Mi relación con la Disney siempre ha sido un poco de amor-odio, y lo cierto es que siento una fascinación casi insana por la Disney kitsch clásica. Es indudable que buena parte de su imaginario ha quedado clavado en la memoria y el corazón de mucha gente, por no hablar de sus bandas sonoras.
lunes, 3 de septiembre de 2018
Walt Disney soundtracks
Mi relación con la Disney siempre ha sido un poco de amor-odio, y lo cierto es que siento una fascinación casi insana por la Disney kitsch clásica. Es indudable que buena parte de su imaginario ha quedado clavado en la memoria y el corazón de mucha gente, por no hablar de sus bandas sonoras.sábado, 8 de abril de 2017
Disney Educational Film "Man in Space", 1955
lunes, 20 de octubre de 2014
"Hell's Bells"- Walt Disney - Ub Iwerks - Carl Stalling (1929)
miércoles, 23 de octubre de 2013
The Story Of Menstruation, by Disney
jueves, 15 de noviembre de 2012
Música, maestro (Make Music Mine)
Make Music Mine (Música, maestro) es un largometraje animado de 1946, producido por Walt
Disney Pictures y distribuido por RKO Radio Pictures. Es el octavo en el
cánon de largometrajes animados de The Walt Disney Company y en la
lista de Los Clásicos de Walt Disney. Es considerado una
"película-paquete", por ser un largometraje compuestos de varios
segmentos. Durante la Segunda Guerra Mundial mucho del material que los
estudios producían estuvieron enfocados hacia la propaganda, por lo que
muchas historias quedaron sin terminar, es por esto que este
largometraje, entre otros, está compuesto de varios segmentos, aunque en
este caso no existe relación alguna entre uno y otro, salvo que todos
son enteramente musicales. Canal específico de Youtube
Info Wikipedia
Una interesante crítica
Online y download: http://www.divxonline.info/pelicula/5709/Musica-maestro-1946/
No es una película que gozara de mucho éxito en su momento... ¡lo que la hace aún más interesante! En España esta peli no se llegó a estrenar, por tanto es un poco desconocida.La secuencia The Martins and the Coys, subtitulada A Rustic Ballad, en la que se muestra a las dos típicas familias de hillbillys rednecks enfrentadas, está censurada por su supuesta violencia (en fin...) y no aparece en las ediciones en DVD.
Aunque mi fragmento favorito es el que os ofrezco. La música es de Benny Goodman.
jueves, 12 de julio de 2012
Cómo Disney combina actores reales con sus personajes de dibujos animados
viernes, 25 de mayo de 2012
Kimba, el león blanco

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| Una de las muchas comparativas Tezuka/Disney que podemos ver en internet |
jueves, 23 de diciembre de 2010
Tron, el legado.
lunes, 13 de diciembre de 2010
Oswald the lucky rabbit
Mickey Mouse tiene un antepasado en cuanto al grafismo en el gato Julius de las Alice Comedies (1924-1927), pero sobre todo en el conejo Oswald. Este personaje fue creado por Walt Disney en 1927 para el productor de la Universal Pictures Charles Mintz, quien reivindicó el copyright, lo cual obligó a Disney a abandonar la sociedad. Pero este fue el inicio de la gran fortuna de Disney, quien con el único dibujante que se mantuvo fiel, Ub Iwerks, creó a Mickey (posteriormente la Universal arrebatará el conejo Oswald a Mintz, confiándoselo a Walter Lantz). Oswald se vió así obligado a competir con Mickey, convertido en estrella, hasta que desapareció en 1938.
Por cierto, Oswald era doblado por un niño de nueve años destinado a ser un actor famoso: Mickey Rooney.
Pero la historia no termina ahí, ya que en el 2006, la empresa Walt Disney readquirió los derechos de Oswald a cambio de permitir a un narrador deportivo, con quien tenían contrato por parte de sus filiales de ABC y ESPN, trasladarse a la NBC (buff...). Hoy, Oswald es nuevamente propiedad de Disney...
A pesar que esta compañía no quiere lanzar súbitamente al conejo, si está planeando la manera de integrarlo a sus filas, así que no se sorprendan si próximamente sabemos más de este personaje...
En Youtube.


jueves, 4 de marzo de 2010
Dinosaurios, de Jim Henson
No se trata de una serie de dibujos animados, sino de marionetas (como no podía ser de otra forma, tratándose de un trabajo de Jim Henson´s Creature Shop). Eh, pero las marionetas también tienen cabida en este blog, pues, bajo mi punto de vista, estas dos formas de expresión no son tan ajenas la una de la otra.
Desde hace un tiempo podemos ver Dinosaurios cada noche a las 11h. en Disney Channel. Una serie de 1991 a 1994 , producida por Michael Jacobs y Jim Henson en asociación con Touchstone Television y distribuida por Buena Vista International/Disney. Una serie que ya pudimos ver hace años en TVE y posteriormente en Tele 5, y que ahora podemos volver a disfrutar y comprobar lo buena que era/es. Una serie sorprendente que no ha perdido un ápice de actualidad.
Bajo la apariencia de sitcom familiar se esconden en la mayoríade sus episodios unos agudos comentarios de crítica social que tocan -y cuestionan- asuntos como el conflicto generacional, la explotación laboral, la ascensión social, las apariencias, la publicidad y su manipulación, la alienación, temas a menudo tan controvertidos como la política, la justicia o la religión... de una forma, a priori, cómica y amable, pero en el fondo demoledora. Es, en fín, una sátira de la vida moderna, tan válida ayer como hoy. y todo ello protagonizado por una familia de dinosaurios que tiene algunos puntos en común con Los Simpson, no sólo en el aspecto formal: la serie gustará a los niños por sus personajes graciosos e irreales, pero las historias sorprenderán a los adultos por su trasfondo crítico. ¡Pero atención, porque esta serie es muy anterior a la de Matt Groening!
A nivel técnico Dinosaurios es impecable, en una época en la que los ordenadores aún no habían irrumpido de forma tan brutal (¡en la información del canal se dice, erróneamente, que interactúan marionetas e imágenes en 3D!), mezclándose las ya conocidas marionetas de guante típicas de Barrio Sésamo o Fraggle Rock (esta última, tal vez un poco más infantil, resultó ser una obra maestra) con la técnica animatronic para los personajes de cuerpo entero (ya utilizada en la gran y muy querida película Cristal Oscuro). Este tipo de personajes necesitaban el trabajo de tres personas para cobrar vida: el actor dentro del muñeco, el técnico en animatrónica para las expresiones faciales y el actor de doblaje. Todo un curro.
Así que ya sabéis: esta es una serie de visionado obligatorio, mientras aún quedan muchos episodios por ser emitidos.
Más info en Wikipedia.
En Youtube (versión mexicana; no encontré la española).viernes, 25 de diciembre de 2009
Robert Zemeckis y Roger Rabbit
Director y productor.
Chicago, 1952.
En el campo de la animación, el nombre de Robert Zemeckis, autor polifacético, está vinculado a unas pocas películas de animación, entre las que destaca por méritos propios Quién engañó a Roger Rabbit (Who Framed Roger Rabbit?, 1988).
La obra maestra que representa esta película provocó gran admiración en su momento por la perfecta interacción entre dibujos animados y personajes de carne y hueso, no quedando menoscabada con la llegada de la era digital y el diseño en 3D, gracias también a un guión perfecto que remite al cine negro de los años 40 y unas magníficas interpretaciones de Bob Hoskins (Eddie Valiant), Johanna Cassidy (Dolores) y Christopher Lloyd (Juez Doom) en un Hollywood de 1947 que convive hilarantemente con un Dibulywood (Toonstown) habitado por la gran mayoría de los dibus (toons) clásicos. Los personajes de Disney, Warner, MGM, Fleischer... todos juntos "bajo un mismo techo"; el sueño de un fan hecho realidad, y sé lo que digo.
La historia es soberbia, llena de citas y guiños al aficionado, y actúa a diferentes niveles: la base de todo consiste en que el Juez Doom, que en realidad es un dibu disfrazado, quiere destruír Dibulywood para construír en su lugar una metrópolis plagada de autopistas, a lo que el detective Valiant, en un momento dado, no puede más que replicar que eso es una locura (una sarcástica crítica, ¿verdad?). Finalmente, cuando Doom muere, lo hace de una forma calcada, incluso en las palabras que dice, de la muerte de la Bruja del Oeste de El Mago de Oz (una película que, aunque es de imagen real, parece talmente un dibujo animado , ¡y en tecnicolor!).
Para la posteridad queda una frase de Jessica Rabbit, la femme fatal dibu: "Yo no soy mala, es que me han dibujado así". Aunque mi favorita es la que dice Betty Boop, y que podéis leer en la columna de la derecha de este blog.
Muchos años después Zemeckis realiza The Polar Express (2004), una película navideña en la que se utiliza la novedosa técnica de la motion capture (la primera vez se utilizó en Final Fantasy, 2001, y posteriormente en El Señor de los Anillos, 2001-2004). Gracias a estas nuevas tecnologías, el actor Tom Hanks logra interpretar hasta a seis personajes virtuales distintos en una historia demasiado dulzona que exalta la importancia de mantener la ilusión y creer en algo -en este caso, en Santa Claus y la navidad-, en una atmósfera pelín inquietante y fría. Tan frío como me quedé yo al verla.
Últimamente ha repetido la jugada con la entrañable -y archiconocida- historia Cuento de Navidad (A Christmas Carol), y con Jim Carrey como multiactor virtual, aunque hay que decir que los resultados son bastante mejores que en Polar Express.
En Cartoonia, obviamente, nos quedamos con la gloriosa Roger Rabbit. De todos modos, la carrera de Zemeckis siempre se ha caracterizado por la experimentación, por su interés en explorar las posibilidades que brindan las nuevas tecnologías. Y eso no es necesariamente malo, ¿no?lunes, 9 de noviembre de 2009
...Y llegó el 3D digital
El clásico cine 3D con sus entrañables gafas bicolor de cartón ha muerto. ¡Larga vida al nuevo 3D!
En los años 50 ese viejo 3D se puso de moda en los EEUU. No tan solo el cine, sino también los cómics, la fotografía o la publicidad hicieron uso de ese invento. Pero poco a poco fue cayendo en desuso, en parte por culpa de la mala calidad de los sistemas de proyección que se utilizaban en los cines, así como de los contenidos mismos. Con la aparición del cine digital todo ha cambiado. Ahora la viabilidad a largo plazo de este formato dependerá de la voluntad de los cineastas de crear sus historias y diseñar sus películas especialmente para la tercera dimensión, sin limitarse únicamente a convertir el material en 2D a formato 3D.
Eso es precisamente lo que Disney y Pixar han hecho , por lo pronto: para abrir boca ante el estreno previsto para el verano del año que viene de la tercera entrega de Toy Story, han proyectado la primera parte -la opera prima de Pixar de 1995-, que revolucionó para siempre la animación por ordenador y ahora se verá enriquecida -y nunca mejor dicho- por el enorme tirón comercial de la novísima tecnología 3D. Piensan hacer lo mismo a principios del 2010 con la segunda parte, y luego estrenarán Toy Story 3, 3D. ¿Estará también ésta dirigida, al igual que las dos anteriores, por John Lasseter?
Vamos a la luna, de Ben Stassen (dirección) y Domonic Paris (guión) es una película en la que unos preadolescentes moscas intentan colarse en el Apolo 11 para llegar junto a los humanos a la luna. Se trata de una película infantil agradable de ver, pero nada destacable. Más que por sus hallazgos cinematográficos será recordada por ser pionera, por ser el primer largometraje de animación por ordenados exclusivamente diseñado, creado y producido para ser visto en 3D, gracias a la empresa NWave Pictures, una de las más importantes productoras de material original en 3D para cines IMAX y parques temáticos. Lo curioso es que se trata de una película belga que fuera de españa llevaba casi dos años editada en dvd (!).
También hemos podido ver la estupenda Los mundos de Coraline, dirigida por Henry Selick (director también de Pesadilla antes de Navidad, aunque muchos pensaran que era de Tim Burton; error: éste último era el productor) y basada en una novela del escritor Neil Gaiman, también el celebrado guionista de cómics tan innovadores e importantes como Sandman. La particularidad era que, a pesar de utilizar una técnica para su visionado tan moderna, fue realizada por medio del maravilloso stop-motion. Pocas veces unir tradición y adelantos técnicos ofrece tan grato espectáculo. Partiendo en un principio de la idea básica de la Alicia de Carroll, el Mago de Oz de Baum e incluso el cuento de Hansel y Gretel, la experiencia resulta difícil de explicar. Hoy en día los niños no se asustan de casi nada, pero si yo hubiese visto esta peli de pequeño, seguro que habría tenido alguna pesadilla... aunque me habría encantado.
Por supuesto, hemos podido disfrutar de la interesante UP, dirigida por el guionista de Wall-E (otra gran obra que tal vez no ha tenido la repercusión que merecía) y Toy Story, y el director de Monstruos S.A., Peter Docter, y su compañero Bob Peterson, guionista de Ratatouille y Buscando a Nemo. Es un sentido homenaje a las películas de aventuras, una original historia que prácticamente te obliga a soñar y en la que todo va más allá de los productos y la publicidad porque, en realidad, lo que importa es ella misma.
No podemos decir lo mismo de Monstruos contra alienígenas, de Rob Letterman y Conrad Vernon, un espectáculo portentoso en lo visual que en los primeros momentos imcluso desconcierta de lo alucinante y vertiginosa que resulta la experiencia, sin duda genial como pasatiempo para toda la familia, pero con una gran decepción en sus contenidos. Uno esperaba algo más de una parodia de las clásicas películas de bichos gigantes e invasiones del espacio exterior, pero, una vez asimilado el nuevo impacto visual, el relato se desinfla en una historia tan esquemática y previsible que apenas mantiene el interés gracias a esporádicas chispas de un humor que se conforma con explotar lo referencial y metacinematográfico. Lo mejor de la película es ese mensaje que se da de que más vale ser un monstruito (entiéndase como sinónimo de freak) que adocenarse en una vida subyugada. Pero Dreamworks sigue sin superar a Pixar; lo siento, sr. Spielberg.
De G-Force, licencia para espiar, de Hoyt Yeatman para Disney, mejor no hablar. Es otro producto tipo
Monstruos contra alienígenas, con menos gracia aún que ésta, que carece de alma, de verdadera diversión, de magia... y que tal vez solo encantará a los menores de doce años. El que esto sea bueno o malo, lo dejo a la elección del lector.
Así que, ¿nos encontramos ante un nuevo invento multimedia para sacarnos los cuartos a base de espectacularidad y nulas pretensiones no ya artísticas, sino simplemente expresivas y comunicativas, o ante el nacimiento de un nuevo lenguaje cinematográfico creado expresamente para el nuevo formato del 3D digital? El tiempo y las obras lo dirán.
Bueno, de un plumazo he despachado varios comentarios que tenía pendientes. Sirva este artículo para demostrar que Cartoonia está al tanto de lo que se hace actualmente, que luego me dicen que si estoy anclado en el pasado y la nostalgia y tal. Pues no.domingo, 26 de abril de 2009
¨DESTINO¨ de Dali y Disney
Es un hecho muy conocido, pero tal vez aún haya alguien que ignore la colaboración entre Walt Disney y Salvador Dalí; casi casi dos mundos antagónicos.
En 1945, los estudios Disney contactaron con el pintor Dalí para la realización de un cortometraje de animación surrealista basado en su obra pictórica y con la música del bolero homónimo de Armando Domínguez. En esa época Dalí estaba "haciendo las Américas" explotando todo su talento surrealista, y los USA se rindieron a sus pies. Y la poderosa Disney también.
Se trataría de un corto de seis minutos que formaría parte de una película similar a Fantasia, el más arriesgado y "experimental" film de Disney. El proyecto, del cual tan sólo se rodaron 20 segundos de prueba, no acabó de cuajar y se canceló al año siguiente, debido también a problemas presupuestarios. Sin embargo, varias décadas después, en 2003, aprovechando el material existente y los bocetos e indicaciones que había dejado Dalí, se editó finalmente el cortometraje, de unos ocho minutos de duración. Fue dirigido por Dominique Monfery y se presentó en el Festival Internacional de Annecy.
Destino se estrenó en España el 21 de mayo de 2004. El estreno fue compartido, ya que el corto se proyectó, sorprendentemente, junto a la nueva película de los hermanos Cohen, Ladykillers. Supuso la vuelta a la vida de un proyecto surgido entre Dalí y Disney hacía 57 años.
Juzguen ustedes mismos.
Wikipedia: en.wikipedia.org/wiki/Destino
Trailers
Destino (1)
Destino (2)
Destino (completa, pero capturada de una pantalla de cine, mala calidad)
jueves, 12 de junio de 2008
Una dura crítica a Disney y "La sirenita"
En la revista CLIJ (Cuadernos de Literatura Infantil y Juvenil) nº 182, en su apartado Cine y Literatura, el crítico Ernesto Pérez Morán escribe un artículo titulado Contad, contad, malditos. Andersen y el cine. En él se hace un repaso al tratamiento cinematográfico que se le ha dado a los cuentos de Hans Christian Andersen, tanto en imagen real como animada. El genial escritor de El traje nuevo del emperador, La cerillera, Pulgarcito, Las zapatillas rojas, El soldadito de plomo, El patito feo o La sirenita -cuentos que a menudo no concluían con un final feliz- siempre ha sido fuente de inspiración para el cine, aunque en este medio las adaptaciones casi siempre han sido convenientemente dulcificadas, espacialmente en el dibujo animado. Así nos lo retrata el crítico en este párrafo de su artículo:
La sirenita según Disney
Siguiendo con los grandes estudios, la Disney, especialista en producciones edulcoradas con las que grabar a fuego en las mentes infantiles los valores estable4cidos, no podía desaprovechar el filón de Andersen. Una de las películas que más beneficios le ha reportado en su ya larga historia ha sido La sirenita (1989). Como en tantas otras ocasiones, el espíritu original de la obra se retuerce y desvirtúa de raíz, además de verse "enriquecido" por un barniz fuertemente sexista.
Ya en la primera escena, los creadores de semejante tropelía dejan claras sus intencione cuando colocan en el brazo de la acuática protagonista un bolsito femenino... A partir de ahí, se suceden los desatinos, añadiendo escenas sensibleras, mientras se suprimen las ideas más brillantes del cuento, como los dolores que le producen a la sirenita sus nuevas piernas, o ese evanescente final en el que la protagonista se convierte en espuma. En la película, por contra, se impone sin ambages el típico final feliz: ella conseguirá al príncipe. Si a esto añadimos que se ha sustituído a la abuela del cuento por el padre, como símbolo de autoridad, aparece hábilmente sugerido el rancio consejo de que "la mujer debe pasar del control del padre al del marido". Como sugerido queda también el profundo mensaje religioso del cuento de Andersen en torno al alma inmortal, aunque convenientemente simplificado aquí por exigencias de la comercialidad.











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