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lunes, 3 de septiembre de 2018

Walt Disney soundtracks

Mi relación con la Disney siempre ha sido un poco de amor-odio, y lo cierto es que siento una fascinación casi insana por la Disney kitsch clásica. Es indudable que buena parte de su imaginario ha quedado clavado en la memoria y el corazón de mucha gente, por no hablar de sus bandas sonoras.
En el blog Not Very Pretty Music encontramos diez de ellas. A los de habla hispana seguramente les emocionaría más oír las canciones en castellano (siempre se tradujeron), pero éstas son las originales.
Falta la de El Libro de la Selva, una pena, pero está Wonderful World of Color, con la colaboración de Annette Funicello.
Por cierto, no sé qué pinta con la etiqueta de "Disney" la peli de terror Twisted Nerve. Será un error, digo yo...
(Los links de descarga están en los comentarios de las entradas del blog mencionado).










(Publicado también en Fantastic Retrovision)

sábado, 8 de abril de 2017

Disney Educational Film "Man in Space", 1955





Un interesante corto documental de Disney, con esa pulcra estética en tecnicolor que me encanta. No se trata de un corto infantil, sino que va dirigido también a los adultos.

lunes, 20 de octubre de 2014

"Hell's Bells"- Walt Disney - Ub Iwerks - Carl Stalling (1929)

Via http://monstermoviemusic.blogspot.com.es/2014/10/hells-bells-walt-disney-ub-iwerks-carl.html me he encontrado con este corto de Disney que no conocía de la serie Silly Symphony, aún en blanco y negro, en el que colaboraron los grandes Ub Iwerks y Carl Stalling. Es bastante bizarro, normal siendo como es de esa época y tratando el tema del infierno. Una pasada.






miércoles, 23 de octubre de 2013

The Story Of Menstruation, by Disney

Esta película la habían quitado de Youtube, pero vuelve a estar disponible. Es un sorprendente documental animado de Disney ¡¡¡sobre la menstruación!!!


jueves, 15 de noviembre de 2012

Música, maestro (Make Music Mine)

Make Music Mine (Música, maestro) es un largometraje animado de 1946, producido por Walt Disney Pictures y distribuido por RKO Radio Pictures. Es el octavo en el cánon de largometrajes animados de The Walt Disney Company y en la lista de Los Clásicos de Walt Disney. Es considerado una "película-paquete", por ser un largometraje compuestos de varios segmentos. Durante la Segunda Guerra Mundial mucho del material que los estudios producían estuvieron enfocados hacia la propaganda, por lo que muchas historias quedaron sin terminar, es por esto que este largometraje, entre otros, está compuesto de varios segmentos, aunque en este caso no existe relación alguna entre uno y otro, salvo que todos son enteramente musicales.

Canal específico de Youtube

Info Wikipedia

Una interesante crítica

Online y download: http://www.divxonline.info/pelicula/5709/Musica-maestro-1946/

No es una película que gozara de mucho éxito en su momento... ¡lo que la hace aún más interesante! En España esta peli no se llegó a estrenar, por tanto es un poco desconocida.
La secuencia  The Martins and the Coys, subtitulada A Rustic Ballad, en la que se muestra a las dos típicas familias de hillbillys rednecks enfrentadas, está censurada por su supuesta violencia (en fin...) y no aparece en las ediciones en DVD.
Aunque mi fragmento favorito es el que os ofrezco. La música es de Benny Goodman. 

jueves, 12 de julio de 2012

Cómo Disney combina actores reales con sus personajes de dibujos animados










Publicado en la revista estadounidense Popular Science en septiembre de 1944.

Traducción:

¿Cómo Disney combina actores reales con sus personajes de dibujos animados?

Arriba se encuentra otro personaje en el Walt Disney Hall de la Fama. Sale otra sorpresa de la bolsa de trucos de Disney. Para ser más específicos, Panchito, el gallo mexicano, con personalidad tanto como el Pato Donald o el carioca Joe, está haciendo su primera aparición, y en la pantalla con él será en vivo, en tres dimensiones los actores.

La nueva película es "Tres Caballeros", una fantasía de cuerpo entero de México y puntos al sur. Nadie dejará de reconocer que esta es una película de buena vecindad, pero, mientras que Joe Carioca. el loro de "Saludos Amigos", tipificado Brasil, o la parte de habla portuguesa de América del Sur, Panchito se inclina definitivamente hacia el lado español.

En segundo lugar solamente al hechizo de la fantasía de propaganda de Disney será la reacción inevitable de las miles de personas que se exclaman: "¿Cómo diablos se hace?" No es demasiado simple. La película participa de la planificación más cuidadosa a lo largo de la línea, comenzando con la concepción del personaje. Luego vino su visualización en el estudio, comprobando para arriba en su fondo, anda € "un considerationâ € más importante" de su esquema de color. Panchito no debe chocar con el azul, blanco y amarillo del Pato Donald, ni el verde, crema, amarillo, y el bermellón de Joe Carioca. Él tiene que ser individual y también buen aspecto en contra de los orígenes. El estudio resolvió el asunto, dando Panchito el pico amarillo y las patas, cresta roja, sombrero gris y traje de color púrpura. Después de esto, era una buena oferta de una tarea de encontrar una voz que haría Panchito articular convenientemente en la pantalla. De más de 100 agentes han sido evaluados, se seleccionaron Joaquín Garay, un artista en el club de San Francisco de Copacabana la noche, para hablar de líneas del gallo.

Cuando tales actos previos se han resuelto, y los diseños, después de muchas conferencias, se han aprobado, los artistas del fondo obtener el "go" de la señal. Deben convertirse en colores planos de agua y también pinturas al óleo sobre cristal para el uso de la grúa multiplano, el dispositivo que hace posible que la cámara para dar los valores correctos a distancia a la imagen completa. Al mismo tiempo, los animadores conseguir ocupado. Ellos trabajan delante de los espejos y hacer muecas a sí mismos, tratando de plasmar en sus cuadros las expresiones que ellos desean que sus personajes para registrarse.

Hay otros dolores de cabeza relacionados con la fabricación de una imagen de este tipo. Ward Kimball, quien animó Panchito, no sólo interpreta las escenas como actor lo haría, pero

les actuado después de estudiar un gráfico que analiza los detalles. Estos incluyen el diálogo grabado previamente en términos de cuadros individuales de la película, la longitud de cada palabra, los intervalos entre las palabras, los sonidos de las vocales y consonantes, acentos, inhalaciones y exhalaciones. Si Panchito dice: "Hola", y el departamento de corte ha indicado que la palabra grabada ocupa ocho fotogramas de película, Kimball debe producir ocho dibujos en secuencia en la que los labios de los personajes se mueven para formar la palabra. Un asistente limpia los bocetos al trazar sobre un vidrio esmerilado iluminada desde abajo, de condensación de las líneas esbozadas en las líneas definidas y sencillas. Más tarde, éstos se remontan por artistas formados en las niñas de celuloide transparente, después de que decenas de niñas de tinta de los personajes en las líneas de varios colores y espesores.

Después de la tinta, el "CELS", como llaman a los trozos de celuloide, vaya a los pintores, que llenan entre las líneas con las pinturas transparentes cuidadosamente escogidos. Disney mantiene 1.000 compuestos fórmulas de color, de los cuales 200 se utilizan en aproximadamente 150 galones de pintura entran en la composición de una función de "Tres Caballeros"., Y los colores cuestan $ 5 por litro.

Tres mecanismos fotográficos registrados

Las travesuras de Panchito. En un insonorizadas, con aire acondicionado que se colocó en el nivel superior de una grúa multiplano, una serie de plataformas móviles transparentes, o niveles, fijados a cuatro postes de acero. Cel Panchito se llevó a cabo con firmeza por medio de estacas contra el cristal superior. Debajo de él, a una distancia apropiada, hubo cuatro partes de la escena de fondo pintados de petróleo en el vidrio. Ahora, montado en su sarape mágico en un viaje aéreo de Bahía, Brasil, Panchito se desplaza con celeridad hacia el oeste, como las nubes que forman el flotador fondo distante hacia el este. Mirando hacia abajo desde su posición por encima de la grúa, una cámara Technicolor registró la escena en stop-motion, obteniendo así el efecto de vuelo sin problemas.

La grúa y la cámara multiplano producir y grabar la acción de dibujos animados sólo, sin embargo, en la pantalla usted será testigo de escenas que muestran a Panchito, Donald, y Joe se mueve a través y de arriba abajo la etapa entre los verdaderos cantantes en vivo, bailarines y actores, a veces aparecen para fusionarse con los seres humanos. Este efecto de dibujos animados-sobre-vivir-acción se logró a través de un mayor desarrollo de la "proyección proceso" ya es utilizado por todos los grandes estudios para colocar los actores frente a fondos previamente filmados. Conjunto pequeño saliente de Disney podría poner personajes de dibujos animados en primer plano, pero los actores en vivo no podía realizar antes de una pantalla de casi el doble del tamaño de esta revista, y los equipos por lo que varios se puso a trabajar a gran escala de la proyección. Música y canciones fueron grabadas, y la acción de dibujos animados fue programado para que encajen. Expertos ópticos diseñados y tierra especiales lentes de cuarzo para ofrecer el máximo de luz del proyector. El equipo de sonido crear una pantalla translúcida de plástico que mide 14 por 20 metros, colocó el 50 pies de distancia del proyector a un lado y la cámara de 25 pies de distancia en el lado opuesto. El régimen previsto para el actor vivo para actuar en el escenario en frente de la acción proyectada de la caricatura, y para la cámara para grabar tanto en Technicolor. Disney continuación rodó la secuencia primera combinación, un primer plano del Pato Donald robar fruta de una bandeja llevada por Aurora Miranda mientras camina por en primer plano. Canciones de Aurora, comentarios de Panchito, las charlas de Donald son todos partes de la imagen, pero estas escenas se ruedan en silencio y los movimientos de los labios sincronizados con los sonidos grabados con anterioridad. Una de las cualidades más sobresalientes de la picturesâ Disney € "aparentemente sin esfuerzo productionâ €" pende de un hilo como "Tres Caballeros", llega a la pantalla. Se superan la mistificación historia de interés, o hará que el genio de Disney posible la mezcla de imágenes animadas con las personas por igual animados?

Nuestro héroe cobra vida

1 PARA LA EXPRESIÓN

llamadas de auto-análisis. Animador Ward Kimball hace muecas a sí mismo en un espejo para obtener las expresiones que él quiere que su personaje para registrarse. Después de instalación artística, necesaria para el trabajo de animador de uno es la capacidad de actuar. Si Panchito dice: "Hola," Kimball debe producir ocho dibujos en secuencia que muestran sus movimientos de labios de pronunciar que fuera

2 ESQUEMAS DE LIMPIEZA

es una condición necesaria de seguimiento de la primera animación. Los originales se colocan sobre un vidrio esmerilado, que se ilumina desde debajo de ella, y los artistas experimentados limpiar los dibujos mediante la condensación de las líneas definidas en bruto en una sola línea. Más tarde, estos dibujos se trazan por los artistas niña en hojas de celuloide

3 ENTINTADO En las líneas

en diversos espesores y colores es el siguiente paso. Esto ayuda a desarrollar el carácter y preservar la individualidad expresada por el animador. Las líneas deben coincidir exactamente, ya que se multiplicará en longitud y anchura cuando se proyectan sobre la pantalla. Una escena puede requerir varios miles de los celuloides entintadas, todos hechos con precisión

4 Aplicación de colores

es la tarea exigente de los artistas chica inteligente con pinturas que son cuidadosamente emparejados con los estándares establecidos previamente para asegurarse de que cada personaje se verá igual en toda la imagen. Alrededor de 150 galones de pintura y 200 colores diferentes entran en la composición de una imagen. La pintura cuesta $ 5 por litro.

viernes, 25 de mayo de 2012

Kimba, el león blanco




Creada por el maestro de maestros Osamu Tezuka con el título original de Janguru Taitei, esta serie contaba la historia de Kimba, un cachorro de león que quiere regresar a su tierra en África para tomar el puesto de su padre, que fue asesinado por un cazador. Su mensaje era claramente ecologista y un canto a la convivencia del ser humano con los animales y la naturaleza. Serializad en 1950 por Tezuka en el semanario japonés Manga Shonen, en 1965 el mismo autor crea la serie televisiva y un año después un largometraje con el mismo título. La película obtiene el León de San Marco (un premio muy apropiado, ¿no?) en la XIX Muestra del Cine para Jóvenes de Venecia.

Kimba, el león blanco fue la primera serie de animación japonesa que se emitió en España, a partir de 1968, cuando nadie aún conocía la definición anime y las únicas mangas que había eran las de las camisas. Originalmente los episodios estaban realizados en color, pero por aquel entonces y por estas tierras ni siquiera Franco tenía tele en colores. La serie fue emitida con doblaje latinoamericano, al igual que la mayoría de las series extranjeras que se emitían, fuesen de animación o no.
La serie tuvo un gran éxito internacional, pero en España pasó un poco de puntillas. Lo cierto es que aquí nunca se ha vuelto a proyectar ninguna serie del gran Tezuka, ni siquiera retrospectivamente, y eso es algo que me tiene perplejo. Ni siquiera Astroboy.
Una de las muchas comparativas Tezuka/Disney
que podemos ver en internet
Mucho se ha escrito sobre el acuse de plagio de esta serie por parte de Disney con su película El Rey León (1994). Las similitudes son evidentes, pero en Disney no dieron su brazo a torcer y tuvieron la poca vergüenza de decir que ni siquiera conocían la serie, cuando es sabido que en los años sesenta el propio Walt Disney entabló amistad con Tezuka y charlaron de sus obras. En Disney podían haber alegado que El Rey León tenía un sentido homenaje al trabajo de Tezuka, y habrían quedado como señores; pero no, prefirieron negar la evidencia.
Haciendo de abogado del diablo, hay que decir que la película de Disney también tiene una clara relación con el argumento de Hamlet, de William Shakespeare, e incluso con algunas otras obras de este escritor. Esta influencia sí que fue declarada en su momento. Aparte, todo buen aficionado debe saber que ciertos rasgos característicos del manga y el anime (los ojos enormes, por ejemplo) vienen de Tezuka y la fascinación que éste tenía por la Disney.

jueves, 23 de diciembre de 2010

Tron, el legado.

En este enlace podréis ver la espectacular web de la película Tron Legacy, remake de la clasica que no gozó de gran éxito. (Ved esta entrada antigua de Cartoonia acerca de la primera.) Su página es una gozada en diseño. Eso sí, al entrar necesitarás instalar un plugin en el navegador. A partir de ahí el disfrute está garantizado, pudiendo incluso conducir una moto de luz. La película ha resultado ser mejor de lo esperado, porque ya se sabe que en el país de los ciegos -o sea, el cine de acción y aventuras- el tuerto -o sea, el cine de acción y aventuras que se preocupa por narrar una historia- es el rey. Vale la pena verla, tiene más chicha de lo que parecía.

lunes, 13 de diciembre de 2010

Oswald the lucky rabbit

Atención: Vuelvo a publicar esta entrada porque un generoso anónimo ha puesto dos comentarios con multitud de direcciones de descargas de esta serie. Los interesados que se den prisa, que a veces estas cosas no duran mucho. Por cierto, como anunciábamos, este personaje ha sido ya rescatado por Disney en el videojuego Epic Mickey. Mickey Mouse tiene un antepasado en cuanto al grafismo en el gato Julius de las Alice Comedies (1924-1927), pero sobre todo en el conejo Oswald. Este personaje fue creado por Walt Disney en 1927 para el productor de la Universal Pictures Charles Mintz, quien reivindicó el copyright, lo cual obligó a Disney a abandonar la sociedad. Pero este fue el inicio de la gran fortuna de Disney, quien con el único dibujante que se mantuvo fiel, Ub Iwerks, creó a Mickey (posteriormente la Universal arrebatará el conejo Oswald a Mintz, confiándoselo a Walter Lantz). Oswald se vió así obligado a competir con Mickey, convertido en estrella, hasta que desapareció en 1938. Por cierto, Oswald era doblado por un niño de nueve años destinado a ser un actor famoso: Mickey Rooney. Pero la historia no termina ahí, ya que en el 2006, la empresa Walt Disney readquirió los derechos de Oswald a cambio de permitir a un narrador deportivo, con quien tenían contrato por parte de sus filiales de ABC y ESPN, trasladarse a la NBC (buff...). Hoy, Oswald es nuevamente propiedad de Disney... A pesar que esta compañía no quiere lanzar súbitamente al conejo, si está planeando la manera de integrarlo a sus filas, así que no se sorprendan si próximamente sabemos más de este personaje...

En Youtube.

jueves, 4 de marzo de 2010

Dinosaurios, de Jim Henson

No se trata de una serie de dibujos animados, sino de marionetas (como no podía ser de otra forma, tratándose de un trabajo de Jim Henson´s Creature Shop). Eh, pero las marionetas también tienen cabida en este blog, pues, bajo mi punto de vista, estas dos formas de expresión no son tan ajenas la una de la otra. Desde hace un tiempo podemos ver Dinosaurios cada noche a las 11h. en Disney Channel. Una serie de 1991 a 1994 , producida por Michael Jacobs y Jim Henson en asociación con Touchstone Television y distribuida por Buena Vista International/Disney. Una serie que ya pudimos ver hace años en TVE y posteriormente en Tele 5, y que ahora podemos volver a disfrutar y comprobar lo buena que era/es. Una serie sorprendente que no ha perdido un ápice de actualidad. Bajo la apariencia de sitcom familiar se esconden en la mayoríade sus episodios unos agudos comentarios de crítica social que tocan -y cuestionan- asuntos como el conflicto generacional, la explotación laboral, la ascensión social, las apariencias, la publicidad y su manipulación, la alienación, temas a menudo tan controvertidos como la política, la justicia o la religión... de una forma, a priori, cómica y amable, pero en el fondo demoledora. Es, en fín, una sátira de la vida moderna, tan válida ayer como hoy. y todo ello protagonizado por una familia de dinosaurios que tiene algunos puntos en común con Los Simpson, no sólo en el aspecto formal: la serie gustará a los niños por sus personajes graciosos e irreales, pero las historias sorprenderán a los adultos por su trasfondo crítico. ¡Pero atención, porque esta serie es muy anterior a la de Matt Groening! A nivel técnico Dinosaurios es impecable, en una época en la que los ordenadores aún no habían irrumpido de forma tan brutal (¡en la información del canal se dice, erróneamente, que interactúan marionetas e imágenes en 3D!), mezclándose las ya conocidas marionetas de guante típicas de Barrio Sésamo o Fraggle Rock (esta última, tal vez un poco más infantil, resultó ser una obra maestra) con la técnica animatronic para los personajes de cuerpo entero (ya utilizada en la gran y muy querida película Cristal Oscuro). Este tipo de personajes necesitaban el trabajo de tres personas para cobrar vida: el actor dentro del muñeco, el técnico en animatrónica para las expresiones faciales y el actor de doblaje. Todo un curro. Así que ya sabéis: esta es una serie de visionado obligatorio, mientras aún quedan muchos episodios por ser emitidos. Más info en Wikipedia. En Youtube (versión mexicana; no encontré la española).

viernes, 25 de diciembre de 2009

Robert Zemeckis y Roger Rabbit

Director y productor. Chicago, 1952. En el campo de la animación, el nombre de Robert Zemeckis, autor polifacético, está vinculado a unas pocas películas de animación, entre las que destaca por méritos propios Quién engañó a Roger Rabbit (Who Framed Roger Rabbit?, 1988). La obra maestra que representa esta película provocó gran admiración en su momento por la perfecta interacción entre dibujos animados y personajes de carne y hueso, no quedando menoscabada con la llegada de la era digital y el diseño en 3D, gracias también a un guión perfecto que remite al cine negro de los años 40 y unas magníficas interpretaciones de Bob Hoskins (Eddie Valiant), Johanna Cassidy (Dolores) y Christopher Lloyd (Juez Doom) en un Hollywood de 1947 que convive hilarantemente con un Dibulywood (Toonstown) habitado por la gran mayoría de los dibus (toons) clásicos. Los personajes de Disney, Warner, MGM, Fleischer... todos juntos "bajo un mismo techo"; el sueño de un fan hecho realidad, y sé lo que digo. La historia es soberbia, llena de citas y guiños al aficionado, y actúa a diferentes niveles: la base de todo consiste en que el Juez Doom, que en realidad es un dibu disfrazado, quiere destruír Dibulywood para construír en su lugar una metrópolis plagada de autopistas, a lo que el detective Valiant, en un momento dado, no puede más que replicar que eso es una locura (una sarcástica crítica, ¿verdad?). Finalmente, cuando Doom muere, lo hace de una forma calcada, incluso en las palabras que dice, de la muerte de la Bruja del Oeste de El Mago de Oz (una película que, aunque es de imagen real, parece talmente un dibujo animado , ¡y en tecnicolor!). Para la posteridad queda una frase de Jessica Rabbit, la femme fatal dibu: "Yo no soy mala, es que me han dibujado así". Aunque mi favorita es la que dice Betty Boop, y que podéis leer en la columna de la derecha de este blog. Muchos años después Zemeckis realiza The Polar Express (2004), una película navideña en la que se utiliza la novedosa técnica de la motion capture (la primera vez se utilizó en Final Fantasy, 2001, y posteriormente en El Señor de los Anillos, 2001-2004). Gracias a estas nuevas tecnologías, el actor Tom Hanks logra interpretar hasta a seis personajes virtuales distintos en una historia demasiado dulzona que exalta la importancia de mantener la ilusión y creer en algo -en este caso, en Santa Claus y la navidad-, en una atmósfera pelín inquietante y fría. Tan frío como me quedé yo al verla. Últimamente ha repetido la jugada con la entrañable -y archiconocida- historia Cuento de Navidad (A Christmas Carol), y con Jim Carrey como multiactor virtual, aunque hay que decir que los resultados son bastante mejores que en Polar Express. En Cartoonia, obviamente, nos quedamos con la gloriosa Roger Rabbit. De todos modos, la carrera de Zemeckis siempre se ha caracterizado por la experimentación, por su interés en explorar las posibilidades que brindan las nuevas tecnologías. Y eso no es necesariamente malo, ¿no?

lunes, 9 de noviembre de 2009

...Y llegó el 3D digital

El clásico cine 3D con sus entrañables gafas bicolor de cartón ha muerto. ¡Larga vida al nuevo 3D! En los años 50 ese viejo 3D se puso de moda en los EEUU. No tan solo el cine, sino también los cómics, la fotografía o la publicidad hicieron uso de ese invento. Pero poco a poco fue cayendo en desuso, en parte por culpa de la mala calidad de los sistemas de proyección que se utilizaban en los cines, así como de los contenidos mismos. Con la aparición del cine digital todo ha cambiado. Ahora la viabilidad a largo plazo de este formato dependerá de la voluntad de los cineastas de crear sus historias y diseñar sus películas especialmente para la tercera dimensión, sin limitarse únicamente a convertir el material en 2D a formato 3D. Eso es precisamente lo que Disney y Pixar han hecho , por lo pronto: para abrir boca ante el estreno previsto para el verano del año que viene de la tercera entrega de Toy Story, han proyectado la primera parte -la opera prima de Pixar de 1995-, que revolucionó para siempre la animación por ordenador y ahora se verá enriquecida -y nunca mejor dicho- por el enorme tirón comercial de la novísima tecnología 3D. Piensan hacer lo mismo a principios del 2010 con la segunda parte, y luego estrenarán Toy Story 3, 3D. ¿Estará también ésta dirigida, al igual que las dos anteriores, por John Lasseter? Vamos a la luna, de Ben Stassen (dirección) y Domonic Paris (guión) es una película en la que unos preadolescentes moscas intentan colarse en el Apolo 11 para llegar junto a los humanos a la luna. Se trata de una película infantil agradable de ver, pero nada destacable. Más que por sus hallazgos cinematográficos será recordada por ser pionera, por ser el primer largometraje de animación por ordenados exclusivamente diseñado, creado y producido para ser visto en 3D, gracias a la empresa NWave Pictures, una de las más importantes productoras de material original en 3D para cines IMAX y parques temáticos. Lo curioso es que se trata de una película belga que fuera de españa llevaba casi dos años editada en dvd (!). También hemos podido ver la estupenda Los mundos de Coraline, dirigida por Henry Selick (director también de Pesadilla antes de Navidad, aunque muchos pensaran que era de Tim Burton; error: éste último era el productor) y basada en una novela del escritor Neil Gaiman, también el celebrado guionista de cómics tan innovadores e importantes como Sandman. La particularidad era que, a pesar de utilizar una técnica para su visionado tan moderna, fue realizada por medio del maravilloso stop-motion. Pocas veces unir tradición y adelantos técnicos ofrece tan grato espectáculo. Partiendo en un principio de la idea básica de la Alicia de Carroll, el Mago de Oz de Baum e incluso el cuento de Hansel y Gretel, la experiencia resulta difícil de explicar. Hoy en día los niños no se asustan de casi nada, pero si yo hubiese visto esta peli de pequeño, seguro que habría tenido alguna pesadilla... aunque me habría encantado. Por supuesto, hemos podido disfrutar de la interesante UP, dirigida por el guionista de Wall-E (otra gran obra que tal vez no ha tenido la repercusión que merecía) y Toy Story, y el director de Monstruos S.A., Peter Docter, y su compañero Bob Peterson, guionista de Ratatouille y Buscando a Nemo. Es un sentido homenaje a las películas de aventuras, una original historia que prácticamente te obliga a soñar y en la que todo va más allá de los productos y la publicidad porque, en realidad, lo que importa es ella misma. No podemos decir lo mismo de Monstruos contra alienígenas, de Rob Letterman y Conrad Vernon, un espectáculo portentoso en lo visual que en los primeros momentos imcluso desconcierta de lo alucinante y vertiginosa que resulta la experiencia, sin duda genial como pasatiempo para toda la familia, pero con una gran decepción en sus contenidos. Uno esperaba algo más de una parodia de las clásicas películas de bichos gigantes e invasiones del espacio exterior, pero, una vez asimilado el nuevo impacto visual, el relato se desinfla en una historia tan esquemática y previsible que apenas mantiene el interés gracias a esporádicas chispas de un humor que se conforma con explotar lo referencial y metacinematográfico. Lo mejor de la película es ese mensaje que se da de que más vale ser un monstruito (entiéndase como sinónimo de freak) que adocenarse en una vida subyugada. Pero Dreamworks sigue sin superar a Pixar; lo siento, sr. Spielberg. De G-Force, licencia para espiar, de Hoyt Yeatman para Disney, mejor no hablar. Es otro producto tipo Monstruos contra alienígenas, con menos gracia aún que ésta, que carece de alma, de verdadera diversión, de magia... y que tal vez solo encantará a los menores de doce años. El que esto sea bueno o malo, lo dejo a la elección del lector. Así que, ¿nos encontramos ante un nuevo invento multimedia para sacarnos los cuartos a base de espectacularidad y nulas pretensiones no ya artísticas, sino simplemente expresivas y comunicativas, o ante el nacimiento de un nuevo lenguaje cinematográfico creado expresamente para el nuevo formato del 3D digital? El tiempo y las obras lo dirán. Bueno, de un plumazo he despachado varios comentarios que tenía pendientes. Sirva este artículo para demostrar que Cartoonia está al tanto de lo que se hace actualmente, que luego me dicen que si estoy anclado en el pasado y la nostalgia y tal. Pues no.

domingo, 26 de abril de 2009

¨DESTINO¨ de Dali y Disney

Es un hecho muy conocido, pero tal vez aún haya alguien que ignore la colaboración entre Walt Disney y Salvador Dalí; casi casi dos mundos antagónicos. En 1945, los estudios Disney contactaron con el pintor Dalí para la realización de un cortometraje de animación surrealista basado en su obra pictórica y con la música del bolero homónimo de Armando Domínguez. En esa época Dalí estaba "haciendo las Américas" explotando todo su talento surrealista, y los USA se rindieron a sus pies. Y la poderosa Disney también.

Se trataría de un corto de seis minutos que formaría parte de una película similar a Fantasia, el más arriesgado y "experimental" film de Disney. El proyecto, del cual tan sólo se rodaron 20 segundos de prueba, no acabó de cuajar y se canceló al año siguiente, debido también a problemas presupuestarios. Sin embargo, varias décadas después, en 2003, aprovechando el material existente y los bocetos e indicaciones que había dejado Dalí, se editó finalmente el cortometraje, de unos ocho minutos de duración. Fue dirigido por Dominique Monfery y se presentó en el Festival Internacional de Annecy.

Destino se estrenó en España el 21 de mayo de 2004. El estreno fue compartido, ya que el corto se proyectó, sorprendentemente, junto a la nueva película de los hermanos Cohen, Ladykillers. Supuso la vuelta a la vida de un proyecto surgido entre Dalí y Disney hacía 57 años. Juzguen ustedes mismos. Wikipedia: en.wikipedia.org/wiki/Destino Trailers Destino (1) Destino (2) Destino (completa, pero capturada de una pantalla de cine, mala calidad)

jueves, 12 de junio de 2008

Una dura crítica a Disney y "La sirenita"

En la revista CLIJ (Cuadernos de Literatura Infantil y Juvenil) nº 182, en su apartado Cine y Literatura, el crítico Ernesto Pérez Morán escribe un artículo titulado Contad, contad, malditos. Andersen y el cine. En él se hace un repaso al tratamiento cinematográfico que se le ha dado a los cuentos de Hans Christian Andersen, tanto en imagen real como animada. El genial escritor de El traje nuevo del emperador, La cerillera, Pulgarcito, Las zapatillas rojas, El soldadito de plomo, El patito feo o La sirenita -cuentos que a menudo no concluían con un final feliz- siempre ha sido fuente de inspiración para el cine, aunque en este medio las adaptaciones casi siempre han sido convenientemente dulcificadas, espacialmente en el dibujo animado. Así nos lo retrata el crítico en este párrafo de su artículo: La sirenita según Disney Siguiendo con los grandes estudios, la Disney, especialista en producciones edulcoradas con las que grabar a fuego en las mentes infantiles los valores estable4cidos, no podía desaprovechar el filón de Andersen. Una de las películas que más beneficios le ha reportado en su ya larga historia ha sido La sirenita (1989). Como en tantas otras ocasiones, el espíritu original de la obra se retuerce y desvirtúa de raíz, además de verse "enriquecido" por un barniz fuertemente sexista. Ya en la primera escena, los creadores de semejante tropelía dejan claras sus intencione cuando colocan en el brazo de la acuática protagonista un bolsito femenino... A partir de ahí, se suceden los desatinos, añadiendo escenas sensibleras, mientras se suprimen las ideas más brillantes del cuento, como los dolores que le producen a la sirenita sus nuevas piernas, o ese evanescente final en el que la protagonista se convierte en espuma. En la película, por contra, se impone sin ambages el típico final feliz: ella conseguirá al príncipe. Si a esto añadimos que se ha sustituído a la abuela del cuento por el padre, como símbolo de autoridad, aparece hábilmente sugerido el rancio consejo de que "la mujer debe pasar del control del padre al del marido". Como sugerido queda también el profundo mensaje religioso del cuento de Andersen en torno al alma inmortal, aunque convenientemente simplificado aquí por exigencias de la comercialidad.

A continuación, en el artículo no salen mal paradas las dos películas de Pixar-Disney, Toy Story (1995) y Toy Story 2 (1999) (El soldadito de plomo sería aquí la inspiración primera), pero sí Pulgarcita (1994), de la Warner. Como admirador de Andersen que soy (en una banda de rock en la que estuve hice un tema llamado El traje nuevo del emperador) diré que coincido con la crítica aquí expuesta sobre las ideas conservadoras y retrógradas que impregnan la mayoría de las producciones Disney, pero como "abogado del diablo" pienso que no siempre es así (recuerdo ahora la más reciente Mulan (1998), bastante feminista) y a la factoría Disney hay que adjudicarle su justo valor dentro del mundo de la animación.

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