciertas imposibilidades técnicas de la época, fue reproducido durante años en blanco y negro. Os lo podéis descargar pulsando aquí: [+]

Los "otros" Tom y Jerry

2008-10-03T11:00:00.001+01:00

Si yo digo "Tom y Jerry", al momento vendrá a tu mente la entrañable imagen del gato Tom y el ratón Jerry, los protagonistas de multitud de cortos de la Metro Goldwind Mayer (y creación de Hanna-Barbera, no lo olvidemos). Pero una década antes (!) ya existieron otros personajes que ostentaban esos nombres. Eran los años 30 cuando Amadeé J. Van Beuren produjo unos personajes creados por George Rufle (1901-1974) y Vernon Stallings (1891-1963): Tom & Jerry.
En un principio debían ser dos ratones, pero para evitarse problemas con cierto ratón de la Disney se decidió que fueran humanos -mas o menos-. Aunque en un principio eran un gato alto y delgado y un perro bajo y rechoncho que debutaron en la serie Aesop´s Fables. No eran dos enemigos acérrimos, como sus aún no nacidos tocayos, sino dos compañeros que vivían inverosímiles aventuras en un entorno surrealista (el surrealismo extremo y lo absurdo eran la pauta común de los dibujos animados del momento). Esas animaciones eran algo toscas, aún para su época, pero el estilo de dibujo -aunque similar al de las demás compañías- era de una sencillez muy atractiva y de lo más divertido.
Y no me enrrollo más, aquí tenéis estos incunables. ¡Disfrútalos!

Pencil Mania (1932) MPEG1
Fireman's Life, A (1933) MPEG1
Plane Dumb (1932) MPEG1
Pots and Pans (1932) MPEG1
Swiss Trick (1931) MPEG1
Piano Tooners (1932) MPEG1
Spanish Twist, A (1932) MPEG1
In The Bag (1932) MPEG1

Si quieres saber más de estos personajes, visita http://www.cartoonresearch.com/tomjerry/index.html

The Pillows

2008-09-23T18:32:00.008+01:00

Banda de rock japonesa. Realizaron la bso de la serie anime FLCL (Fooly Cooly). Os ofrecemos unos fanvídeos con las imágenes de la serie y otro que no tiene nada que ver con ésta, pero es de animación y muy bueno. Advice Advice (extraña versión techno) Advice (brutal instrumental) Ride On Shooting Star (Vídeo oficial. No es de animación, pero el tema es el ending de FLCL.) Hybrid Rainbow Funny Bunny Go! Go! Jupiter (Vídeo oficial. No es de la serie.)

Otto Mesmer, Pat Sullivan y el gato Félix

2008-09-20T03:02:00.000+01:00

Otto Messmer. Director y animador.

Union City, Nueva Jersey, 1892-Fort Lee, Nueva Jersey, 1983.

Pat Sullivan. Productor.

Sidney, Australia, 1887-Nueva York, 1933

Felix the Cat, El gato Félix. El gato feliz, la gran creación de Otto Mesmer para la prensa. Su imagen inicial estaba un poco basada en el personaje también de cómic Krazy Kat, del gran George Herriman (1880-1983).

El hábil productor y dibujante de origen italiano Pat Sullivan adquirió los derechos del argumento, permitiéndo que Félix se hiciera célebre en poco tiempo, llegando a ganarse la simpatía de intelectuales de la época como James Joyce. Con Félix, antes incluso que con la productora Disney, nace el merchandising, y los objetos sobre el gato animado llegan también a Europa. En 1922 el gato es la mascota de los Yankees de Nueva York, mientras un muñeco de Félix acompaña la travesía de Charles Lindberg sobre el atlántico. Impresionante éxito.

Con Otto Mesmer responsable de la parte artística, la productora de Sullivan da vida a una innumerable serie de cortos, jugando con la originalidad de su trazo negro, capaz de transformarse en mil formas distintas, y su rabo, que constituye el signo gráfico más significativo.

La exitosa asociación Mesmer-Sullivan se prolonga durante dos décadas (1920-1933) y solo se interrumpe debido a la muerte de Sullivan. Mesmer, incapaz de asumir la cada vez más compleja fase productiva, vuelve a la historieta y la ilustración.
Los años 40 vieron un pequeño resurgir del personaje, de la mano de las producciones Van Beuren, y en 1958 Joe Oriolo comenzó a realizar una larga serie de televisión que se hizo famosa en todo el mundo. (Oriolo es conocido igualmente por haber creado para la Paramount Casper, the Friendly Ghost (1946), que luego fue una serie de los Famous Studios.

Resulta curioso que, al igual que ocurre con Betty Boop, el merchandising de Félix vuelva a estar "de moda".

Aquí tenéis un puñado de cortos, desde los mudos hasta alguno en espectacular tecnicolor.

Felix All Puzzled (1924) MPEG1

Felix Doubles for Darwin (1924) MPEG1

Felix Finds Out (1924) MPEG1

Felix Gets the Can (1924) MPEG1

Felix in Hollywood (1923) MPEG1

Felix Goes West (1924) MPEG1

Felix the Cat in April Maze (1930) MPEG1

Felix the Cat in Bold King Cole (1936) MPEG1

Felix the Cat in Neptune Nonsense (1936) MPEG1

Felix the Cat in Two-Lip Time (1926) MPEG1

Felix the Cat: The Goose That Laid the Golden Egg (1936) MPEG1

Si no tenéis bastante, también podéis ver muchos en el estupendo blog Videos With Bibi, en sus secciones Felix The Cat Cartoons I (aquí aparece el primer corto de Félix, Feline Follies, 1919), II, III y IV.

Más:
Felix the Cat
Don Markstein's Toonopedia
The Classic Felix the Cat Page, con info e imagenes de Felix en el arte, los comics, la musica... Y con links.

Bruno Bozzetto, el Sr. Rossi y mucho más

2008-08-04T19:54:00.013+01:00

Milán, 1933.

Uno de los autores más importantes de la animación italiana. ¡Aún recuerdo los episodios -y su sintonía- del Señor Rossi que emitió TVE durante mi infancia!

Su primer cortometraje, Tapum! La storia delle armi (1956) fue presentado en el Festival de Cannes interesó a público y crítica. Después de 1960, con la fundación de la Bruno Bozzetto Film, su actividad se encamina hacia los sectores de la publicidad y el cine.
Ese mismo año nace Signor Rossi, su personaje más importante, hombre medio que se enfrenta a los problemas de la vida cotidiana y héroe-antihéroe de gran número de cortometrajes, a veces acompañado de su perro humanizado-colega Gastone.

el señor rossi (opening español)
Il Signor Rossi e lo sport
Bruno Bozzetto: Il signor rossi e lo sport-il nuoto
Signor Rossi e lo Sport - Tennis
Signor Rossi e lo Sport - ginnastica
bruno bozzetto il signor rossi e la scherma
Ogni Estate (de Le vacanze del Signor Rossi)
Signor Rossi va a sciare (1963)

A través de estas y otras obras (Alfa y Omega, 1961; el largometraje Johnny y Clementina en el Oeste (West and soda) (fragmentos: West and soda (1965) Titles - West and soda (1965) - west and soda final scene: the duel - Il Cattivissimo e la mosca - West and soda (1965) ); Una vita in scatola, 1967; Vip, mio fratello superuomo, 1968 (otro buenísimo fragmento de vip mio fratello superuomo); Ego, 1969; I Sottacetti, 1971) Bozzetto desarrolla, moviéndose entre humor y sátira, un agudo y crítico análisis de la sociedad.

Su corto Mistertao (1989) ganó un Oso de Oreo del Festival de Berlín, y Cavallette (1991) estuvo nominado a los Oscar, pero su obra maestra es uno de sus cuatro largometrajes: Allegro non troppo (1977), una especie de revisión crítica y personal de Fantasia (1940) de Disney y, realmente, mucho mejor (fragmentos: Allegro Non Troppo - Allegro non troppo - Allegro N on Troppo Animation Exerpt by Bruno Bozzetto - Allegro non troppo - Preludio al pomeriggio di un fauno - Allegro Non Troppo Animation Exerpt by Bruno Bozzetto. Coke1 - Allegro Non Troppo Animation Exerpt by Bruno Bozzetto. Coke2 - Allegro Non Troppo Animation Exerpt by Bruno Bozzetto. Coke3 - Cartoni animati-video spezzone-Allegro non troppo Bozzetto B - Allegro non troppo - L' uccello di fuoco - Igor Stravinsky - Allegro ma non troppo Bolero -B. Bozzetto - M. Nichetti P1 -Allegro ma non troppo- Bolero -B. Bozzetto - M. Nichetti P2 - Allegro non troppo - Concerto in C-dur). (Hace unos años esta película la emitieron en el Canal 33 de Catalunya. ¿Dónde iba a ser, si no? ¿En Tele 5?).
Firma también obras divulgativas, más de cien, y supervisa series de televisión como La familia Spaghetti (2003). Colabora en diarios como Il Corriere della Sera y en compañías como Hanna-Barbera (Help?, 1995).
Como podeis comprobar aquí abajo, Bozzetto siguió realizando cortometrajes cada vez más "experimentales"; a partir de 1999 comenzó a utilizar la técnica de animación en flash.

How not to Drive: Yes and No
Bruno Bozzetto animation - Olympics
Bruno Bozzetto animation - Far West
Bruno Bozzetto - Neuro
Bruno Bozzetto - Dancing
Bruno Bozzetto - Life
Bruno Bozzetto - Adam
Looo (English Version) by Bruno Bozzetto
Tony & Maria Bruno Bozzetto animation - Horror
Memminile e maschile Bruno Bozzetto
Sad Walzer - Bruno Bozzetto
Italians vs. Europeans Bruno Bozzetto
Bruno Bozzetto: Baby Story 1/2
Bruno Bozzetto: Baby Story 2/2
Bruno Bozzetto: Self Service 1/2
Bruno Bozzetto: Self Service 2/2

En la Wikypedia, lo mejor es que veáis su biografía en italiano.
Y, cómo no, visitad la web oficial http://www.bozzetto.com/.

Dibujos animados en España

2008-08-04T13:01:00.001+01:00

Seguramente muchos ya conoceréis la web http://www.rincondelvago.com/, que lo sé yo. Pues bien, desde ahí os podéis descargar un imprescindible escrito si lo que queréis es saber un poco sobre la historia de los Dibujos animados en España. Hala, a leer; no todo va a ser animanga y USA.

Anuncio de detergente Ajax

2008-07-10T17:54:00.000+01:00

Detergente Ajax, 1959.

House of Flame, de Kihachiro Kawamoto

2008-07-09T12:52:00.002+01:00

1ª Parte

2ª Parte

Stop Motion Animation Web

2008-07-09T12:14:00.006+01:00

Stop Motion Animation es una web que he descubierto, realizada por Anthony Scott (ha trabajado para Disney, Pixar, Tim Burton...) y centrada únicamente en, eso, la animación fotograma a fotograma. En estos tiempos infográficos, es reconfortante ver que aún hay gente que usa este sistema artesanal (aunque a veces no viene mal una pequeña ayuda del ordenador, ¿eh?).
Es muy interesante la sección Cinema, en donde podemos ver una muestra de cortos de diferentes autores.

Bueno, ya que estamos, también os voy a ofrecer todos los links que aparecen en la sección pertinente, también del mundo de la stop-motion.

STOP-MOTION SITES

AnimateClay.com Clay Animation Website
Animation en pâte à modeler Stop-Motion site in French and English
The Art of Stop Motion Animation Check out their 'How To' page
BrickfilmsStop-Motion Lego-Movies
Clay Animation Homepage Clay Animation E-mail List Discussion Group
Clay Animation Station resource for learning clay animation
Claymovie.com Stop-motion workshops on the East Coast
Davey and GoliathOfficial Website of Davey and Goliath
Enchanted World of Rankin/BassHistory of Rankin/Bass Productions
The Films of the Brothers Quay Original and much imitated filmmakers
Gumby WorldAll about Gumby and his pals
Fantastic Films of Ray Harryhausen Extensive site about Ray and his many projects
King Kong - Lost & Foundtracking the path of Kong
King Kong's Stomping GroundsThis site is dedicated to the "Mighty Kong"
Land of the Lostdevoted to the Sid and Marty Krofft TV series
The Legacy of George Pal Puppetoon Photos
LegomationStop Motion Animation with LegoBricks
Next - The Infinite Variety Show All about the Barry Purves film 'Next'
Official Website of Ray Harryhausen rayharryhausen.com
StopMoShorts.com stop-motion short films and experimental footage
Stop Motion Works dedicated Web Site for Hobbyists & Professionals
Fred Stuhr Gallery of the animator's work
Jan Svankmajer lavish tribute to the cinema's wildest imagination
Trikfx tools, rigging, props, furniture and art